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ANTES QUE LOS POWER RANGER DOMINABAN LA TELE (2)

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A lo largo de los más de 7 años que vengo escribiendo en este blog hubo varios artículos que supieron ganarse el favor de mis apreciados lectores, pero uno de los que más ha prendido en el cariño de muchos es aquel en el cual hice referencia a uno de los grandes superhéroes que existieron durante mi infancia. Arribado desde el lejano oriente, este bizarro personaje se enfrentaba cada semana contra un montón de monstruos de goma, a cual más estrambótico, con el fin de defender a unas maquetas de cartón pintado.

A pesar del éxito del artículo dedicado al Ultraman original, siempre sentí que el mismo había quedado algo incompleto… y pronto descubrí cual era esa falta. 

Es por eso que, en el 50° aniversario de su puesta en las pantallas televisivas, pongo ante ustedes un anexo a ese informe (si quieren leerlo pinchen aquí) en el cual se describen tanto la ficha técnica de la serie como los capítulos que la conformaron. 

¡Allá vamos! 
¡SHUWASHHHH!

ANEXO: GUIA DE EPISODIOS

ULTRAMAN SERIE ORIGINAL (Urutoraman: Kûzô Tokusatsu Shirîzu-1966-1967- Tokyo Broadcasting System / Tsuburaya Productions)


Producción: Toshiaki Ichikawa (Ep. 1-13), Sueyasu Masami (Ep. 14-39) y Toshimichi Miwa.

Supervisión de efectos especiales: Eiji Tsuburaya.

Fotografía: Yasumichi Fukuzawa y Masaharu Utsumi.

Música: Miyauchi Kuniro.

Efectos especiales:Sadamasa Arikawa, Tetsu Matoba, Koichi Takano y Hajime Tsuburaya.

Protagonistas: Susumu Kurobe (Shin Hayata), Akiji Kobayashi (Toshio Muramatsu), Hiroko Sakurai (Akiko Fuji), Sandayu Dokumamushi (Daisuke Arashi), Masanari Nihei (Mitsushiro Ide), Akihide Tsuwaza (Isamu Hoshino), Masao Nakasone, Bin Furuya y Masao Nakasone (Ultraman), Akihiko Irata (Dr. Iwamoto), Koji Ishizaka y Hikari Urano (narrador).

EPISODIO 1: ULTRA OPERATION N° 1 (Ultra Operación N° 1/Operación Ultraman- 17/7/1966)

Dirección: Hajime Tsuburaya y Koichi Takano

Guión: Shinichi Sekizawa y Tetsuo Kinjo

Sinopsis: Mientras patrulla por los cielos en su jet, el oficial Shin Hayata es testigo de la presencia de un objeto volador que persigue a otro. De manera accidental, choca con la esfera roja, la cual está tripulada por una especie de policía espacial llegado de la nebulosa M-78, quien se halla en persecución de un monstruo que ha escapado del cementerio espacial. 

Consternado por la muerte del ser humano, Ultraman se fusiona con él y es así como se verá transformado en un defensor del planeta Tierra.


“Mostro” invitado:Bemular (Bemura) interpretado por Teruo Arakaki.

EPISODIO 2: SHOOT THE INVADERS (¡Ataquen a los Invasores!/Disparen al Invasor Espacial 24/7/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Toru Matoba

Guión: Kitao Senzoku

Sinopsis: Una raza de seres extraterrestres similares a insectos, desean apoderarse de la Tierra y para ello trataran de poseer a los integrantes de la patrulla científica.

“Mostro” invitado: Baltan Gaijin (Barutan Seijin), interpretado por Takeshi Sato.





EPISODIO 3: SCIENCE PATROL, MOVE OUT (¡Adelante Patrulla Antimonstruos! / ¡Vamos, Agentes de la CIA!- 31/7/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Toru Matoba

Guión: Masahiro Yamada

Sinopsis: Un monstruo invisible, que se alimenta de energía eléctrica, pone en peligro a las grandes centrales de las islas japonesas. Tan solo la Patrulla Científica y Ultraman tendrán la capacidad de confrontar la amenaza.

“Mostro” invitado: Neronga, interpretado por Haruo Nakajima



EPISODIO 4: FIVE SECONDS BEFORE THE EXPLOSION (Cinco Segundos antes de la Detonación / El Monstruo Radiactivo- 7/8/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano

Guión: Ryu Minamikawa

Sinopsis: Una especie de gigantesca criatura anfibia se traga una bomba atómica y Ultraman deberá derrotarla sin poner en riesgo a sus camaradas ni al planeta que juró defender.

“Mostro” invitado: Ragon, interpretado por Umenosuke Izume.



EPISODIO 5: SECRET OF THE MILOGANDA (El Secreto de Miroganda / El Monstruo Verde- 14/8/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Toru Matoba.

Guión: Keisuke Fujikawa

Sinopsis: Alimentada por rayos gamma, una simple planta se transforma en una gigantesca criatura que devora seres humanos. Ultraman se verá en apuros, cuando la criatura comienza a lanzar un gas venenoso.

“Mostro” invitado: Greenmons (Gurimonsu) interpretado por Harekichi Nakamura.



EPISODIO 6: THE COAST GUARD COMMAND (Protejan el Carguero de Cacao / Granos de Cacao- 21/8/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano

Guión: Masahiro Yamada

Sinopsis: Un lagarto brasileño, que ha llegado como accidental polizón en un cargamento de cacao, se verá mutado en un inmenso monstruo que ataca los depósitos de cacao. Inmerso en una investigación de corte policial, Hayata deberá transformarse en Ultraman con el fin de eliminar la amenaza.

“Mostro” invitado: Guesra(Gesura), interpretado por Teruo Arakaki




EPISODIO 7: THE BLUE STONE OF VALLARGE (La Piedra Azul de Baraj / La Piedra Azul- 28/8/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano.

Guión: Ryu Minamikawa y Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Mientras están realizando una investigación sobre meteoritos en una región desértica, la Patrulla Científica es atacada por una especie de insecto gigante. Considerado como un dios por una antigua civilización, Ultraman deberá enfrentar a la peligrosa amenaza.

“Mostro” invitado: Antlar (Antora), interpretado por Teruo Arakaki.


EPISODIO 8: THE LAWLESS MONSTER ZONE (La Zona Indómita / Donde Gobiernan los Monstruos - 4/9/1966)

Dirección: Hajime Tsuburaya.

Guión: Tetsuo Kinjo y Shozo Uehara.

Sinopsis: La Patrulla Científica deberá investigar la desaparición de unos científicos en una nueva isla volcánica. Al llegar al lugar se dan cuenta que la misma se halla habitada por inmensos y peligrosos monstruos prehistóricos, con excepción de Pigmon que tratará de ayudar a nuestros amigos a costa de su propia vida.

“Mostros” invitados:Red King (Reddo Kingu), interpretado por Teruo ArakakiChandora, interpretado por Yukihiro Seino- Magular (Magura), interpretado por Umenosuke Izumi - Pigmon(Pigumon), interpretado por Shuji Fujita.

 


EPISODIO 9: LIGHNING OPERATION (Operación Relámpago /Operación Ataque Relámpago - 11/9/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano.

Guión: Masahiro Yamada.

Sinopsis: Luego de un terrible huracán, hace su aparición una monstruosa criatura que necesita grandes cantidades de uranio para poder vivir. Uniendo sus esfuerzos, el ejército y la Patrulla Científica logran desviar el camino de la bestia lejos de una central nuclear, pero sin saberlo ponen en peligro a un campamento de niños exploradores.

“Mostro” invitado: Gabora, interpretado por Haruo Nakajima.


EPISODIO 10: THE MYSTERIOUS DINOSAUR BASE (El Dinosaurio del Lago / El Científico Malvado - 18/9/1966)
Dirección: Kazuho Mitsuta y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Un dinosaurio anfibio, creado por un científico loco, siembra el terror en un lago de la zona. En una singular batalla al mejor estilo torero, Ultraman vencerá al monstruo... quien extrañamente se parece a un más que conocido dinosaurio mutante.

“Mostro” invitado: Jirass(Jirasu), interpretado por Haruo Nakajima.
 

EPISODIO 11: THE RASCAL FROM OUTER SPACE (El extraño del espacio Exterior / El Meteorito extraño - 25/9/1966)

Dirección: Kazuho Mitsuta y Koichi Takano.

Guión: Tatsuo Miyata.

Sinopsis: Unos niños encuentran un meteorito que hace realidad todo lo que se desea. Un hombre roba el mismo y lo usa para cometer fechorías. Finalmente, en un rapto de locura, crea un monstruo que destruirá todo a su paso.

“Mostro” invitado: Gango(Gyango) interpretado por Teruo Aragaki.
 

EPISODIO 12: CRY OF THE MUMMY (El Llanto de la Momia / La Momia Egipcia - 2/10(1966)

Dirección: Hajime Tsuburaya.

Guión: Keisuke Fujikawa.

Sinopsis: En una caverna es descubierta una momia, la cual revive y ataca a los investigadores. Al ser destruida, un monstruo similar a un dragón despierta de su letargo y se enfrenta a Ultraman.

“Mostro” invitado: Dodongo, interpretado por Teruo Arakaki y Yukihiro Seino… y una momia.


EPISODIO 13: OIL S.O.S. (Problema de Aceite / El Monstruo Devorador - 9/10/1966)

Dirección: Hajime Tsuburaya.

Guión: Shozo Uehara.

Sinopsis: Un monstruo acuático parecido a un murciélago ataca a los barcos petroleros, con el fin de alimentarse del preciado combustible. Ante el peligro de que ataque una importante refinería, la Patrulla Científica y Ultraman tratarán de detenerlo.

“Mostro” invitado: Pestar (Pesuta), interpretado por Teruo Arakaki y Yukihiro Seino.


EPISODIO 14: THE PEARL DEFENSE DIRECTIVE (La Bestia Devoraperlas / La Perla - 16/10/1966)

Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Un monstruo devorador de perlas pone en peligro esa millonaria industria. La Patrulla Científica trata de detenerla aunque sin éxito, por lo que Ultraman se transformará en la última esperanza.

“Mostro” invitado: Gamakujira, interpretado por Teruo Arakaki.

EPISODIO 15: TERRIFYING COSMIC RAYS (Los rayos Cósmicos del Terror / Los Terribles Rayos Cósmicos - 23/10/1966)

Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Unos niños dibujan un monstruo que, mediante la acción de unos rayos cósmicos, vuelve a la vida. Si bien es pacífico, su gran tamaño lo convierte en una gran amenaza para la integridad de Tokio. Es por ello que Ultraman deberá tomar cartas en el asunto.

“Mostro” invitado: Gavadon, interpretado por Teruo Arakaki.


EPISODIO 16: SCIENCE PATROL INTO SPACE (La Patrulla Antimonstruos al Espacio / Llamando al Espacio - 30/10/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Koichi Takano.

Guión: Kitao Senzoku.

Sinopsis: Una nave espacial que viaja al planeta Venus se topa con los sobrevivientes de la raza Baltan, uno de los cuales se apodera del cuerpo del piloto. Alertada, la Patrulla Científica sale al rescate y es así como deberán enfrentarse a una nueva invasión de estas arteras criaturas. Utilizando sus inmensos poderes, Ultraman logrará detener el ataque extraterrestre.

“Mostro” invitado:Baltan Gaijin II (Barutan Seijin), interpretado por Takeshi Sato.



EPISODIO 17: PASSPORT TO INFINITY (Pasaporte a la Infinidad / Al Infinito y Más Allá - 6/11/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Koichi Takano.

Guión: Keisuke Fujikawa.

Sinopsis: Unos científicos encuentran dos meteoritos que tienen la capacidad de alterar la realidad. Cuando estos se unen, nace un monstruo que atrapa a todos los integrantes de la Patrulla Científica en una extraña dimensión de naturaleza psicodélica.

“Mostro” invitado: Bullton (Buruton), interpretado por Teruo Arakaki.


EPISODIO 18: BROTHER FROM ANOTHER PLANET (El Hermano de Otro Planeta / Hermanos Espaciales -13/11/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano.

Guión: Ryu Minamikawa y Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Una extraña niebla tóxica se aposenta sobre la ciudad de Tokio, por lo que la Patrulla Científica investiga las causas de la misma. Es así como se encontraran con un extraterrestre que les dice que se encargará de eliminar ese peligro. 

El patrullero Hayata logra descubrir que todo es un engaño, por lo que la criatura lo toma prisionero y se transformará en un Ultraman maligno con el fin de engañar al planeta. Ya liberado, Hayata convoca a su alter ego para que le pare los pies al invasor. 


“Mostro” invitado: Alien Zarab(Zarabu Seijin) interpretado por Takeshi AonoFalso Ultraman, interpretado por Fumio Ikeda.



EPISODIO 19: DEMONS RISE AGAIN (Las Bestias otra vez / Resurrección de los Demonios - 20/11/1966)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano.

Guión: Masahiro Yamada y Ryu Minamikawa.

Sinopsis: Dos criaturas gigantes, enemigas entre sí, son liberadas de las cápsulas que las contienen. Al enfrentarse, causan gran destrucción por lo que Ultraman tratará de detenerlas.

“Mostros” invitados: Aboras(Aborasu), interpretado por Nakamura Harekichi y Kunio Suzuki - Banila (Banira), interpretado por Yasuhiro Tajiri.




EPISODIO 20: TERROR ON ROUTE 87 (Terror en la Ruta 87 /Autopista 87- 27/11/1966)
Dirección: Yuzo Higuchi y Loichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Luego de una muerte de un joven por un accidente automovilístico, un monstruo hace su aparición con el fin de vengar ese deceso.

“Mostro” invitado: Hydra (Hidora), interpretado por Teruo Aragaki.

EPISODIO 21: BREACH THE WALL OF SMOKE (¡Tras la Barrera de Humo! / El Monstruo de Humo - 4/12/1966)

Dirección: Yuzo Higuchi y Koichi Takano.

Guión: Taro Kaido.

Sinopsis: Una criatura subterránea que emite un humo tóxico, ataca las ciudades japonesas. Las fuerzas conjuntas de la Patrulla Científica y Ultraman tratarán de detener a la invencible bestia.

“Mostro” invitado: Kemular(Kemuraa), interpretado por Kunio Suzuki.



EPISODIO 22: OVERTHROW THE SURFACE (El Plan de Ataque Subterráneo / Destruyan la Tierra - 11/12/1966)

Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Una civilización subterránea libera a una criatura prehistórica para que arrase la superficie del planeta. Atrapado por dicha gente, Hayata convocará la presencia de Ultraman a fin de detenerlos.

“Mostro” invitado: Telesdon(Teresudon), interpretado por Yokoo Kazunori.

EPISODIO 23: MY HOME IS EARTH (La Tierra es mi Hogar / Tierra Natal- 18/12/1966)

Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Contaminado por un agente mutagénico, un astronauta es convertido en un peligroso monstruo gigante. Lleno de odio hacia su planeta de origen, volverá a la Tierra para vengarse atacando a la Conferencia Mundial de la Paz que se celebra en Tokio.

“Mostro” invitado: Jamila (Jamira), interpretado por Teruo Arakaki.


EPISODIO 24: THE UNDERSEA SCIENCE CENTER (El Centro Científico Submarino / La Base Científica - 25/12/1966)

Dirección: Toshihiro Iijima y Koichi Takano.

Guión: Keisuke Fujikawa.

Sinopsis: Un monstruo acuático ataca una base submarina, por lo que Ultraman tiene que actuar para salvar la situación.

“Mostro” invitado: Gubila(Gubira) interpretado por Teruo Arakaki.



EPISODIO 25: MYSTERY COMET TYPHOON (El Temido Cometa Cifón / Un Misterioso Twifon - 1/1/1967)

Dirección: Toshihiro Iijima y Koichi Takano.

Guión: Bunzo Wakatsuki.

Sinopsis: Tratando de evitar la detonación de unas bombas atómicas, la Patrulla Científica se deberá enfrentar nada menos que a tres monstruos enfurecidos que fueron revividos por el cometa Twiphon.


“Mostros” invitado: Gigass (Gigasu), interpretado por Minami Akira- Dorako, interpretado por Fumio Ikeda - Red King II (Reddo Kingu), interpretado por Kunio Suzuki.


EPISODIO 26: THE PRINCE OF MONSTERS 1° Parte (El Príncipe de los Monstruos 1° Parte - 8/1/1967)

Dirección: Hajime Tsuburaya y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo y Bunzo Wakatsuki.

Sinopsis: Un niño que es un gran experto en monstruos asiste consternado a la derrota de Ultraman por parte de un dinosaurio que fuera encontrado en una lejana isla. Lo peor de todo el asunto es que, debido al gran golpe recibido, Hayata pierde su capsula Beta.

“Mostro” invitado: Gomora, interpretado por Kunio Suzuki.


EPISODIO 27: THE PRINCE OF MONSTERS 2° Parte (El Príncipe de los Monstruos 2° Parte - 15/1/1967)

Dirección: Hajime Tsuburaya y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo y Bunzo Wakatsuki.

Sinopsis: Sin su cápsula Beta, Hayata observa impotente la destrucción causada por Gomora. Afortunadamente, el niño experto en monstruos encuentra la misma y es así como Ultraman vuelve a enfrentar al monstruo.

“Mostro” invitado: Gomora

EPISODIO 28: HUMAN SPECIMENS 5 & 6 (Muestras Humanas 5 y 6 / Humano 5-6- 22/1/1967)

Dirección: Samaji Nonagase y Kichi Takano.

Guión: Masahiko Yamada.

Sinopsis: Una extraña criatura extraterrestre pone en jaque la integridad de los representantes de la Patrulla Científica, pero afortunadamente Ultraman hace su aparición con el fin de poder derrotarlo.

“Mostro” invitado: Dada, interpretado por Daisuke Nagumo.



EPISODIO 29: THE CHALLENGE INTO SUBTERRA (En el Centro de la Tierra - 29/1/1967)

Dirección: Samaji Nonagase y Koichi Takano.

Guión: Ryu Minamikawa y Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Misteriosamente, el oro que se encuentra en las minas comienza a desaparecer. Al investigar, la Patrulla Científica se topa con dos monstruos que se alimentan de ese valioso mineral. 

“Mostro” invitado: Goldon (Gorudon), interpretado por Koji Ogi.


EPISODIO 30: PHANTOM OF THE SNOW MOUNTAIN (Un Fantasma en la Montaña - 5/2/1967)
Dirección: Yuzo Higuchi y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Una especie de criatura mítica, que es protector de una misteriosa niña, siembra el terror en una región montañosa.

“Mostro” invitado: Woo, interpretado por Kunio Suzuki.

EPISODIO 31: WHO GOES THERE? (¿Quién ha Llegado? / Planta Mortal - 12/2/1967)

Dirección: Yuzo Higuchi y Koichi Takano.

Guión: Taro Kaido.

Sinopsis: Una raza extraterrestre de características vegetales y hábitos hematófagos, que vive en lo profundo de las selvas amazónicas, envía un agente a tierras japonesas con el fin de apoderarse de la Tierra. Tan solo Ultraman y sus inmensos poderes serán capaces de detener la invasión.

“Mostro” invitado: Keronia, interpretado por Koji Ogi.



EPISODIO 32: THE ENDLESS COUNTERATTACK (Interminables Contraataques- 19/2/1967)
Dirección: Toshitsugu Suzuki y Koichi Takano.

Guión: Keisuke Fujikawa.

Sinopsis: Debido a la destrucción de su hábitat, un monstruo que emite fuego se dirige hacia la ciudad de Tokio. Ante la inutilidad de la defensa terrestre, Ultraman deberá intervenir con el fin de detener la amenaza.

“Mostro” invitado: Zambolar (Zambora), interpretado por Kunio Suzuki. 


EPISODIO 33: THE FORBIDDEN WORDS (Las Palabras Prohibidas / Malas Palabras- 26/2/1967)

Dirección: Toshitsugu Suzuki y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Un extraterrestre llegado de un planeta condenado, rapta algunos integrantes de la Patrulla Científica. Al enfrentarse con Ultraman descubre que ambos están igualados en sus poderes.

“Mostro” invitado: Mefilas (Mefirasu Seijin) interpretado por Seizo Kato.


EPISODIO 34: PRESENT FROM THE SKY (Un Regalo Desde el Cielo / El Regalo del Cielo - 5/3/1967)

Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Un meteorito cae a la Tierra y de su interior sale un poderoso monstruo que pone en jaque la fuerza de la Patrulla Científica y los poderes de Ultraman.

“Mostro” invitado: Skydon (Sukaidon)
 


EPISODIO 35:  (La Tumba de los Monstruos / El Cementerio Terrorífico- 12/2/1967)
Dirección: Akio Jissoji y Koichi Takano.

Guión: Mamoru Sasaki.

Sinopsis: Debido a unos disturbios en la zona conocida como el Cementerio de los Monstruos, en el cual yacen los cuerpos de las criaturas derrotadas por la hermandad de los Ultraman, Seabozu cae accidentalmente en la Tierra. En su deseo por retornar a lo que considera su hogar, causará una destrucción tal que Ultraman deberá intervenir.

“Mostros” invitados: Seabozu (Shibozu), interpretado por Kunio Suzuki.

EPISODIO 36: DON´T SHOOT, ARASHI (No Dispares Arashi- 19/3/1967)

Dirección: Kazuho Mitsuta y Koichi Takano.

Guión: Masahiro Yamada.

Sinopsis: Un monstruo, que tiene la habilidad de emitir un poderoso resplandor, ataca un parque de diversiones y pone en peligro a los niños que allí se encuentran. Aun cegado por un ataque de la criatura, Hayata se transforma en Ultraman.

“Mostro” invitado: Zaragas (Zaragasu), interpretado por Kunio Suzuki.

EPISODIO 37: THE LITTLEST HERO (Un Pequeño Gran Héroe- 26/3/1967)

Dirección: Kazuho Mitsuta y Sadamasa Arikawa.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: El poderoso Geronimon ataca la Tierra y para ello revive a otros monstruos para que lo ayuden. Tan solo el bueno de Pigmon está en desacuerdo y pone sobre aviso a la Patrulla Científica.

“Mostros” invitados: Re-Pigmon(Saisei Pigumon), interpretado por Kiyoshi Komiyama y Oyake Masahiro - Re-Dorako(Saisei Dorako), interpretado por Eichi MatsushimaRe-Telesdon (Saisei Teresudon), interpretado por Yukihiro Seino Geronimon (Jeronimon), interpretado por Teruo Aragaki.




EPISODIO 38: THE SPACESHIP RESCUE COMMAND (Rescaten a la Nave Espacial- 2/4/1967)

Dirección: Hajime Tsuburaya y Sadamasa Arikawa.

Guión: Shozo Uehara.

Sinopsis: Al aterrizar en el planeta Q, los integrantes de la Patrulla Científica son testigos de la lucha entre dos monstruos que ponen en peligro sus propias vidas. 

“Mostro” invitado: SaygoKiyla (Kira), interpretado por Haruo Nakajima.


EPISODIO 39: FAREWELL, ULTRAMAN (¡Hasta Luego, Ultraman! / Adiós, Ultraman Hayata- 9/4/1967)

Dirección: Jajime Tsuburaya y Koichi Takano.

Guión: Tetsuo Kinjo.

Sinopsis: Una gran flota extraterrestre se acerca a la Tierra, por lo que la Patrulla Científica deberá tomar cartas en el asunto. Muy pronto descubren que a la cabeza de esa invasión se encuentra el Alien Zetton. 

Enfrentado con Ultraman, este termina venciendo a nuestro héroe. Con un arma especial de su invención, Arashi e Ide destruyen al monstruo. Cuando todos creemos que Ultraman está muerto, hace su aparición Ultraman Zoffy (Satoshi Furuya), quien revive a su compañero y lo separa del cuerpo de Hayata para que este vuelva a su vida normal. 


Ultraman deja finalmente el planeta, diciendo que ya la humanidad puede arreglarse por sí misma sin necesidad de su ayuda.


“Mostro” invitado: Zetton (Zetton Seijin), interpretado por Teruo Arakaki



VIDAS VAMPIRAS (1° Mordida)

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1-PROLOGO

“De pronto me di cuenta de que el conductor guiaba los caballos hacia el patio de un inmenso castillo en ruinas, en cuyas altas y oscuras ventanas no se veía un solo resplandor, y cuyas almenas desmoronadas recortaban sus melladas siluetas contra el cielo iluminado por la luna”


Diario de Jonathan Harker

En cualquier cultura que se precie de tal, los mitos y las leyendas se encargan de ocupar un lugar de suma importancia, tanto sea en las tradiciones orales como las escritas.

Desde el primer hombre de las cavernas, que adoraba a la Luna o al rayo, hasta el moderno y civilizado empresario, que rinde culto a dioses tan ridículos como un teléfono celular, las sucesivas generaciones de seres humanos hemos vivido a la sombra de una serie de historias fantásticas, que han intentado explicar todo aquello que no podemos llegar a comprender… o que tememos.

Dioses, monstruos y demonios de las más variadas calañas han medrado en la imaginería y la superstición popular tornándose muchas veces (quizá demasiadas) en increíbles realidades.

Entre todos ellos, existe uno que ha sabido perdurar más allá del olvido y del raciocinio. Una abyecta criatura de la noche que, alzándose desde una fría tumba, ha desafiado a la mismísima muerte a fin de cebarse de nuestra sangre y nuestros temores ante lo desconocido.

El es el inmortal señor de la noche…

El muerto viviente…

Nosferatu… 

El vampiro.

2-TIEMPOS TENEBROSOS

Sonó el ruido de cadenas y gruesos cerrojos al ser descorridos. Giró una llave con el chirriante sonido que produce un prolongado desuso, y se abrió la puerta. Dentro había un hombre alto y viejo, con gran bigote blanco, y vestido de negro, sin una sola nota de color en todo él.

“-¿El Conde Drácula?

“-Yo soy Drácula, señor Harker. ¡Bienvenido a mi casa! ¡Entre libremente y por su propia voluntad!”


Diario de Jonathan Harker
-LILITH-

Desde tiempos inmemoriales, el vampirismo y la sangre han sabido tener una estrecha relación entre sí, debido ello a la fascinación que produce esta última como elemento dador de vida, Todo ello logró transformar este mito en una suerte de perversión sobre las ansias de inmortalidad que eran inherentes a todo ser humano que se preciara de serlo.

La creencia sobre la existencia del vampiro se halla extendida por todo el mundo, aun en nuestro flamante siglo XXI, en el cual rondan extraños grupos de bebedores de sangre vestidos todos de negro. 

Arquetipos primordiales jungeanos. Atavismos bestiales humanos. Miedos y supersticiones. Todas ellas son explicaciones más que válidas para sostener el mito del vampirismo a lo largo de las eras, pero si queremos conocer los orígenes mismos de todo esto deberemos remontarnos en el tiempo hasta los albores mismos de la civilización.

La región mesopotámica fue quizá una de las primeras en alimentar este oscuro mito. Dentro de su vasto bestiario mitológico existían los Alal, unos demonios de aspecto horripilante, y los Telal, unos feroces guerreros, quienes podrían ser considerados como los auténticos antecesores de los vampiros.

Ademas de los demonios alados conocidos como los Utuhu y Maskin, las creencias babilónicas citan a la enigmática Lilitu. Esta diosa fue tomada más tarde por la religión judía con el nombre de Lilith, la primera mujer de Adam, que por ser demasiado igual a su contrapartida masculina fue expulsada del paraíso. Ello la llevó a transformarse en la reina de los demonios categoría chupasangre.
-LAMIAS-

Este concepto religioso, que en realidad hacía referencia a las impurezas presentes en la sangre -especialmente la proveniente de una mujer, un concepto que realza las connotaciones sexuales inherentes al vampirismo- sería más tarde reivindicado por el cristianismo y la ya célebre última cena de Jesús y sus seguidores.
-ESTRIGES-

Otros sitios del planeta no se quedaron atrás a la hora de crear (y creer) todo tipo de criaturas diabólicas, cuyo trabajo diario era atrapar a los incautos a fin de poder beberse su sangre o, en su defecto, la energía vital.

En la Grecia antigua, la gran cuna de la civilización occidental, hicieron su aparición una serie de mitos al respecto. Dentro de la enorme panoplia de seres fantásticos, podemos nombrar a algunas criaturas de características vampíricas que resultan bastante interesantes.

Una de ellas era la Empusa, un demonio con pies de bronce que era hija de la diosa Hecate. Este monstruo tenía la habilidad de adoptar las formas de una bella ninfa con el cual seducía a sus potenciales víctimas.

Otro de ellos era la Lamia, la hija de un rey Belus de Libia que, maldecida por la celosa diosa Hera, se vio transformada en un ser que devoraba niños y bebía sangre humana.
-UTUKKUS-

Por último podemos nombrar a las Estriges, una especie de mujeres pájaro que bebían la sangre de los recién nacidos y absorbían la fuerza vital de los hombre mientras estos dormían.

Estos monstruos (u otros de similares características) han sido hallados a lo largo de todo el mundo, dándonos claras evidencias sobre la fascinación del hombre por los ritos de la sangre. Entre ellos podemos nombrar:-

-Utukkus mesopotámicos

-la sanguinaria diosa Sejmet egipcia

-Katalkanas cretenses. 
-DIOSA KALI-

-Larvae romanos

-los Al-ghul africanos.

-Jiang Shi chino o vampiros zombi.

-La sangrienta diosa Kali de la India y su cohorte de Vetalas.

-el Baital de la Europa central.

-El Pihuychen mapuche.

-las diosas Cihuateteo aztecas.

-Las Güaxas españolas.

-El Strigoi en Rumania y regiones aledañas.

Todos estos perversos seres eran, por regla general, divinidades descarnadas (similares al súcubo cristiano) o de espíritus sin forma corpórea, los cuales se hallaban muy lejos del concepto de vampiro propiamente dicho. Para hablar de tal deberemos remitirnos a los inicios de la era medieval y al incontenible ascenso de la religión cristiana.

A partir del siglo XI comenzó a extenderse la creencia sobre la existencia de los muertos vivos a partir de ciertos hechos inquietantes que habían acontecido. En algunos libros de la época -el Dictionaire Infernal de Colin de Plancy, De Ungis Curialium de Walter Map y la Historia Regis Anglicarum de William Newburg- fueron descritas con gran detalle espeluznantes historias sobre difuntos que habían sido hallados intactos en sus tumbas, o fuera de ellas, muy lejos del característico estado de putrefacción que suele enseñorearse sobre nuestra carne. 

Los muertos vivientes que eran avistados, profusamente documentados por prestigiosos eruditos en el tema, serían conocidos con el nombre de Cadáveres Sanguisugus.

Estos “estudios científicos” se encargaron de alimentar aún más la hoguera de las supersticiones, logrando que la plaga vampírica se tornara endémica a lo largo de todo el centro-este de Europa.

En 1484, el Vaticano tomó cartas en el asunto y el Papa Inocencio VIII, en su bula Summis desiderantes affectitius, reconoció oficialmente la existencia de los muertos vivientes como entidades malignas dignas de ser tomadas en cuenta.

A instancia de todo ello, los padres dominicos Jacob Sprenger y Heinrich Kramer publicaron el Malleus Maleficarum, una de las obras más famosas en lo que respecta al estudio de los seres malignos que asolaban a la humanidad (si queridos amigos… en esos tiempos también había mucha gente al pedo).

Si bien la creencia en esas manifestaciones del mal se había afianzado de manera indeleble en el común de la gente, recién en el siglo XVI la leyenda del vampiro tal cual la conocemos en la actualidad haría su aparición en Hungría y Rumania, para luego desparramarse por todo el continente europeo.

Es muy probable que dichas historias se hicieran populares debido al pobre conocimiento médico de esas épocas (que confundían los estados comatosos o catalépticos como signos de posesión diabólica), la ignorancia, la superstición y a las grandes pestes que asolaron inclemente durante el medioevo, entre ellas la nefasta Peste Negra que se encargó de matar a un cuarto de la población del continente. 

Para la crédula y asustada gente de esos tiempos, el Diablo campaba a sus anchas por el mundo mortal desafiando la obra imperecedera del dios que regía el destino de los cristianos.

Todas estas creencias se extendieron sin traba alguna por Silecia, Bohemia, Polonia, Hungría, Moldavia, Rusia y Grecia(1), alcanzado su punto más álgido durante los siglos XVII y XVIII. 

Uno de los casos más resonantes durante estos tiempos oscurantistas fue el de Arnold Paole, un soldado serbio que aparentemente se había transformado en un vampiro debido a un ataque que había sufrido en un sitio llamado Gossowa. La cosa no hubiera pasado de ahí si no fuera porque dio inicio una extraña epidemia que afectó nada menos que a 16 personas. 

Cuando los asustados pobladores abrieron la tumba de Paole se encontraron con una visión que resultó aterradora. El supuesto muerto, lejos de encontrarse totalmente comido por los gusanos, no mostraba ni la menor señal de descomposición. Otro motivo de alarma entre los testigos del hecho fue el poder observar la presencia de sangre fluyendo de sus ojos, nariz, boca y orejas. A fin de detener lo que consideraban una plaga vampírica, los presentes realizaron los correspondientes rituales tanto en Arnold Paole como en sus víctimas.

Es así como las palabras Vampyr, Wampior, Upir, Brucolaco o Wampir comienza a ser repetida de boca en boca, tipificándose la figura del siniestro ser como una entidad corpórea que chupa sangre con el fin de perpetuarse y engendrar a otros como él(2).

Como era de esperar, fueron llevados a cabo profundos estudios sobre el tema y se escribieron numerosos libros, entre ellos el célebre Tratado sobre los Vampiros, escrito en 1746 por el fraile benedictino Agustín Calmet, el cual se transformó en el primer estudio documentado sobre la probable existencia de estas bestiales criaturas.

El vampiro se había transformado en el oscuro amo del mundo ¿civilizado?

Afortunadamente las almas de los pobres mortales no estaban indefensos ante estas nefastas criaturas infernales, ya que existían diversas maneras para lograr detener su acometida.

Entre ellas podemos nombrar las ramas de rosa silvestre o de espino que eran colocadas sobre la tumba, la famosa cruz o la ostia consagrada, el agua bendita, el enterrarlos cabeza abajo, la incineración del cadáver sospechoso, el uso de agujas de acero y hierro en el corazón, la decapitación, el ajo y, por supuesto, el arma definitiva: la estaca, fabricada de madera de álamo o espino blanco(3), la cual debía ser clavada en el pecho del supuesto vampiro(4)

Como era de esperar, la ímproba tarea de eliminar al vampiro se hallaba en manos de un cazador de vampiros, el cual podía ser un religioso o un híbrido vampiro nacido de mujer humana que era conocido como Dhampiro (¡¿?!). Para tales menesteres solían contar con unos estuches en los cuales eran guardados los elementos necesarios para tal fin.

Pero, tal como lo destaqué al principio de este artículo, todas estas locuras eran tan solo leyendas alimentadas por la ignorancia, la superstición y las limitaciones del conocimiento médico de esos oscuros tiempos, aunque todo eso no es óbice para ser tomadas como simples patrañas.

La vida real terminó encargándose de demostrarnos que los vampiros existían.


CONTINUA…

NOTAS:

1-En este país fueron conocidos con el nombre de Vrylolakas, una palabra tomada de la lengua Eslavona que significa Hombre Lobo los cuales, al morir, se transformaban en vampiros.

2-Casi siempre los afectados por el vampirismo eran esas personas que no habían recibido cristiana sepultura.

3-Se supone que estos elementos fueron los usados en la crucifixión de Jesus.

4-Sin dudas, el más raro y gracioso de todos los métodos utilizados en el exterminio de los vampiros sea el que usaban contra los Vrykolakas griegos. El mismo consistía en trozar al vampiro y hervirlo en vino… tan solo hubiera faltado glasearlo con una salsa de hongos y rúcula, para ser servido con un buen vino.



ANEXO: FILMOGRAFIA VAMPIRULICA (1896-1959)

Desde el horrendo Nosferatu de Murnau hasta los vampiros carilindos de la saga Crepúsculo, el séptimo arte ha sabido nutrirse de las leyendas tejidas en torno a estas criaturas de la noche. 

La lista de filmes realizados gracias a este rentable mito ha sido innumerable. Es por ello que, a lo largo de este informe, desarrollaremos un anexo en el cual se describen (espero) todas las películas que fueron realizadas desde casi sus inicios.

ANTES DE 1900

-Le Manoir du Diable (Francia-1896) Dirección y guión: George Melies. Protagonistas: Jeanne d'Alcy y Georges Méliès. Protagonistas: Alice Joyce, Tom Moore, Alice Hollister, Harry F. Millarde y Robert Walker.

1900-1929

-Les vampires de la côte/Vampire of the Coast (Francia-1908-Pathé Frères


-In the Grip of the Vampire (1913)

-The Vampire (1913) Guión y dirección: Robert G. Vignola

--The Vampire´s Trail (USA-1914-Kalem Company/General Film Company) DirecciónT. Hayes Hunter y Robert G. Vignola. GuiónBenjamin Barondess, T. Hayes HunterMichael Potter Robert G. Vignola. 

Vampires of the Night (Italia-1914-Aquina Films/Greene´s Feature Photoplays)

-La Torre dei Vampiri/The Vampire´s Tower/La Tour des Vampires (Italia-1914-Società Anonima Ambrosio/Ambrosio American Company) Dirección: Gino Zaccaria. Producción: Arturo Ambrosio. Fotografía: Pietro Marelli. Protagonistas: Lia Negro, Oreste Grandi, Alfredo Bertone, Luigi Maggi y Giulietta De Riso.

-Saved from the Vampire (USA-1914-Biograph Company/General Film Company) Dirección: Dell Henderson. Protagonistas: Florence Lee, Clarence Barr, Gus Pixley, Dave Morris y Madge Kirby.

-The devil´s Daughter (USA-1915-Fox Film CorporationDirección: Frank Powell. Producción: William Fox. Guión: Garfield Thompson y Joseph H. Trant (basado en La Gioconda de Gabriele D'Annunzio)Fotografía: David Calcagni. Protagonistas: Theda Bara (La Gioconda), Paul Doucet (Lucio Settala), Victor Benoit (Cosimo Daldo), Robert Wayne (Lorenzo Gaddi), Jane Lee (Little Beata), Doris Heywood (Silvia Settala), Jane Miller (Francesca Doni), Elaine Evans (La Sirenetta), Edouard Durand (Roffiano) y Clifford Bruce. Duración: 50 minutes.

-The Vampire´s Clutch (USA-1915-Knight Film)

-Was She a Vampire? (USA-1915-Powers Pictures Plays/Universal Film Manufacturing Company/Transatlantic) Dirección: Albert W. Hale. Producción: Pat Powers. Guión: George Edwardes-Hall. Protagonistas: T. D. Crittenden, Edna Maison, Edward Peil Sr., Allan Forrest y Richard Morris.

-The Kiss of the Vampire (USA-1915) Protagonistas: Kenneth Hunter y Virginia Pearson.

-A Night of Horror (Alemania-1916) Dirección: Richard Oswald y Arthur Robison. Producción: Lu Synd. Fotografía: Max Fassbender. Protagonistas: Emil Jannings, Laurence Köhler, Werner Krauss, Hans Mierendorff, Ossi Oswalda, Lupu Pick y Lu Synd.

-Mr. Vampire/The Woman Who Learned (USA-1916-Rex Motion Picture Company/Universal Film Manufacturing Company) Dirección: Francis Ford. Guión: Grace Cunard. Protagonistas: Peter Gerald, Edna Maison, Francis Ford, Rosita Marstini, Jack Holt, Roberta Wilson y Elsie Maison.

-A Vampire Out of Work (USA-1916-Vitagraph Company of America/General Film Company) Dirección: S. Rankin Drew. Protagonistas: Josephine Earle.

-The Village Vampire (USA-1916-Keystone Film Company/Triangle Distributing) Dirección: Edwin Frazee. Producción: Mack Sennett. Guión: Edwin S. Porter. Protagonistas: Fred Mace, Anna Luther, Dale Fuller, Josef Swickard, Earle Rodney, Billie Brockwell, Charles Arling, Hugh Fay, Frank Hayes, William Hauber y Billy Gilbert.

-The Beloved Vampire (USA-1917-Balboa Amusement Producing Company/General Film Company) Producción: E. D. y H. M. Horkheimer. Fotografía: Willy Hameister. Protagonistas: Margaret Landis, Clifford Grey, Arma Carlton y Tom Morgan.

-Lilith Und Ly (Austria-1919-Fiat FilmsDirección: Erich Kober. Guión: Fritz Lang. Protagonistas: Herr Akner, Elga Beck, Ernst Escherich, August Hartner, Franz Kammauf y Hanns Marschall.

-Drakula (Rusia-1920-Metro Film) película rusa muda. Está considerada como la primera película oficial sobre el personaje de Drácula. Actualmente no hay mayor información ni copias de dicho film.

-Vampire (USA-1920) Dirección: Alice Guy

-Dracula´s Death (Hungría-1921-Fantasztikus FilmregéncyDirección: Károly Lajthay. Guión: Károly Lajthay y Mihály Kertész. Protagonistas: Erik Vanko (Dracula), Lene Myl (Mary Land), Carl Goetz, Aladár Ihász, Dezső Kertész, Lajos Réthey, Elemér Thury, James Ard y Margit Lux Mary. Duración: 65 min.

-The Blonde Vampire (USA-1922-Wray Physioc Company/Film Booking Offices of America/Wid Gunning Inc.) Dirección: Wray Bartlett Physioc. Protagonistas: De Sacia Mooers, Joseph W. Smiley, Charles Craig, Mirian Battista, Robert Conville, Edwin August, Frank Beamish, Mildred Wayne y Alfred Barrett.

-Vampires of Warsaw (Polonia-1925- MerkurfilmDirección: Wiktor Biegański. Guión: Wiktor Biegański. Fotografía: Ferdynand Vlassak y Antoni Wawrzyniak. Protagonistas: Oktawian Kaczanowski (Pradowski), Halina Łabędzka (Urszula Pradowska), Maria Balcerkiewiczówna (Countess Tamarska), Igo Sym (Tadeusz Wyzewicz), Lech Owron (Baron Kamiłow), Marian Kiernicki (Antoni), Wiera Pogorzanka (Tonia), Katarzyna Dworkowska (Przelozona klasztoru), Piotr Hryniewicz (Prosecutor) y K. Marczewski (Lichwiarz)

-London After Midnight / La Casa De Los Horrores  (USA-1927-MGMProductor y Director: Tod Browning. Guión: Waldemar Young (basada en una historia de Tod Browning. Fotografía: Merritt B. Gerstad. Diseño de producción: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. Editor: Harry Reynolds. Protagonistas: Lon Chaney (Inspector Burke/Vampire), Henry B. Walthall (Sir James Hamlin), Marceline Day (Lucille), Conrad Nagel y Polly Moran. Duración: 75 min. 

-Drácula Halála/Dracula´s Death (Austria/Alemania/Hungría-1922-Jenö TuchtenDirección: Károly Lajthay. Guión: Michael Curtiz y Károly Lajthay (Basado en la obra de Bram Stoker). Protagonistas: Paul Askonas, Carl Goetz, Károly Hatvani, Anna Marie Hegener, Aladár Ihász, Paula Kende, Dezsö Kertész, Margit Lux, Lene Myl, Oszkár Perczel y Lajos Réthey.

-Nosferatu Eine Symphonie des Gravens (Alemania-1922-Prana Film y Film Arts GuildDirección: Frederick Wilhelm Murnau. Producción: Enrico Dieckmann y Albin Grau. Guión: Henrik Galeen. Música: Hans Erdmann. Fotografía: Fritz Arno Wagner y Günther Krampf. Protagonistas: Max Schreck (Conde Orlok), Gustav von Wangenheim (Thomas Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell (Shipowner Harding), Ruth Landshoff (Annie), John Gottowt (Professor Bulwer), Gustav Botz, Max Nemetz, Wolfgang Heinz, Heinrich Witte, Guido Herzfeld, Karl Etlinger, Hardy von Francois y Fanny Schreck. Duración: 94 min.

-The Vampire (1928)

1930-1939

-Dracula (USA-1931-UniversalProductor: Carl Laemmle, Jr. Director : Tod Browning. Guión: Garrett Fort y Dudley Murphy (basado en la obra de John Balderston y Hamilton Deane y adaptado de la novela de Bram Stoker. Fotografía: Karl Freund.  Música: Tchaikovsky (Lago de los Cisnes), Wagner (Die Meistersinger) y Schubert (Sinfonía Inacabada). Protagonistas: Béla Lugosi (Dracula), David Manners (John Harker), Helen Chandler (Mina Seward), Dwight Frye (Renfield), Edward Van Sloan (Van Helsing), Herbert Bunston (Dr. Seward), Charles Gerrard (Martin), Frances Dade (Lucy) y Joan Standing (Briggs). Duración: 78 min. 

-Drácula (España/USA-1931-UniversalDirección: George Melford. Producción: Carl Laemmle, Jr. y Paul Kohner. Guión: Versión española adaptada por Baltasar Fernandez Cue. Fotografía: George Robinson. Protagonistas:  Carlos Villarias (Dracula), Lupita Tovar (Eva [Mina]), Pablo Alvarez Rubio (Renfield), Eduardo Arozemena (Van Helsing) y Barry Norton (Juan Harker). Duración: 103 min. 

-Vampyr (Alemania/Francia-1932- Carl Theodor Dreyer-Filmproduktion/Tobis-FilmkunstDirección: Carl Theodor Dreyer. Producción: Carl Theodor Dreyer y Julian West. Guión: Christen Jul y Carl Theodor Dreyer (Basado en In a Glass Darkly de Sheridan Le Fanu). Música: Wolfgang Zeller. Fotografía: Rudolph Maté. Protagonistas: Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Jan Hieronimko, Sybille Schmitz y Henriette Gerard. Duración: 73 min.

-The Vampire Bat (USA-1933-Majestic PicturesDirección: Frank R. Strayer. Producción: Phil Goldstone y Larry Darmour. Guión: Edward T. Lowe Jr.. Música: Charles Dunworth. Fotografía: Ira H. Morgan. Protagonistas: Lionel Atwill (Dr. Otto von Niemann), Fay Wray (Ruth Bertin), Melvyn Douglas (Karl Breettschneider), Maude Eburne (Gussie Schnappmann), George E. Stone, Dwight Frye, Robert Frazer, Rita Carlisle, Lionel Belmore, William V. Mong, Stella Adams, Paul Weigel, Harrison Greene, William Humphrey, Carl Stockdale y Paul Panzer. Duración: 63 min.

-Condemned To Live (USA-1935-Cohen Prods./InvincibleDirección: Frank Strayer. Producción: Maury M. Cohen. Guión: Karen De Wolf. Fotografía: M.A. Anderson. Protagonistas: Ralph Morgan, Maxine Doyle, Russell Gleason, Mischa Auer, Lucy Beaumontyz y Carl Stockdale. Duración: 67 min. 

-Mark Of The Vampire (USA-1935-MGMProducción: E.J. Mannix. Dirección: Tod Browning. Guión: Guy Endore y Bernard Schubert (basado en la novela de Tod Browning -remake de London after Midnight-). Fotografía: James Wong Howe. Productor Ejecutivo: Cedric Gibbons. Editor: Ben Lewis. Protagonistas: Béla Lugosi (Conde Mora), Lionel Barrymore, Elizabeth Allan, Lionel Atwill, Jean Hersholt, Henry Wadsworth, Donald Meek, Jessie Ralph y Carole Borland. Duración: 62 minutos.

-Dracula's Daughter  (USA-1936-UniversalDirección: Lambert Hillyer. Producción:  E.M. Asher.  Guión: Garrett Fort y John Balderston (basado en la obra "El invitado de Drácula" de Bram Stoker). Fotografía: George Robinson. Música: Heinz Roemheld. Protagonistas:  Otto Kruger (Dr. Jeffrey Garth), Gloria Holden (Condesa Maria Zaleska/Condesa Dracula), Edward Van Sloan (Van or Von Helsing), Marguerite Churchill (Janet Blake), Irving Pichel (Sandor), Gilbert Emery, Hedda Hopper y Nan Grey. Duración: 69 min.. 

-The Return Of Doctor X  (USA. 1939) Dirección: Vincent Sherman. Protagonistas: Wayne Morris, Rosemary Lane, Humphrey Bogart, Dennis Morgan y John Litel.

1940-1949

-Dead  Men  Walk  (USA-1942-PRC/PatheDirección: Sam Newfield. Producción: Sigmund Neufeld. Guión: Fred Myton. Fotografía: Jack Greenhalgh. Protagonistas: George Zucco, Mary Carlisle, Ned Young, Dwight Frye, Fern Emmett, Robert Strange. Duración: 64 min.  

-The Return Of The Vampire (USA-1943-ColumbiaDirección: Lew Landers. Producción: Sam White. Guión: Griffin Jay y Randall Faye (basado en una idea de Kurt Neumann). Fotografía: John Stumar y L.W. O'Connell. Música: Mario Castelnuovo Tedesco. Protagonistas: Béla Lugosi (Armand Tesla), Frieda Inescort (Lady Jane Ainsley), Nina Foch (Nicki Saunders), Roland Varno (John Ainsley), Miles Mander (Sir Frederick), Matt Willis (Andreas Obry). Duración: 69 min.  

-Son Of Dracula (USA-1943-UniversalDirector: Robert Siodmak. Productor: Ford Beebe. Guión: Eric Taylor (Basado en un relato de Curt Siodmak). Fotografía: George Robinson. Productor Ejecutivo: John B. Goodman, Martin Obzina. Música: Hans J. Salter. Protagonistas:  Lon Chaney, Jr. (Conde Alucard/Dracula), Louise Albritton (Katherine Caldwell), George Irving (Colonel Caldwell), Robert Paige (Frank Stanley), Frank Craven (Dr. Brewster), J. Edward Bromberg (Prof. Lazlo), Evelyn Ankers, Samuel S. Hinds. Duración: 78 min.  

-Crime  Doctor's Courage (USA-1944-ColumbiaDirección: George Sherman. Producción: Rudolph C. Flothow. Guión: Eric Taylor (basado en un programa radial). Fotografía: L. W. O'Connell. Protagonistas: Warner Baxter (Dr. Robert Ordway), Hillary Brooke (Kathleen), Jerome Cowan (Jeffers Jerome), Robert Scott (Bob), Lloyd Corrigan (John Massey). Duración: 70 min.  

-House Of Frankenstein (USA-1944-UniversalDirección: Erle C. Kenton. Producción: Paul Malvern. Guión: Edward T. Lowe (basado en una historia de Curt Siodmak). Fotografía: George Robinson. Productor Ejecutivo: John B. Goodman, Martin Obzina. Música: H.J. Salter. Protagonistas :  Boris Karloff (Dr. Niemann), J. Carrol Naish (Daniel), Lon Chaney, Jr. (Lawrence Talbot), John Carradine (Dracula), Anne Gwynne (Rita), Peter Coe (Carl), Lionel Atwill (Arnz), George Zucco (Lampini) y Elena Verdugo (Ilonka). Duración: 70 min. 

-House Of Dracula (USA-1945-UniversalDirección: Erle C. Kenton. Producción: Paul Malvern. Guión: Edward T. Lowe. Fotografía: George Robinson. Productor Ejecutivo: John B. Goodman, Martin Obzina. Música: Edgar Fairchild. Protagonistas: John Carradine (Dracula/Baron Latoes), Lon Chaney, Jr. (Lawrence Talbot), Onslow Stevens (Dr. Edelman), Martha O'Driscoll (Miliza), Lionel Atwill (Inspector), Glenn Strange (The Monster) y Jane Adams (Nina). Duración: 67 min.  

-Isle Of The Dead (USA-1945- R.K.O.Director: Mark Robson. Productor: Val Lewton. Fotografía: Jack Mackenzie. Protagonistas: Boris Karloff, Ellen Drew, Marc Cramer, Katherine Emery, Helene Thimig, Alan Napier, Jason Robards y Ernst Dorian. Duración: 69 min.

-Vampire's Ghost (USA-1945-Republic)  Director: Lesley Selander. Productor: Rudy Abel. Guión: Leigh Brackett y John K. Butler. Fotografía: Robert Pittack, Ellis Thackeray. Productor Ejecutivo: Russell Kimball. Música: Richard Cherwin. Protagonistas: John Abbott (Webb Fallon), Peggy Stewart (Julie Vance), Grant Withers (Padre Gilchrist), Charles Gordon (Roy Hendrick), Adela Mara (Lisa), Emmet Vogan (Thomas Vance) y Roy Barcroft (Jim). Duración: 59 min.  

-Face Of Marble (USA-1946-MonogramDirector: William Beaudine. ProducciónJeffrey Bernard. Guión: Michael Jacoby (basado en una historia de William Thiele y Edmund Hartman). Fotografía: Harry Neumann. Productor Ejecutivo: David Milton. Música: Edward Kay. Protagonistas: John Carradine (Prof. Randolph), Claudia Drake (Elaine Randolph), Robert Shayne (David Conklin), Maris Wrixon (Linda), Thomas E. Jackson (Inspector Norton) y Rosa Rey (Maria). Duración: 70 min. 

-Valley Of The Zombies (USA-1946-RepublicDirección: Philip Ford. Guión: D. McGowan y Stuart McGowan (basado en una historia de Royal K. Cole y Sherman T. Lowe). Fotografía:  Reggie Lanning. Productor Ejecutivo: Hilyard Brown. Música: Richard Cherwin. Protagonistas: Robert Livingston (Dr. Terry Evans), Adrian Booth (Susan Drake), Ian Keith (Ormand Murks), Thomas Jackson (Blair), Charles Trowbridge (Dr. Maynard). Duración: 56 min.  

-Abbot And Costello Meet Frankestein  (USA-1948-UniversalDirección: Charles T. Barton.  Guión: Robert Lees, Frederic Rinaldo y John Grant. Fotografía: Charles Van Enger. Musica: Frank Skinner. Protagonistas: Bud Abbott, Lou Costello, Lon Chaney, Jr. (Lawrence Talbot), Béla Lugosi (Dracula), Glenn Strange (El Monstruo), Jane Randolph, Charles Bradstreet , Leonore Aubert y Frank Ferguson.  Duración: 83 min.

1950-1959

-Mother Riley Meets the Vampire (Reino Unido-1952- Fernwood ProductionsDirección: John Gilling. Producción: John Gilling y Stanley Couzins. Música: Lindo Southworth. Fotografía: Stanley Pavey. Protagonistas: Arthur Lucan y Bela Lugosi. Duración: 74 min.

-Drakula Istanbu´da/Dracula in Istambul (Turquía-1953-And Film) Dirección: Mehmet Muhtar. Producción: Turgut Demirag. Fotografía: Özen Sermet. Guión: Ümit Deniz y Ali Riza Seyfi (Basado en la obra de Bram Stoker). Protagonistas: Annie Ball, Cahit Irgat, Ayfer Feray, Bülent Oran, Atif Kaptan, Kemal Emin Bara, Kadri Ögelman, Münir Ceyhan, osman Alyanak y Eser Tezcan. Duración: 102 min.

-Not Of This Earth (USA-1956-Allied ArtistsProducción y  Dirección: Roger Corman. Guión: Charles Griffith y Mark Hanna. Fotografía: John Mescall. Música: Ronald Stein. Protagonistas: Paul Birch (Paul Johnson), Beverly Garland (Nadine), Morgan Jones (Harry Sherbourne), William Roerick (Dr. Rochelle), Jonathan Haze (Jeremy) y Dick Miller (Joe Piper). Duración: 67 min.
  
-Blood Of Dracula (USA-1957-American Int./CarmelDirección: Herbert L. Strock. Producción: Herman Cohen. Guión: Ralph Thornton. Fotografía: Monroe Askins. Musica: Paul Dunlap. Protagonistas: Sandra Harrison (Nancy Perkins), Louise Lewis (Miss Branding), Gail Ganley (Myra), Jerry Blaine (Tab), Heather Ames (Nola), Malcolm Atterbury (Lt. Dunlap) y Mary Adams (Mrs. Thorndyke). Duración: 70 min.

-El Vampiro (Mexico-1957) Dirección: Fernando Méndez. Producción: Abel Salazar. Guión: Ramón Obón. Música: Gustavo César Carrión. Protagonistas: German Robles (Conde Karol de Lavud), Ariadne Welter (Marta), Abel Salazar (Dr. Enrique), Carmen Montejo (Eloise), Jose Luis Jimenez (Ambrosio), Alicia Montejo, Mercedes Soler, Jose Chavez, Julio Daneri, Amado Zumaya, Guillermo Alvarez Bianchi, Margarito Luna y Lydia Mellon. Duración: 45 min.

-The Vampire (USA-1957-UA/Gardner- LevyDirección: Paul Landres. Producción: Jules Levy y Arthur Gardner. Guión: Pat Fielder. Fotografía: Jack McKenzie. Productor Ejecutivo: James Vance. Música:  Gerald Fried. Protagonistas: John Beal (Dr. Paul Beecher), Kenneth Tobey (Buck), Lydia Reed (Betsy Beecher), Dabbs Greer (Dr. William Beaumont), Herb Vigran (George Ryan) y Ann Staunton (Marion Wilkins). Duración: 75 min. 

-Blood of the Vampire (Reino Unido-1958-Artistes Alliance/Universal InternationalDirección: Henry Cass. Producción: Robert S. Baker y Monty Berman. Guión: Jimmy Sangster. Protagonistas: Donald Wolfit (Doctor Callistratus), Barbara Shelley (Madeleine Duval), Vincent Ball (Dr. John Pierre), Victor Maddern (Carl), William Devlin (Kurt Urach), Andrew Faulds, John Le Mesurier, Bryan Coleman, Max Brimmell, Cameron Hall, George Murcell,  Julian Strange, Bruce Wightman, Barbara Burke, Bernard Bresslaw, Hal Osmond, Henri Vidon, Bernhardt Meinster, John Stuart, Colin Tapley, Denis Shaw y Pat Phoenix.

-Return Of Dracula/Curse of Dracula (USA-1958-Levy Gardner Prods./UADirección: Paul Landres. Producción: Jules V. Levy y Arthur Gardner. Guión: Pat Fielder. Fotografía: Jack MacKenzie. Productor Ejecutivo: James Vance. Música: Gerald Fried. Protagonistas: Francis Lederer (Dracula/Bellac), Norma Eberhardt (Rachel), Ray Stricklyn (Tim), Jimmie Baird (Mickey Mayberry) y Greta Granstedt (Cora Mayberry). Duración: 77 min.  

-Plan 9 From Outer Space/Vampire's Tomb (USA-1958-Reynolds Pictures, Inc.Dirección y guión: Edward D. Wood Jr. Fotografia: William C. Thompson. Protagonistas: Gregory Walcott, Mona McKinno, Vampira, Béla Lugosi, Criswell, Duke Moore, Tom Keene, Carl Anthony, Paul Marco, Tor Johnson, Dudley Manlove, Joanna Lee, John Breckinridge, Lyle Talbot, David De Mering, Norma McCarty, Bill Ash, Reverend Lynn Lemon y Conrad Brooks. Duración

-Dracula/Horror of Dracula (Reino Unido-1958-Hammer Film Productions/Rank Organization/Universal International. Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds. Guión: Jimmy Sangster (Basado en la obra de Bram Stoker. Música: James Bernard. Fotografía: Jack Asher. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Peter Cushing (Abraham Van Helsing), Michael Gough (Arthur Holmwood), Melissa Stribling (Mina Holmwood), Carol Marsh (Lucy Holmwood), John Van Eyssen (Jonathan Harker), Janina Faye (Tania), Charles Lloyd-Pack (John Seward), George Merritt, George Woodbridge, George Benson, Miles Malleson, Geoffrey Bayldon, Olga Dickie, Barbara Archer y Valerie Gaunt as a Bride of Dracula. Duración: 82 min.


-Curse Of The Undead (USA-1959-UniversalProductor: Joseph Gershenson. Director: Edward Dein. Guión: Edward Dein y Mildred Dein. Fotografía: Ellis Carter. Musica: Irving Gertz, Milton Rosen. Protagonistas: Eric Fleming (Preacher Dan Young), Kathleen Crowley (Dolores Carter), Michael Pate (Drake Robey), John Hoyt (Dr. John Carter), Bruce Gordon (Buffer), Jimmy Murphy (Tim Carter) y Helen Kleeb (Dora). Duración: 79 min.  

ESCUADRON SUICIDA: ¡HEROES LAS PELOTAS!

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"Todos aman a los chicos buenos... ¿Como haces que el público se enamore de los villanos"
David Ayer -Director de Escuadrón Suicida


FICHA TECNICA

ESCUADRON SUICIDA (Suicide Squad -2016-Atlas Entertainment/DC Comics/DC Entertainment/Dune Entertainment/Lin Pictures/Warner Bros.)


Dirección: David Ayer.

Producción: Bruce Franklin, Andy Horwitz, Geoff Johns, Steven Mnuchin, Alex Ott, Charles Roven, Deborah Snyder, Zack Snyder, Richard Suckle y Colin Wilson.

Guión: David Ayer (basado en la idea de John Ostrander)

Música: Steven Price.

Fotografía: Roman Vasyanov.

Diseño de producción: Oliver Scholl.

Efectos especiales: Movie Armaments Group, Applied Arts FX Studio, Digital Domain, Gener8 3D, Lola Visual Effects, Makeup Effects Laboratories, Mammal Studios, Moving Picture Company y Sony Pictures Imageworks.

Protagonistas: Will Smith (Deadshot), Margot Robbie (Harley Queen), Jared Leto (Joker), Joel Kinnaman (Rick Flag), Jai Courtney (Captain Boomerang), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Killer Croc), Karen Fukuhara (Katana), Jay Hernandez (Diablo), Adan Beach (Slipknot), Viola Davis (Amanda Waller), Cara Delevingne (Encantadora), Common (Monster T), Ben Affleck (Bruce Wayne/Batman), Ezra Miller (Barry Allen/Flash), Jim Parrack, Scott Eastwood, Corina Calderon y Cee Lo Green.

Duración: 123 min.

Según el diccionario, se considera héroe a aquel personaje eminente que encarna la quinta esencia de los rasgos claves valorados en su cultura de origen. El mismo posee ciertas habilidades y conceptos morales que le permiten llevar a cabo hazañas que, por lo general, son beneficiosas para todos aquellos que lo rodean. 

Según este concepto, cabe razonar que un héroe es un ser cuasi perfecto que no piensa en sí mismo sino que lo hace por el bien de la humanidad a la cual ha jurado protegerse. 

Desde los arquetípicos héroes mitológicos como lo fueron Sansón, Hercules o Ulises hasta los modernos iconos comiqueros como Batman, Superman o el Hombre Araña, el héroe ha sido la encarnación de todo lo bueno y limpio que podía ser el ser humano.

¿Pero cual sería nuestra reacción si ese circunstancial héroe fuera realmente un artero villano de pasado más que oscuro?

Bajo este concepto se desenvuelve la nueva producción cinematográfica de Warner/DC conocida con el nombre de Escuadrón Suicida (Suicide Squad), en donde un grupo de peligrosos villanos se verán transformados de buenas a primeras en unos inesperados héroes, en cuyas manos se encuentra la posibilidad de llegar a salvar al mundo que tanto detestan y del cual han sabido abusar en el pasado antes de ser atrapados.

Para aquellos que desconocen el tema, este bizarro Escuadrón no es tan solo una película ya que tiene tras de si toda una larga historia dentro del mundo de los comics DC.

Allá por la década del 50, una época en que las revistas de superhéroes estaban muy mal vistas por los censores de turno, la industria editorial se había abocado a la publicación de otras temáticas que le permitieran sobrevivir a la estúpida caza de brujas imperante y al nefasto Comic Code Authority. Entre las muchas publicaciones que salieron a la venta se encontraba una historia de carácter bélico, en el cual un grupo de indisciplinados soldados era reunido con el fin de realizar misiones encubiertas.

Las aventuras de esta fuerza de tareas dieron inicio en la revista Brave and the Bold # 25 (8/1959) y contó con guiones de Robert Kanigher y dibujos de Ross Andru. Este grupo estaba conformado por Ace High, Beast, Blowhard, Gyp, J. E. B. Stuart, Lawles, Nickels, Rick Flag Sr. y Shiva. Sin poderes y con únicamente las habilidades humanas que le eran propias, estos inoportunos héroes debieron enfrentarse a numerosas amenazas de características sobrehumanas, entre las que se incluían una isla llena de dinosaurios.

A instancias del megaevento comiquero que reestructuró el caótico universo DC, conocido como Crisis en las Tierras Infinitas, gran cantidad de nuevas ideas vieron la luz en las diferentes publicaciones de dicha editorial. 

Algunas fueron muy buenas –tal fue el caso de Dark Knight Return de Frank Miller, Man of Steel de John Byrne, La Liga de la Justicia de Keith Giffen y J. M. De Matteis y Wonder Woman de George Pérez- y otras que no lograron obtener en demasía el favor del público. 

Una de las sagas que en su momento despertó expectativas entre los fans y terminó siendo un pequeño fiasco fue la miniserie conocida como Legends, la cual contó con guiones de John Ostrander y Len Wein e ilustraciones de John Byrne. En dicha historia los superhéroes son puestos en tela de juicio por el gobierno y el público en general, debido a las oscuras maquinaciones de Darkseid y su acolito Glorious Godfrey.

Debido a la grave situación reinante, el gobierno estadounidense decide reactivar al Escuadrón Suicida. A diferencia del anterior, este nuevo grupo se hallaba conformado por un variopinto grupo de supervillanos que, a instancias de una reducción de sus condenas, se verán obligados a realizar una serie de misiones sumamente peligrosas(1). 

La idea prendió en el gusto del público por lo que este equipo terminaría haciendo su aparición como serie regular. Con una andadura de 66 números y un especial junto a la Liga de la Justicia, los  guiones fueron escritos por John Ostrander, Paul Kupperberg y Keith Giffen en tanto que los dibujos estuvieron a cargo de Luke McDonnell,Grant Miehm, John Snyder III y Geof Isherwood.

Bajo el mando de Amanda Waller y el coronel Rick Flag, escorias criminales como Bane, Black Manta, Capitán Boomerang, Capitán Frío, Deadshot, Deathstroke, Encantadora, Katana, Killer Croc, King Shark, Parásito, El Pingüino, Poison Ivy, El Rey Reloj, Harley Quinn y unos cuanto más, se encargaron de detener diferentes tipos de amenazas.

A lo largo de los años se sucederían diferentes formaciones hasta que en 2014, merced a una renovación editorial conocida como New 52! (esa que le sacó los calzones a Superman), vio la luz un nuevo equipo de suicidas conformado por villanos tan peligrosos como Black Manta, Capitán Boomerang, Cheetah, Deathstroke, Deadshot, la hija del Joker, Parasito, Harley Quinn y Flash Reverso.

En su lucha con la omnipotente dupla Disney/Marvel, la Warner vio en este extraño grupo un fuerte potencial como para poder ser visto en la pantalla grande, por lo cual lo agregó en sus planes para su proyecto conocido como DC Extended Universe.

En febrero de 2009, los productores Dan Lin, Colin Wilson y Charles Roven comenzaron a desarrollar la idea para llevar a las pantallas a estos antihéroes, la cual contó con los guiones de Justin Mars.
-DAVID AYER-

Para llevar adelante este cotarro, en octubre de 2014 fue contratado el director David Ayer. El mismo es bastante conocido por haber desempeñado labores como guionista y director en films como U-571 (2000), Training Day (2001), Rápido y Furioso (The Fast and the Furious -2001), S.W.A.T. (2003), Reyes de la Calle (Street Kings-2008), Sabotage (2014) y Corazones de Acero (Fury-2014). Ayer no solo se encargó del manejo de las cámaras sino que también colaboró en el desarrollo de guión y en la producción.

El rodaje dio inicio en abril del 2015 en los estudios Pinewood Toronto Studios (Canadá) y la ciudad de Chicago, finalizando en agosto del mismo año. Según se cuenta, que debido al éxito obtenido por la políticamente incorrecta y divertida Deadpool, algunas escenas fueron vueltas a filmar con el fin de transformarla en un producto que fuera más atractivo para un público cada vez más exigente.
-DISEÑOS CONCEPTUALES PARA HARLEY QUINN-
La música incidental fue realizada por el ganador del Oscar Steven Price, entre cuyos méritos se cuentan la extrañísima Attack the Block (Joe Cornish-2011), la aun más extraña The World´s End (Edgar Wright-2013), Gravity (Alfonso Cuarón-2013) y Corazones de Hierro



A esta se le agregó una banda sonora compuesta por temas a cargo de Skillex & Rick Ross, Lil Wayne, Wiz Khalifa & Imagine Dragons, Twenty One Pilots, Action Bronson & Dan Auerbach, Kehlani, Kevin Gates, Grace, Eminem, Skylar Grey, Grimes, Panic! At the Disco (con una versión de Bohemian Rhapsody), Creedence Clearwater Revival y ConfidentialMX.

Luego de producida la muerte del hombre de acero debido a su enfrentamiento con Doomsday, hecho ocurrido en Batman V Superman: El Amanecer de la Justicia, Amanda Waller pone en funcionamiento un proyecto en el cual un grupo de villanos, especialmente condicionados y con la promesa de acortar sus condenas, actuará como una fuerza especial de tareas para enfrentar a la amenaza metahumana que día a día va creciendo.


Debido a las manipulaciones de un demonio conocido como La Encantadora, se desencadenará una poderosa fuerza mística que podría llegar a acabar con la humanidad. Bajo esas nefastas circunstancias, el recién formado grupo deberá dejar de lado sus diferencias y sus villanías con el fin de poder detener a esa deífica entidad.

En lo que se refiere al apartado actoral tenemos a todo un variopinto conjunto de actores, los cuales se encargaron de encarnar el papel de estos antihéroes (y algunos héroes) que hacen su aparición a lo largo de las poco más de 2 horas que dura el film.

-Will Smith, el morocho que se prende en casi todas y destruyo a Jim West, encarna el papel del experto tirador y asesino Deadshot. Con el tema de la corrección política en su punto más alto, este personaje cambió el color de su rostro y (aparentemente) tiene un carácter más gracioso que su contrapartida comiquera. 

Dentro de la fructífera carrera de este actor podemos nombrar su participación en series como El Príncipe de Bel Air (1990-1996) y en films como Bad Boys (1995), Día de la Independencia (1996), Hombres de Negro (1997), Ali (2001), Yo, Robot (2004), Soy Leyenda (2007), Hancock (2008) y La Verdad Oculta (2015).

-Margot Robbie se puso los desastrados y provocativos ropajes de la demencial Harley Quinn, un personaje que (extrañamente) se hizo famoso gracias a la serie animada realizada por Bruce Timm y que, posteriormente, ganaría su lugar en las páginas de los comics.

¿Qué puedo decir de Margot que no incluya mi eterna declaración de amor? Esta bella y talentosa actriz australiana pudimos disfrutarla (incluso desnuda) en pelis como El Lobo de Wall Street (2013), Focus (2015) y, encarnando a Jane, en la recientemente estrenada La Leyenda de Tarzan (2016).

-Jared Leto interpreta al peligroso Joker, el príncipe payaso del crimen, el cual tiene una morbosa relación sentimental con Harley Quinn.

En su existencia real, Leto es un conocido músico, actor, director y productor cuyo rostro puede ser visto en Leyenda Urbana (1998), La Delgada Línea Roja (1998), El Club de la Pelea (199), American Psycho (2000), La Habitación del Pánico (2002) y El Señor de la Guerra (2005).

-Joel Kinnaman es el Coronel Rick Flag, el enlace oficial del equipo de tareas y quien dirige las misiones.

Este actor sueco trabajo para el cine y la televisión, entre ellos podemos nombrar The Killing (serie 2011-2014), La Chica del Dragón Tatuado (2011), Robocop (2014), Crímenes Ocultos (2015) y Una Noche para Sobrevivir (2015).

-Jai Courtney es el Capitán Boomerang, uno de los tantos enemigos estrafalarios del Flash de la Edad de Plata.

Dentro de su filmografía están la serie Spartacus: Blood and Sand y los films Jack Reacher (2012), I, Frankenstein (2014), Divergente (2014) y Terminator Genesis (2015).

-Adelawale Akinnuoye-Agbaje es un actor y ex modelo británico que afeará su rostro con una enfermedad cutánea que lo transforma en el mortal Killer Croc.

A lo largo de su carrera este actor su aparición en Congo (1995), Ace Ventura (1995), Legionario (1998), La Momia Regresa (2000), G. I. Joe: El Origen de Cobra (2009), The Thing (2011), Thor: The Dark World (2013) y Pompeya: La Furia del Volcán (2014).

-Karen Fukuharaes la guerrera ninja Katana, quien actúa como guardaespaldas del Coronel Flag. Porta una espada mística que tiene la habilidad de absorber las almas de sus víctimas. Karen es una campeona de artes marciales norteamericana de ascendencia japonesa y sin pasado artístico.

-Jay Fernández es el piroquinético Diablo cuyo poder puede resultar ser extremadamente mortal. Este actor ha sabido participar en películas como Frecuencia Mortal (2001), The Roockie (2002), Hostel (2006) y Cuarentena (2008).

-Adam Beach es el asesino conocido como Slipknot.  De origen canadiense actuó en films como Códigos de Guerra (2002) y Cowboys & Aliens (2011). Si conocen el dicho "pedo en un canasto" se van a dar cuenta que el mismo le cabe muy bien a este personaje.

-Viola Davis es Amanda Waller, la despiadada jefa y organizadora del escuadrón. Entre sus numerosas participaciones podemos nombrar a Traffic (2000), Solaris (2002), World Trade Center (2006), La Duda (2008), Hermosas Criaturas (2013), El Juego de Ender (2013) y La Desaparición de Eleonor Rigby (2013).

-Cara Delevingne es la poderosa bruja conocida como La Encantadora. Actriz, modelo y cantante de origen británico, la cual tendrá el privilegio de interpretar a Laureline en el film Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas para 2017.
Como para ir cebándonos con la futura entrega de la Liga de la Justicia, Ben Affleck (Batman) y Ezra Miller (Flash) harán su aparición a lo largo del film.

Debido a que el director no se sentía excesivamente deseoso de filmar con dobles de riesgo que estuvieran de espaldas a la cámara, hizo que los actores se sometieran a un fuerte entrenamiento, entre los que se incluía el manejo de armas, con el fin de poder llevar a cabo buena parte de las escenas de acción.

Al respecto, Cara Delevingne (La Encantadora) diría: "Se trató de encontrar la cualidad física... que sintieran que estaban cambiando fisicamente y metiéndose en el personaje".

"Con todo el entrenamiento militar, David quería que la experiencia fuera lo más real posible", agregaría Joel Kinnaman (Rick Flag).

Luego de una cuidada y bastante cebada serie de trailers, Suicide Squad fue finalmente estrenada en Nueva York el 1° de agosto de este año y, a partir del 5 del mismo mes, en el resto de las salas estadounidenses y el resto del mundo.

Según había escuchado decir por ahí, debido sobre al notable éxito obtenido por Deadpool (2016-Tim Miller), los capos de la Warner pidieron que el film estuviera dirigido hacia un público más adulto, con mayor erotismo, violencia y sentido del humor políticamente incorrecto. 


Incluso se dijo que habían sido filmadas nuevas escenas. 

También se habló del cada vez más corto short de Harley Quinn

Se dijo… se dijo… se dijo.

Por nada del mundo pienso suscribirme a las críticas de los medios especializados (que, por regla general, la destruyeron sin piedad) ni me voy a subir a la eterna (y ridícula) pelea Marvel/DC llevada a cabo por los fans. En este humilde pero sincero blog que llevo adelante desde hace 7 años (¡¡¿¿??!!) voy a darles lo que me pareció esta nueva entrega de este universo superheroico.

Sin duda alguna Escuadrón Suicida no es el paradigma de las películas de superhéroes pero tampoco es un film de mala factura, ya que logró satisfacer mis expectativas comiqueras. 

Si bien hay cierto sentido del humor, el mismo es bastante esporádico. A pesar de sus esfuerzos, Escuadrón Suicida no pudo escaparle al ambiente oscuro al cual nos tienen acostumbrados las producciones basadas en los personajes de DC Comics.

A mi modesto entender, y a pesar del intento de Warner por centrarse en las figuras del nuevo Joker y de Deadshot (los títulos de presentación lo indican así), quien se roba la película es la sensual Margot Robbie. Con su característico encanto actoral, interpreta a una excepcional Harley Quinn que me conquistó de manera inmediata apenas verla. El grado de divertida y peligrosa locura, unido a la belleza de esta actriz australiana, se encargan de definir a un personaje que, en sus inicios animados, era tan solo una comparsa erótica del payaso del crimen.

¡Te amamos Margot!



Volviendo a Jared Leto y su encarnación del Joker tengo ciertos resquemores al tratar de analizar su labor actoral. Esa imagen de villano metrosexual lleno de cadenas, anillos y tatuajes está muy alejada del oscuro personaje que supimos conocer a través del malogrado Heath Ledger

A diferencia de Harley, su grado de demencia no es tan manifiesto y la relación con ella es la de un enamoramiento perverso y enfermizo que se contrapone a la que existía en el Batman de Bruce Timm, en donde la trataba como la peor de las basuras.

Con respecto a Deadshot/Will “me meto en todas menos en ID4” Smith me sucedió lo mismo que con Leto. Con la idea de transformarlo en un villano simpático y querible, este asesino a sueldo se vio transformado en un padre de familia sumido en la culpa de lo que es su tortuosa existencia. En pocas palabras: destruyeron al personaje antes que pudiera ser lo que muchos esperábamos de él.

El resto del reparto actoral cumplió con dignidad los papeles que les tocaron en suerte, a pesar del poco tiempo que les toca frente a la pantalla. Entre ellos debo destacar a Viola Davis, a quien le tocó interpretar el papel de Amanda Waller, la fría y despiadada organizadora del grupo especial de tareas. De manera acertada logró dotarle al personaje esa aura de “HDP” que se enseñorea por las páginas de los comics en los cuales hace su aparición.

En lo que se refiere al apartado técnico, sobra decir que los efectos especiales son una de las bazas fuertes del Escuadrón Suicida. Quizá, lo que más conspira es el trabajo de fotografía, el cual se maneja con tonos excesivamente opacos que no permiten al espectador tener una imagen demasiado clara de las escenas y hacen que el 3D se transforme en un ancla para el desarrollo del film.

Aún teniendo en cuenta los desaciertos comentados más arriba, el producto final es una interesante propuesta para poder llevar a buen puerto futuros proyectos ligados a este muy particular grupo de antihéroes. Particularmente espero que esta nueva entrega DC/Warner logre levantar la vara de este golpeado universo y que, de una buena vez por todas, pueda llegar a equipararse en emoción con su eterna rival.


¡Ah, me olvidaba una cosa! ¡”Pudding” no es “amorcito” malditos traductores de cuarta!

NOTAS

1-Esta idea fue tomada sin dudas del film bélico conocido como Los 12 del Patíbulo (Dirty Dozen-1967) dirigida por Robert Aldrich y protagonizada por Lee Marvin, Ernest Borgnine, Charles Bronson, John Cassavetes, George Kennedy y gran elenco.


-GALERIA DE IMAGENES-






















































































































VIDAS VAMPIRAS (2° Mordida)

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3-VERUM SANGUISUGA 

"Felizmente, la misericordia de Dios es preferible a la muerte bajo los colmillos de esos monstruos, y el precipicio es alto y escarpado. Allá abajo, un hombre puede dormir... como un hombre. ¡Adios a todos! ¡Adios Mina!"


Diario de Jonathan Harker

Las monstruosas criaturas conocidas como vampiros han sabido atemorizar a la humanidad durante incontables generaciones a través de leyendas y cuentos populares sin asidero científico alguno. Pero, para desgracia de los mortales, el vampiro no siempre ha resultado ser el producto nacido a través de los cuentos de viejas… y a las pruebas me remito.
-GILES DE RAIS-

Según cuentan por ahí, durante el siglo XV una pareja que vivían en East Lothian (Escocia) daba alojamiento a los viajeros para luego asesinarlos y comerlos… una muy buena forma de comer barato en una época en que los supermercados de proximidad ni siquiera eran un proyecto.

Otro de los casos de auténtico vampirismo fue el de Gilles de Rais (1400-1440), compañero de armas de Juana de Arco durante la Guerra de los 100 años. Este inescrupuloso individuo, que posaba sus asentaderas en el castillo de Tiffauges, se encargó de matar a no menos de 200 niños con el fin de utilizar la sangre de los mismos para la realización de una serie de espantosos experimentos alquímicos con el fin de poder descubrir el secreto de la Piedra Filosofal(1).

Un caso más que notable fue el de Erzsébet (Elizabeth) Bathory, la cual fue mejor conocida como la Condesa Sangrienta. Nacida en el año 1560 bajo la égida de una de las familias más importantes de Transilvania, Elizabeth sería entregada en matrimonio (cuando solo tenía 15 años) al conde Ferencz Nadasby, quien era sobradamente conocido como el Héroe Negro de Hungría.

Mientras su marido se hallaba embarcado en alguna de esas guerras que eran tan comunes por esos tiempos, la joven y aburrida condesa fue iniciada en los misterios del ocultismo por su sirviente Thurko y una bruja llamada Dorottya Szentes.

Acaecida la muerte de Ferencz en 1600, Bathory se abocó a la extraña perversión con la cual se haría famosa. Por accidente, la condesa viuda descubrió que la sangre de las mujeres jóvenes poseía, según ella, la virtud de perpetuar su propia juventud. 

Durante los 10 años siguientes se encargó, junto a sus secuaces, de torturar, desangrar y matar a numerosas mujeres de los alrededores del castillo. Uno de los elementos de tortura favoritos era la famosa Virgen de Hierro (Iron Maiden) en cuyo interior colocaba a sus víctimas para que los afilados pinches atravesaban las carnes y le permitieran obtener el vital elemento.

Estas nefastas noticias llegaron a los oídos de la corte del rey Mathias de Hungría, el cual encargó que fuera investigado el asunto. En Diciembre de 1610, el conde Cuyorgy Thurzo, quien era gobernador de la provincia y primo de la condesa, ingresó en el castillo Csejthe (situado en Nyitra, cercano a los montes Cárpatos) y pudo comprobar que todo lo denunciado era una espantosa realidad.

Como resultado del proceso que fue llevado a cabo, todos los implicados fueron ejecutados a excepción de la condesa quien, debido a su condición de noble, recibió un castigo totalmente diferente. En 1611, Elizabeth fue conducida nuevamente a su castillo y la encerraron de por vida en un cuarto totalmente aislado, con una única abertura por el que le era pasada la comida. La otrora malvada Condesa Sangrienta moriría cuatro años más tarde.

Muchos otros asesinos, sedientos por la sangre humana, se encargaron de hacer de las suyas en diferentes tiempos y países. Entre los más famosos podemos nombrar:-
-PETER KURTEN-

-Justine Lafayette y Martín Dummolard (conocidos como los monstruos de Monthiel) mataban y cocinaban a sus víctimas durante el siglo XIX. Como el marido era un fino gourmet prefería el beber la sangre y no comer lo que su solícita esposa preparaba.

-Friedrich Haarman, alias El carnicero de Hannover, mató a 24 mujeres, a quienes les chupaba la sangre y vendía su carne en el mercado clandestino… cuyos clientes no hacían mucho asco al origen de la misma.

-Peter Kurten o el vampiro de Düsseldorf quien mató a 8 personas, especialmente niñas, cercenándoles el cuello y bebiendo su sangre. Este famoso asesino sería retratado por el director alemán Fritz Lang e interpretado por Peter Lorre en el film M (1931).

A lo largo de los años hasta nuestra actualidad, estos y otros criminales dejarían su impronta en la imaginación y el temor popular, aunque sin duda alguna el monstruo real más famoso, fuente de inspiración de la novela de vampiros por excelencia, sería un oscuro y terrible noble rumano que fue conocido como Vlad, el empalador.

4-EL DRAGON EMPALADOR

“Exactamente encima de la vena yugular, había dos perforaciones que no tenían muy buen aspecto. Tenían los bordes blancos y destrozados. Inmediatamente se me ocurrió que esa herida, o lo que fuese, podía ser la causa de tan importante pérdida de sangre”

Diario del Doctor Seward


Vlad Tepes (1431-1476), hijo de Vlad Dracul de la Orden del Dragón Derribado, ocupó el trono de Valaquia (Rumania) en tres ocasiones diferentes durante el siglo XV y he aquí su historia.

Durante el enfrentamiento con los turcos, el rey Segismundo de Luxemburgo nombró a Vlad I como gobernador de Valaquia. La intención de este monarca era usarlo como un bastión de defensa contra el avance del incontenible ejército otomano. Los turcos, junto a su propio hermanastro, terminaron aislando a Valaquia del resto de Europa por lo que Vlad tuvo que firmar un tratado de paz. Como garantía del mismo, puso a disposición del sultán Murat II dos de sus hijos, entre ellos a Vlad Tepes.

En 1447, el general Hunyadi de Hungría, desconfiando de la lealtad de Valaquia, invadió esas tierras y ejecutó tanto a Vlad I como a su hijo Mircea. Valiéndose de la ayuda de los turcos, el joven Vlad terminó recuperando el trono de manos de Vladislav II y se transformó en el nuevo Voivoda, dando inicio a un periodo de terror pocas veces visto a lo largo de la historia de esa región.

Debido a las numerosas intrigas palaciegas e intentos de asesinato hacia su persona, el paranoico Vlad Tepes adoptó por costumbre una forma de castigo que había aprendido de los mahometanos: el empalamiento de sus enemigos, un método por el cual se ganaría su macabro apodo. Lo que tenía de bueno es que no discriminaba entre los que consideraba sus enemigos, ya fueran estos ricos comerciantes, clérigos o representantes de la nobleza.

Finalmente Tepes terminó aliándose con Hungría con el fin de combatir a los invasores turcos que amenazaban la seguridad de su reino. En esta guerra se transformaría en el terror del Imperio Otomano, debido a la ferocidad y a los métodos utilizados para lograr ese cometido. Su terrible táctica era la de empalar en el campo de batalla a los soldados capturados con el fin de lograr el desánimo de las tropas atacantes. Dichas acciones frenaron en cierta forma al poderoso ejército turco.

Al ser firmada la paz entre Hungría y los turcos, Vlad puso el grito en el cielo ante este acuerdo que consideraba poco honorable. Esa oposición le ganó la enemistad de su propio gobierno y el posterior encarcelamiento por un lapso de 12 años. Una vez que hubo sido liberado en 1474 volvió a enfrentarse con los turcos, volviendo a recuperar su trono perdido.

Vlad finalmente moriría a manos de las tropas del príncipe Basarab Laiota, que se había convertido en aliado de los otomanos. Su cabeza fue enviada a Constantinopla, como prueba de su muerte, y el cuerpo fue sepultado en el Monasterio de Snagov.

En nuestra actualidad, la figura histórica de Tepes ha sido reivindicada por el gobierno rumano, transformándolo incluso en un héroe nacional… e incluso en un rentable atractivo turístico para esa nación europea.

Es muy probable que la vida de Vlad Tepes hubiera pasado desapercibida con los aconteceres de los siglos venideros, incluso en su propia tierra, sino fuera por un escritor irlandés que lo haría renacer de su tumba.

El vampiro por excelencia lograría su inmortalidad gracias al poder de la palabra escrita.

CONTINUA...
NOTAS:

1- Piedra Filosofal: Sustancia alquímica que tenía la capacidad de cambiar el plomo en oro o plata y la de otorgar la eterna juventud. En cierta forma representa la perfección y la máxima iluminación. Su primera mención data del año 300 D.C. (Cheirokmeta de Zósimo de Panolis).

ANEXO: FILMOGRAFIA VAMPIRULICA (1960-1979)

1960-1969

-Atom Age Vampire (Italia-1960- Lion's Films/ Film SelezioneDirección: Anton Giulio Majano. Producción: Elio Ippolito Mellino. Guión: Gino De Santis, Alberto Bevilacqua y Anton Giulio Majano (basado en una historia de Piero Monviso). Música: Armando Trovajoli. Fotografía: Aldo Giordani. Protagonistas: Alberto Lupo (Prof. Alberto Levin), Susanne Loret (Jeanette Moreneau), Sergio Fantoni (Pierre Mornet), Franca Parisi (Monique Riviere), Andrea Scotti, Rina Franchetti, Roberto Bertea, Ivo Garrani, Glamor Mora y Gianna Piaz. Duración: 105 min.

-Blood and Roses (Francia/Italia-1960- Documento Film, Films EGE/ Paramount PicturesDirección: Roger Vadim. Producción: Raymond Eger. Guión: Claude Brulé, Claude Martin y Roger Vailland (basado en Carmilla de Sheridan Le Fanu). Música: Jean Prodromidès. Fotografía: Claude Renoir. Protagonistas: Mel Ferrer, Elsa Martinelli, Annette Stroyberg y René-Jean Chauffard. Duración: 87 min.

-Black Sunday/La Maschera del Demonio (Italia-1960- Galatea Film/Jolly FilmDirección: Mario Bava. Producción: Massimo De Rita. Guión: Ennio De Concini, Mario Serandrei, Mario Bava, Marcello Coscia y Dino De Palma (Basada en Viy de Nicholas Gogol). Música: Roberto Nicolosi. Fotografía: Mario Bava. Protagonistas: Barbara Steele (Katia Vajda/Princesa Asa Vajda), John Richardson (Dr. Andre Gorobec), Andrea Checchi (Dr. Thomas Kruvajan), Ivo Garrani (Prince Vajda), Arturo Dominici (Igor Javuto), Enrico Olivieri (Prince Constantine Vajda), Antonio Pierfederici, Tino Bianchi, Clara Bindi, Mario Passante, Renato Terra y Germana Dominici. Duración: 87 min.

-L´amante del Vampiro/The Vampire and the Ballerina (Italia-1960- Consorzio Italiano Films/ Rome International FilmsDirección: Renato Polselli. Producción: Bruno Bolognesi. Guión: Renato Polselli, Giuseppe Pellegrini y Ernesto Gastaldi. Música: Aldo Piga. Fotografía: Angelo Baistrocchi. Protagonistas: Hélène Rémy (Luisa), Walter Brandi (Herman), Maria Luisa Rolando (Condesa Alda), Pier Ugo Gragnani (Professor), Tina Gloriani, Isarco Ravaioli y Gino Turini as Giorgio. Duración: 83 min.

-L´ultime preda del Vampiro/The Playgirls and the Vampire (Italia-1960-Film SelezioneDirección: Piero Regnoli. Producción: Tiziano Longo. Guión: Piero Regnoli y Piero Regnoli. Música: Aldo Piga. Fotografía: Aldo Greci. Protagonistas: Lyla Rocco (Vera), Walter Brandi (Conde Gabor Kernassy / el vampiro), Maria Giovannini (Katia), Alfredo Rizzo (Lucas), Marisa Quattrini (Ilona), Leonardo Botta (Ferrenc), Antoine Nicos, Corinne Fontaine, Tilde Damiani, Erika Dicenta y Enrico Salvatore. Duración: 83 min.

-La Strange del Vampiri/Slaughter of the Vampires (Italia-1960-Mercur FilmsDirección: Roberto Mauri. Guión: Roberto Mauri. Música: Aldo Piga. Fotografía: Ugo Brunelli. Protagonistas: Walter Bigari (Marques Wolfgang), Dieter Eppler (el vampiro), Graziella Granata (Louise), Luigi Batzella (Dr. Nietzsche), Gena Gimmy, Edda Ferronao, Carla Foscari as Teresa, Maretta Procaccini as Resy y Alfredo Rizzo. Duración: 84 min.

-The Brides of Dracula (Reino Unido-1960-Hammer Film Productions/Universal-InternationalDirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds. Guión: Peter Bryan, Edward Percy, Jimmy Sangster y Anthony Hinds. Música: Malcolm Williamson. Fotografía: Jack Asher. Protagonistas: Peter Cushing (Doctor Van Helsing), Martita Hunt (Baronesa Meinster), Yvonne Monlaur (Marianne), Freda Jackson (Greta), David Peel (Baron Meinster), Miles Malleson, Henry Oscar, Mona Washbourne, Andree Melly, Victor Brooks, Fred Johnson, Michael Ripper, Norman Pierce, Vera Cook, Marie Devereux, Michael Mulcaster y Henry Scott. Duración: 85 min.

-House On Bare Mountain (USA-1962). Director: Lee Frost. Guión: Denver Scott. Fotografía: Greg Sandor. Música: Pierre Martel. Protagonistas: Bob Cresse, Laura Eden,  Angela Webster, Ann Meyers, Hugh Cannon, Jeffrey Smithers y Warren Ames.

-Black Sabbath (Italia/Francia-1963-Producción Emmepi Cinematografica/Galatea Film Societé/Cinématographique LyreDirección: Mario Bava. Producción: Salvatore Billiteri y Paolo Mercuri. Guión: Mario Bava, Alberto Bevilacqua y Marcello Fondato. Música: Roberto Nicolisi. Fotografia: Ubaldo Terzano y Mario Bava. Protagonistas: Boris Karloff, Mark Damon, Michele Mercier, Susy Andersen, Lydia Alfonsi, Glauco Onorato y Jacqueline Pierreux. Duración: 93 min.

- The Lemon Grove Kids Meet The Green Grasshopper And The Vampire Lady From Outer Space (USA-1963-Steckler) Director: Ted Rotter. Protagonistas: R.D. Steckler y Carolyn Brandt. 

-The Kiss of the Vampire (Reino Unido-1963-Hammer Film Productions/J. Arthur Rank Film Distributors/Universal PicturesDirección: Don Sharp. Producción: Anthony Hinds. Guión: John Elder. Música: James Bernard. Fotografía: Alan Hume. Protagonistas: Clifford Evans (Professor Zimmer), Noel Willman (Dr. Ravna), Edward de Souza (Gerald Harcourt), Jennifer Daniel (Marianne Harcourt), Barry Warren (Carl Ravna), Brian Oulton, Noel Howlett, Jacquie Wallis, Peter Madden, Isobel Black, Vera Cook y John Harvey. Duración: 88 min.

-Crypt of the Vampire (Italia/España-1964- MEC CinematograficaDirección: Camillo Mastrocinque. Producción: Marco Mariani. Guión: Tonino Valerii y Ernesto Gastaldi (basado en Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu). Música: Carlo Savina. Fotografía: Julio Ortas y Giuseppe Aquari. Protagonistas: Christopher Lee, Adriana Ambesi, Pier Anna Quaglia y Friedrich Klauss.

-Kiss Me Quick  (USA-1964-Fantasy FilmsDirector: Pete Perry. Protagonistas: Jackie DeWitt, Althea Currier y Frank Coe. 

-Last Man On Earth, The /  L'ultimo Uomo Della Terra (Italia/USA-1964-Associated Producers, Inc./Produzioni La Regina/American InternationalDirección: Sidney Salkow. Producción: Robert L. Lippert. Guión: Logan Swanson (basado en I Am Legend de Richard Matheson. Fotografía: Franco Delli Colli. Productor Ejecutivo: Giorgio Giovannini. Música: Paul Sawtell, Bert Shefter. Protagonistas: Vincent Price (Robert Morgan), Franca Bettoia (Ruth), Emma Danieli (Virginia), Giacomo Rossi Stuart (Ben Cortman) y Umberto Rau. Duración: 86 min. 

-My Son, the Vampire (1964)

-Planet of the Vampires (Italia/USA-1965- America-International Pictures/Castilla Cooperativa Cinematográfica/Italian International FilmDirección: Mario Bava. Producción: Fulvio Lucisano. Guión: Mario Bava, Alberto Bevilacqua, Callisto Cosulich, Antonio Roman, Rafael J. Salvia, Ib Melchior y Louis M. Heyward (basado en One Night of 21 Hours de Renato Pestriniero). Música: Gino Marinuzzi, Jr. Fotografía: Antonio Pérez Olea, Antonio Rinaldi y Mario Bava. Protagonistas: Barry Sullivan (Captain Mark Markary), Norma Bengell (Sanya), Ángel Aranda (Wes), Evi Marandi (Tiona), Franco Andrei (Bert), Federico Boido, Stelio Candelli, Alberto Cevenini, Mario Morales as Eldon, Ivan Rassimov, Massimo Righi y Fernando Villeña. Duración: 88 min.

-Billy The Kid Vs. Dracula (USA-1966-Avco-Embassy/Circle FilmsProductor: Carroll Case. Director: William Beaudine. Guión: Karl Hittleman. Fotografía: Lothrop Worth (Color). Musica: Raoul Kraushaar. Protagonistas: John Carradine (Dracula), Bing Russell (Red Thorpe), Chuck Courtney (Billy the Kid), Roy Barcroft (Marshall Griffin), Melinda Plowman (Betty), Virginia Christine (Eva), Walter Janovitz (Franz Oster), Olive Carey (Dr. Hull), Harry Carey, Jr. y Charlita. Duración: 72 min.

-Blood Bath/Track Of The Vampire (USA/Yugoslavia-1966-FilmgroupProducción y dirección: Jack Hill. Guionista: Jack Hill, Stephanie Rothman y Rados Novakovic. Productor Ejecutivo: Roger Corman. Fotografía: Alfred Taylor. Música: Ronald Stein y Mark Lowry. Protagonistas: William Campbell (Sordi), Marrisa Mathes (Daisy), Linda Saunders (Melizza), Sandra Knight (Donna), Jonathan Haze (Beatnik) y Patrick Magee. Duración: 75 min. 

-Chappaqua  (USA-1966-Rooks Prods.). Guión y dirección: Conrad Rooks. Fotografía: Robert Frank (Color). Musica: Ravi Shankar. Protagonistas: Jean-Louis Barrault, Conrad Rooks, William S. Burroughs y Allen Ginsberg. Duración: 92 min. 

- The  Devil's Mistress (USA-1966-Holiday/WGWGuión y dirección: Orville Wanzer. Fotografía: Teddy Gregory. Protagonistas: Joan Stapleton (Leah) y Arthur Resley. 

-The Lemon Grove Kids Meet The Monsters (USA-1966-Morgan-StecklerDirector: Ray Steckler. Guión: Jim Harmon y Ron Haydock. 

-Munster, Go Home (USA-1966-UniversalProductor: Joe Connelly y Bob Mosher. Dirección: Earl Bellamy. Guión: G. Tibbles y Connelly. Fotografía: Benjamin Kline. Protagonistas: John Carradine, Yvonne De Carlo, Al Lewis, Fred Gwynne, Butch Patrick, Debbie Watson y Hermione Gingold. Duración: 96 min. 

-Queen Of Blood/Planet of Blood/Planet of Vampires/Prehistoric Planet (USA-1966-American InternationalDirección: Curtis Harrington. Productor: George Edwards. Guión: Harrington (basado en "The Veiled Woman") Fotografía: Vilis Lapenieks. Productor Ejecutivo: Albert Locatelli. Música: Leornard Morand. Protagonistas: Basil Rathbone (Dr. Farraday), Florence Marly (Queen Velana), Judi Meredith (Laura James), John Saxon (Allan Brenner), Dennis Hopper (Paul Grant), Forrest J. Ackerman (Dr. Forrester) y Terry Lee. Duración: 79 min.  

-Dracula: Prince of Darkness (Reino Unido-1966-Hammer Film Productions/
Seven Arts/Warner-Pathé Distributors/20th Century FoxDirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Nelson Keys. Guión: Jimmy Sangster y Anthony Hinds. Música: James Bernard. Fotografía: Michael Reed. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Barbara Shelley (Helen Kent), Andrew Keir (Padre Sandor), Francis Matthews (Charles Kent), Suzan Farmer (Diana Kent), Charles Tingwell (Alan Kent), Thorley Walters (Ludwig), Philip Latham, Walter Brown, Jack Lambert, George Woodbridge, Philip Ray, Joyce Hemson, John Maxim y Peter Cushing. Duración: 90 min.

-Dr. Terror's Gallery Of Horrors/Return from the Past/The Blood Drinkers/The Blood Suckers (USA-1967-American GeneralDirector: David L. Hewitt. Guión: Gary Heacock, David Prentiss, y Russ Jones. Fotografía: Austin McKinney (Color). Protagonistas: Lon Chaney, Jr., John Carradine, Rochelle Hudson, Roger Gentry, Mitch Evans y Russ Jones. Duración: 82 min.  

-A Taste Of Blood (USA-1967-Creative Film EnterprisesProductor: Herschell Gordon Lewis. Director: Herschell Gordon Lewis. Guión: Donald Stanford. Fotografía: Andy Romanoff. Protagonistas: Bill Rogers, Elizabeth Wilkinson, Thomas Wood, Otto Schlesinger. Duración: 120 min.  

-Sangre de Vírgenes (Argentina-1967-Orestes Trucco/Pel-MexDirección: Emilio Vieyra. Guión: Emilio Vieyra. Producción: Orestes A. Trucco y Coca Blasco. Guión: Emilio Vieyra. Música: Victor Buchino. Protagonistas: Ricardo Bauleo (Tito Ledesma), Susana Beltrán (Ofelia), Walter Kliche (Gustavo), Gloria Prat (Laura Ledesma), Rolo Puente (Raul Aguilar), Milton Ghío, Mariela Albano, Justin Martín, Marta Peirano, Graciela Mancuso, Albina Malagola, Silvano Roncati, Nilo Conti y Emilio Vieyra. Duración: 89 min.

-The Fearless Vampire Killers/Dance of the Vampires (1967- Cadre Films
Filmways/Metro-Goldwyn-Mayer/Warner Bros./1986 MGM catalogDirección: Roman Polanski. Producción: Gene Gutowski. Guión: Roman Polanski y Gérard Brach. Música: Krzysztof Komeda. Fotografía: Douglas Slocombe. Protagonistas: Jack MacGowran (Professor Abronsius), Roman Polanski (Alfred), Sharon Tate (Sarah Shagal), Alfie Bass (Yoine Shagal), Ferdy Mayne (Count von Krolock / Narrador), Terry Downes (Koukol), Fiona Lewis (Magda), Iain Quarrier, Jessie Robins, Ronald Lacey, Sydney Bromley, Andreas Malandrinos, Otto Diamant as Woodcutter, Matthew Walters as Woodcutter y Vladek Sheybal. Duración: 108 min.

-Dracula Has Risen from the Grave (Reino Unido-1968-Hammer Films/Warner-Pathé/Warner Bros.-Seven Arts) Dirección: Freddie Francis. Producción: Aida Young. Guión: Anthony Hinds. Música: James Bernard. Fotografía: Arthur Grant. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Rupert Davies (Monseñor Ernest Muller), Veronica Carlson (Maria Muller), Barry Andrews (Paul), Ewan Hooper (Priest), Barbara Ewing, Marion Mathie y Norman Bacon. Duración: 92 min.

-Dracula (Reino Unido-1968-Thames TelevisionDirección: Patrick Dromgoole. Producción: Reginald Collin. Guión: Charles Graham. Música: Dominik Scherrer. Protagonistas: Denholm Elliott (Conde Dracula), Bernard Archard (Dr. Van Helsing), Nina Baden-Semper (Vampira), Michael Da Costa (Jenkins), Susan George (Lucy), Hedley Goodall Joan Hickson, Tony Lane, Marie Legrand, James Maxwell, Helena McCarthy, Phyllis Morris, Valerie Muller, Suzanne Neve, James Pope y Corin Redgrave. Duración: 90 min.

-Le Viol du Vampire/The Rape of the Vampire (Francia-1968- Les Films ABCDirección: Jean Rollin. Guión: Jean Rollin. Música: Yvon Garault. Protagonistas: Solange Pradle (Brigitte), Bernard Letrou (Thomas), Catherine Deville, Ursule Pauly, Nicole Romain, Marquis Polho. Louise Horn, Doc Moyle, Yolande Leclerc, Philippe Druilette, Jean Aron, Mei Chen, Edith Ponceau-Lardie, Jean-Denis Bonan, Jacqueline Sieger, Ariane Sapriel, Alain Yves Beaujour, Annie Merlin, Oliver Rollin, Barbara Girard y Jean Rollin. Duración: 90 min.

-The Blood Beast Terror (Reino Unido-1968-Tigon British Film ProductionsDirección: Vernon Sewell. Producción: Arnold L. Miller y Tony Tenser. Guión: Peter Bryan. Protagonistas: Peter Cushing (Inspector Quennell), Robert Flemyng (Dr. Carl Mallinger), Wanda Ventham (Clare Mallinger), Vanessa Howard (Meg Quennell), Glynn Edwards, William Wilde, Kevin Stoney, David Griffin, John Paul, Leslie Anderson, Simon Cain, Norman Pitt, Roy Hudd y Russell Napier. Duración: 88 min.

-Blood Of Dracula's Castle (USA-1969-A&E Film Corp./Paragon/Crown InternationalDirección: Adamson y Jean Hewitt. Producción: Al Adamson y Rex Carlton.  Guión: Rex Carlton. Fotografía: Leslie Kovacs. Musica: Lincoln Mayorage. Protagonistas: John Carradine (George, el mayordomo), Paula Raymond (Condesa Townsend), Alex D'Arcy (Dracula), Robert Dix (Johnny), Gene O'Shane (Glen Cannon), Barbara Bishop (Liz Arden). Duración: 82 min. 

-Dracula, The Dirty Old Man (USA-1969-Boyd ProdsGuión y Dirección: William Edwards. Productor: Whit Boyd. Fotografía: William Troiam. Protagonistas: Vince Kelly (Conde Dracula/Alucard) y Ann Hollis. 

1970-1979

-Count Yorga, Vampire (USA-1970-American InternationalGuionista y Director: Bob Kelljan Productor: Michael Macready. Fotografía: Arch Archambault. Musica: William Marx. Protagonistas : Robert Quarry (Conde Yorga), Roger Perry (Dr. Hayes), Michael Murphy (Paul), Michael Macready (Michael), Donna Anders (Donna), Judith Lang (Erica), Edward Walsh (Brudah), Marsha Jordan y George Macready. Duración: 90 min.

-House Of Dark Shadows (USA-1970-Curtis Prods./MGMProductor y Director: Dan Curtis. Guión: Sam Hall y Gordon Russell. Fotografía: Arthur Ornitz. Productor Ejecutivo: Trevor Williams y Ken Fitzpatrick. Música: Robert Cobert. Editor: Arline Garson. Protagonistas: Jonathan Frid (Barnabas Collins), Grayson Hall (Dr. Julia Hoffman), Kathryn Leigh Scott (Maggie Evans), Roger Davis (Jeff Clark), Nancy Barrett (Carolyn Stoddard), John Karlen (Willie), Thayer David (Prof. Stokes) y Joan Bennett (Elizabeth Stoddard). Duración: 97 min.  

-Horror Of The Blood Monster (USA-1970-Independent International Pictures) Director: Al Adamson. Guión: Sue McNair. Música: Mike Velarde. Fotografía: William G. Troiano y Vilmos Zsigmond. Protagonistas: John Carradine, Robert Dix, Vicki Volante, Joey Benson, Jennifer Bishop, Bruce Powers, Fred Meyers y Britt Semand.

-La Vampire Nue/The Nude Vampire (Francia-1970-ABC FilmsDirección: Jean Rollin. Guión: Jean Rollin y S.H. Mosti. Música: Yvon Gerault. Protagonistas: Christine François, Olivier Rollin as Pierre Radamante, Maurice Lemaitre, Bernard Musson, Jean Aron as Fredor, Ursule Pauly, Catherine Castel, Marie-Pierre Castel, Michel Delahaye, Caroline Cartier, Ly Lestrong, Pascal Fardoulis, Paul Bisciglia y René-Jean Chauffard. Duración: 90 min.

-Taste the Blood of Dracula (Reino Unido-1970-Hammer Films/Warner-Pathé/Warner Bros.Dirección: Peter Sasdy. Producción: Aida Young. Guión: Anthony Hinds (basado en la novela de Bram Stoker). Música: James Bernard. Fotografía: Arthur Grant. Protagonistas: Christopher Lee (Count Dracula), Geoffrey Keen (William Hargood), Gwen Watford (Martha Hargood), Linda Hayden (Alice Hargood), Peter Sallis (Samuel Paxton), Anthony Corlan (Paul Paxton), Isla Blair (Lucy Paxton), John Carson, Martin Jarvis, Ralph Bates, Roy Kinnear, Michael Ripper, Russell Hunter, Shirley Jaffe, Keith Marsh, Peter May, Madeline Smith y Reginald Barratt. Duración: 95 min.

-The Omega Man, (USA-1970-Warner Bros./Seltzer ProdsProducción: Walter Seltzer. Dirección: Boris Sagal. Guión: John William Corrington y Joyce H. Corrington (basado en I Am Legend de Richard Matheson). Fotografía: Russell Metty. Música: Ron Grainer. Editor: William Ziegler. Protagonistas: Charlton Heston (Neville), Anthony Zerbe (Mathias), Rosalind Cash (Lisa), Paul Koslo y Lincoln Kilpatrick. Duración: 98 min.  

-Scars of Dracula (Reino Unido-1970-EMI Films/Hammer Film Productions/20th Century Fox/Hammer Studios/MGM-EMIDirección: Roy Ward Baker. Producción: Aida Young. Guión: Anthony Hinds. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Dennis Waterman (Simon Carlson), Jenny Hanley (Sarah Framsen), Christopher Matthews (Paul Carlson), Michael Gwynn, Michael Ripper, Patrick Troughton, Anouska Hempel, Wendy Hamilton y Bob Todd. Duración: 91 min.

-Count Dracula (Reino Unido-1970-Fénix Films/Filmar/Corona Filmproduktion GmbHDirección: Jesús Franco. Producción: Harry Alan Towers. Guión: Augusto Finocchi. Música: Bruno Nicolai. Fotografía: Manuel Merino y Luciano Trasatti. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Herbert Lom (Professor Van Helsing), Klaus Kinski (Renfield), Soledad Miranda (Lucy Westenra), Maria Rohm (Mina Murray), Fred Williams (Jonathan Harker), Paul Mueller (Dr. Seward), Jack Taylor (Quincey Morris) y Jesús Puente. Duración: 97 min.

-The Vampire Lovers (Reino Unido-1970- American International Pictures/Hammer Film Productions/ Fantale Films/American International Pictures/Metro-Goldwyn-MayerDirección: Roy Ward Baker. Producción: Michael Style y Harry Fine. Guión: Harry Fine, Tudor Gates y Michael Style (basado en Carmilla de Sheridan Le Fanu). Música: Harry Robertson. Fotografía: Moray Grant. Protagonistas: Ingrid Pitt, George Cole, Kate O'Mara, Peter Cushing, Ferdy Mayne, Douglas Wilmer, Madeline Smith, Dawn Addams, Jon Finch, Pippa Steel, Kirsten Lindholm, Janet Key, Harvey Hall, John Forbes-Robertson, Charles Farrell y Shelagh Wilcocks. Duración: 91 min.

-Valerie and Her Week of Wonders (República Checa-1970-Janus FilmsDirección: Jaromil Jireš. Producción: Jirí Becka. Guión: Jaromil Jireš, Ester Krumbachová y Jirí Musil (basada en la historia de Vitezslav Nezval). Música: Lubos Fiser. Protagonistas: Jaroslava Schallerová, Helena Anýžová, Karel Engel, Jan Klusák y Petr Kopriva. Duración: 73 min.

-Count Erotica, Vampire (USA-1971-LoboDirector: Tony Teresi. Guión: Antonio Teritoni y Hans Klepper. Fotografía: Ron Pitts. Protagonistas: John Peters y Mary Simon.

-Countess Dracula (Reino Unido-1971-Hammer Film Productions/ The Rank Organization/20th Century FoxDirección: Peter Sasdy. Producción: Alexander Paal. Guión: Jeremy Paul. Música: Harry Robertson. Fotografía: Kenneth Talbot. Protagonistas: Ingrid Pitt (Condesa Elisabeth Nadasdy), Nigel Green (Capitán Dobi), Sandor Elès (Teniente Imre Toth), Maurice Denham (Gran Maestro Fabio), Patience Collier (Julie Szentes), Lesley-Anne Down (Condesa Ilona Nadasdy), Peter Jeffrey, Leon Lissek, Jessie Evans, Andrea Lawrence, Marianne Stone, Charles Farrell y Anne Stallybrass. Duración: 93 min.

-Dracula Vs. Frankenstein/Blood of Frankenstein/Revenge of Dracula (USA-1971-Independent InternationalDirector: Adamson. Productor: Al Adamson y Samuel M. Sherman. Guión: William Pugsley y Sam M. Sherman. Fotografía: Gary Graver y Paul Glickman. Protagonistas: J. Carrol Naish (Dr. Frankenstein), Lon Chaney, Jr. (Groton, el Zombie), Zandor Vorkov (Dracula), Russ Tamblyn, Jim Davis, Anthony Eisley y Regina Carrol. Duración: 90 min.

Daughters of Darkness (Bélgica/Francia/Alemania-1971) Dirección: Harry Kümel. Producción: Paul Coilet y Alain C. Guilleaume. Guión: Harry Kümel, J.J. Amiel y Pierre Drouot. Música: François de Roubaix. Fotografía: Eduard van der Enden. Protagonistas: Delphine Seyrig, Danielle Ouimet, John Karlen y Andrea Rau. Duración: 100 min.

-Guess What Happened To Count Dracula (USA-1971-Merrick IntGuionista y Director: Laurence Merrick. Productor: Leo Rivers. Fotografía: Bob Caramico (Color). Productor Ejecutivo: Mike Minor. Música: Des Roberts. Protagonistas: Des Roberts (Conde), Claudia Barron y John Landon. Duración: 80 min. 

-Lust for a Vampire (Reino Unido/USA-1971-American International Pictures/MGMDirección: Jimmy Sangster. Producción: Michael Style y Harry Fine. Guión: Tudor Gates (Basado en la obra de Sheridan Le Fanu). Música: Harry Robinson. Fotografía: David Muir. Protagonistas: Yutte Stensgaard (Mircalla Herritzen/Carmilla Karnstein), Michael Johnson (Richard Lestrange), Ralph Bates (Giles Barton), Barbara Jefford (Condesa Herritzen), Suzanna Leigh (Janet Playfair), Helen Christie, Mike Raven, Harvey Hall, Michael Brennan, Pippa Steel, Judy Matheson, David Healy, Jonathan Cecil, Erik Chitty, Jack Melford, Christopher Neame, Kirsten Lindholm, Luan Peters, Christopher Cunningham, Nick Brimble y Sue Longhurst. Duración: 95 min.

-Return Of Count Yorga (USA-1971-American InternationalDirector: Bob Kelljan.Productor: Michael Macready. Guión: Kelljan y Yvonne Wilder. Fotografía: Bill Butler. Productor Ejecutivo: Vince Cresceman. Música: Bill Marx. Protagonistas: Robert Quarry (Count Yorga), Mariette Hartley (Cynthia), Roger Perry (David), Yvonne Wilder (Jennifer), Tom Toner (Rev. Thomas), Craig Nelson (Policeman), Philip Frame (Tommy) y George Macready (Professor). Duración: 96 min.  

-The Mad Love Of A Hot Vampire (USA-1971-MartexProtagonistas : Jim Parker, Jane Bond y Kim Kim.

- The Velvet Vampire (USA-1971-Stephanie RothmanDirector: Stephanie Rothman. Guión: Maurice Jules, Charles S. Swartz y Stephanie Rothman. Fotografía: Daniel Lacambra. Música: Clancy B. Grass y Roger Dollarhide. Protagonistas: Celeste Yarnall, Michael Blodgett, Sherry Miles, Jerry Daniels y Gene Shane. Duración: 82 min.  

-Twins of Evil (Reino Unido-1971-Rank Organisation/Universal PicturesDirección: John Hough. Producción: Michael Style y Harry Fine. Guión: Tudor Gates (basado en la obra de Sheridan Le Fanu). Música: Harry Robertson. Protagonistas: Peter Cushing (Gustav Weil), Kathleen Byron (Katy Weil), Mary Collinson (Maria Gellhorn), Madeleine Collinson (Frieda Gellhorn), David Warbeck (Anton Hoffer), Damien Thomas (Conde Karnstein), Katya Wyeth (Countess Mircalla), Roy Stewart, Isobel Black, Harvey Hall, Alex Scott, Dennis Price, Sheelah Wilcox, Inigo Jackson, Judy Matheson, Kirsten Lindholm, Luan Peters y Peter Thompson. Duración: 87 min.

-Blacula Black Vampire/Ganja and Hess Blacula (USA-1972-American InternationalProductor: Joseph T. Naar. Director: William Crain. Guión: Joan Torres y Raymond Koenig. Fotografía: John Stevens. Musica: Gene Page. Protagonistas: William Marshall (Mamuwalde/Blacula), Denise Nicholas (Michelle), Vonetta McGee (Tina), Gordon Pinsent (Lt. Peters), Thalmus Rasulala (Gordon Thomas), Charles McCauley (Dracula), Emily Yancy, Lance Taylor, Ted Harris y Elisha Cook. Duración: 92 min.

-Deathmaster (USA-1972-American InternationalDirector: Ray Danton. Productor: Fred Sadoff. Guión: R.L. Grove. Fotografía: Wilmer C. Butler. Música: Bill Marx. Protagonistas: Robert Quarry (Khorda), Bill Ewing (Pico), Brenda Dickson (Rona), John Fiedler (Pop), Betty Anne Rees (Esslin), William Jordan (Monk), Le Sesne Hilton (Barbado) y John Lasell (Detective). Duración: 88 min.    

-The  Night Stalker (USA-1972-Curtis Films/ABC Director: John L. Moxey. Productor: Dan Curtis. Guión: Richard Matheson. Fotografía: Michael Hugo. Música: Robert Colbert. Protagonistas: Darren McGavin (Carl Kolchak), Carol Lynley (Gail Foster), Simon Oakland (Vincenzo), Ralph Meeker (Bernie), Claude Akins (Sheriff Butcher), Charles McGraw ( Masterson), Barry Atwater (Janos Skorzeny) y Kent Smith. Duración: 75 min.  

-Voodoo Heartbeat (USA-1972-Molina Prods.). Director: Charles Nizet. Protagonistas :  R. Molina, Philip Ahn y Ern Dugo. Duración: 88 min.  

-Dracula A. D. 1972 (Reino Unido-1972-Hammer Film Productions/Columbia-Warner DistributorsDirección: Alan Gibson. Producción: Michael Carreras y Josephine Douglas. Guión: Don Houghton. Música: Mike Vickers. Fotografía: Dick Bush. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Peter Cushing (Lorrimer Van Helsing / Lawrence Van Helsing), Stephanie Beacham (Jessica Van Helsing), Christopher Neame (Johnny Alucard), Marsha Hunt (Gaynor Keating), Caroline Munro (Laura Bellows), Janet Key (Anna Bryant), Michael Kitchen (Greg), Lally Bowers, Flanagan, Stoneground, Michael Coles, William Ellis, Philip Miller, David Andrews, Constance Luttrell, Michael Daly, Artro Morris, Jo Richardson, Brian John Smith y Penny Brahms. Duración: 96 min.

-Bram Stoker´s Dracula (Reino Unido-1973) Dirección: Dan Curtis. Producción: Dan Curtis. Guión: Richard Matheson. Música: Robert Cobert. Protagonistas: Jack Palance (Conde Dracula/Vlad III the Impaler), Simon Ward (Arthur Holmwood), Nigel Davenport (Abraham Van Helsing), Fiona Lewis (Lucy Westenra), Murray Brown (Jonathan Harker), Penelope Horner (Mina Murray), Pamela Brown, Sarah Douglas, Virginia Wetherell, Barbara Lindley, George Pravda, Hana Maria Pravda, Reg Lye y John Pennington. Duración: 100 min.

-Casual Relations (USA-1973) Producción, Dirección y guión: Mark Rappaport. Fotografía: Rappaport y Alan Raymond. Musica: Jim Burton. Protagonistas: Mel Austin (Vampiro), Sis Smith (Modelo), Paula Barr, Adrienne Claiborne, Peter Campus y Alan Dahl. Duración: 80 min.   

-Dragula (USA-1973-Moss ProdsDirector: James Moss. Protagonistas: W. Casey Donovan y Walter Kent. 

-Ganja And Hess/Double Possession/Blood Couple/Black Evil/Black Vampire/Vampires of Harlem (USA-1973-Kelly-Jordan Enterprises/HeritageGuionista y Director: Bill Gunn. Productor: Chiz Schultz.  Fotografía: James E. Hinton. Productor Ejecutivo: Tom John. Música: Sam Waymon. Protagonistas: Duane Jones (Dr. Hess), Marlene Clark (Ganja), Bill Gunn (George Meda), Leonard Jackson (Archie), Mabel King (Queen Helga) y Sam Waymon (Rev. Williams). Duración: 112 min. 

-Grave Of The Vampire (USA-1973-Entertainment Pyramid/MilleniumDirector: John Hayes. Productor: Daniel Cady. Guión: David Chase. Fotografía: Paul Hipp. Productor Ejecutivo: Earl Marshall. Protagonistas: William Smith (James Eastman), Mike Pataki (Caleb Croft/Prof. Lockwood), Lynn Peters (Anne), Dianne Holden (Anita), Jay Adler (Zack), Kitty Vallacher (Leslie), Jay Scott, Lieux Dressler e Inga Neilsen. Duración: 95 min. 

-Legacy Of Satan (USA-1973-Damiano ProdsGuionista y Director: Gerard Damiano. Protagonistas: Lisa Christian. Duración: 68 min.

-Leptirica (Yugoslavia-1973) Dirección: Đorđe Kadijević. Guión: Đorđe Kadijević y Milovan Glišić. Protagonistas: Mirjana Nikolić (Radojka), Petar Božović (Strahinja), Slobodan Perović (Živan), Vasja Stanković (Kmet), Aleksandar Stojković, Tanasaije Uzunović, Ivan Đurđević, Branko Petković y Toma Kuruzović. Duración: 63 min.

-Los Vampiros los prefieren Gorditos (Argentina-1973) Dirección: Gerardo Sofovich. Producción: Luis Giudici. Guión: Gerardo y Hugo Sofovich. Música. Buddy Mc Cluskey. Fotografía: Victor Hugo Caula. Protagonistas: Jorge Porcel, Elizabeth Killian, Adolfo García Grau, Mariquita Gallegos, Nelly Láinez, Chico Novarro, Dorys del Valle, Javier Portales, Fidel Pintos, Juan Díaz y Alfonso Pícaro.

-Scream, Blacula, Scream (USA-1973-American InternationalDirector: Bob Kelljan. Productor: Joseph T. Naar. Guión: Joan Torres, Raymond Koenig y Maurice Jules. Fotografía: Isidore Mankofsky. Productor Ejecutivo: Alfeo Boccicchio. Música: Bill Marx. Protagonistas: William Marshall (Mamuwalde/Blacula), Don Mitchell (Justin), Pam Grier (Lisa), Michael Conrad (Sheriff Dunlop), Richard Lawson (Willis), Lynn Moody (Denny), Janee Michelle (Gloria) y Barbara Rhoades (Elaine). Duración: 95 min.  

-The Case Of The Full Moon Murders/The Case of the Smiling Stiffs (USA-1973-Lobster Enterprises/Dana FilmsDirector: Sean Cunningham. Productor: Sean Cunningham y Bud Talbot. Guión: Jerry Hayling. Fotografía: Gus Graham (Color). Musica: Bud Fanton y Jacques Urbont. Protagonistas: Harry Reems, Bud Talbot, Fred Lincoln, Ron Browne, Cathy Walker (Vampire) y Jean Jennings. Duración: 74 min.  

-The Legendary Curse Of Lemora/Lemora & Lady Dracula/Lemora A Child's Tale of the Supernatural (USA-1973-BlackfernDirector: Richard Blackburn. Productor: Robert Fern. Guión: Blackburn y Fern. Fotografía: Robert Caramico. Productor Ejecutivo: Sterling Franck. Música: Daniel Neufeld. Protagonistas: Lesley Gibb (Lemora), Cheryl Smith (Lila), William Whiton, Hy Pyke, Maxine Ballantyne y Richard Blackburn. Duración: 90 min. 

-The Satanic Rites of Dracula (Reino Unido-1973- Warner Bros. Pictures/Hammer Film ProductionsDirección: Alan Gibson. Producción: Roy Skeggs y Don Houghton. Guión: Don Houghton. Música: John Cacavas. Fotografía: Brian Probyn. Protagonistas: Christopher Lee (Conde Dracula), Peter Cushing (Lorrimer Van Helsing), Michael Coles (Inspector Murray), William Franklyn (Peter Torrence), Joanna Lumley (Jessica Van Helsing), Richard Vernon, Barbara Yu Ling (Chin Yang), Freddie Jones (Dr. Julian Keeley), Maurice O'Connell, Richard Mathews, Patrick Barr, Lockwood West, Peter Adair, Valerie Van Ost, John Harvey, Maggie Fitzgerald, Pauline Peart, Finnuala O'Shannon, Mia Martin, Marc Zuber, Paul Weston, Ian Dewar y Graham Rees. Duración: 87 min.

-Blood (USA-1974-Bryanston/KentDirector: Andy Milligan. Productor: Walter Kent. Protagonistas: Allen Berendt (Dr. Orlovski), Hope Stansbury, Eve Crosby, Patti Gaul y Pamela Adams. Duración: 74 min.

-Mary, Mary, Bloody Mary (USA/Mexico -1974-Translor Films/ProaDirector: Juan L. Moctezuma. Productor: Henri Bollinger y Robert Yamin.  Guión: Malcolm Marmorstein (basado en una historia de Don Rico y Don Henderson). Fotografía: Miguel Garzon. Música: Tom Bahler. Protagonistas: Christina Ferrare, John Carradine, David Young, Helena Rojo, Arturo Hansel y Enrique Lucero. Duración: 101 min. 

-The Thirsty Dead/Blood Cult of Shangri-La (USA/Filipinas-1974-World/Rochelle/International AmusementsDirección: Terry Becker. Fotografía: Nonong Rasca. Protagonistas: John Considine, Jennifer Billingsley, Tani Guthrie y Judith McConnell. Duración: 96 min.  

-Andy Warhol´s Drácula/Blood of Dracula (Italia-1974-Andy Warhol Presentation/Yanne et Rassam/ Euro International FilmDirección: Paul Morrissey. Producción: Andrew Braunsberg, Andy Warhol, Jean Yanne y Jean-Pierre Rassam. Guión: Paul Morrissey y Pat Hackett (basado en la obra de Bran Stoker). Música: Claudio Gizzi. Protagonistas: Udo Kier (Conde Dracula), Joe Dallesandro (Mario Balato), Vittorio De Sica (El Marques Di Fiore), Maxime McKendry (La Marquesa Di Fiore), Arno Juerging (Anton), Milena Vukotic, Dominique Darel, Stefania Casini, Silvia Dionisio y Roman Polański. Duración: 103 min.

-The Legend of the Golden Vampires (Reino Unido/Hong Kong-1974-Hammer Film Productions/Shaw Brothers Studio/Warner Bros./ Dynamite EntertainmentDirección: Roy Ward Baker y Chang Cheh. Producción: Don Houghton y Vee King Shaw. Música: James Bernard. Guión: Don Houghton. Fotografía: Roy Ford y John Wilcox. Protagonistas: Peter Cushing (Professor Lawrence Van Helsing), John Forbes-Robertson (Conde Dracula), David de Keyser (voz de Dracula), Robin Stewart (Leyland Van Helsing), Julie Ege (Vanessa Buren), David Chiang (Hsi Ching), Shih Szu (Mai Kwei), Shen Chan (Conde Dracula versión china) y Robert Hanna (Consul Británico). Duración: 83 min.

-Deafula (USA-1975-SignscopeProductor: Gary R. Holmstrum. Director: Peter Wechsberg. Guión: Wechsberg. Protagonistas: Peter Wechsberg, James Randall, Dudley Hemstreet, Lee Darrel y Gary R. Holmstrum (Dracula). Duración: 90 min. 

-Disciples Of Dracula (USA- 1975-First-WestProtagonistas : Ervin Cartwright. 

-Nightmare In Blood (USA-1975-PFE/XeromegaDirección: John Stanley. Producción: John Stanley and Kenn Davis. Guión: Stanley and Davis. Fotografía: Charles Rudnick (Color). Protagonistas: Jenny Walton, Barrie Youngfellow, Kerwin Matthews (Prince Zaroff), Jerry Walter y Dan Caldwell. Duración: 90 min.  

-Satan 'S Black Wedding (USA-1975-World Video). Guión y Dirección: Philip Miller. Producción: Tamara Brown. Fotografía:  Paul Rogers. Productor Ejecutivo: Carl Le Master. Música: Roger Stein. Protagonistas: Lisa Milano, Ray Miles y Greg Braddock.  

-Martin / El Regreso De Los Vampiros Vivientes (USA-1976-Braddock Associates/Libra/Laurel GroupGuión y dirección: George Romero. Producción: Richard Rubinstein. Fotografía: Michael Gornick. Música: Donald Rubinstein. Protagonistas: John Amplas (Martin), Lincoln Maazel (Cuda), Christine Forrest (Christina), Elayne Nadeau (Mrs. Santim), Tom Savini (Arthur) y Sarah Venable. Duración: 95 min. 

-Dracula's Dog / Zoltan, Hound Of Dracula (USA-1977-Vic/CrownDirección: Albert Band. Producción: Albert Band y Frank Ray Perilli. Guión: Frank Ray Perilli. Fotografía: Bruce Logan. Música: Andrew Belling. Protagonistas: Michael Pataki (Michael Drake), José Ferrer (Inspector Branco), Reggie Nalder (Veidt-Smit), Jan Shutan (Maria Drake), Libbie Chase (Linda Drake) y John Levin (Steve Drake). Duración: 90 min. 

-Count Dracula (Reino Unido-1977-BBCDirección: Philip Saville. Producción: Morris Barry. Guión: Gerald Savory. Música: Kenyon Emrys-Roberts. Protagonistas: Louis Jourdan (Conde Dracula), Frank Finlay (Abraham Van Helsing), Susan Penhaligon (Lucy Westenra), Judi Bowker (Mina Westenra), Jack Shepherd (Renfield), Mark Burns (Dr. John Seward), Bosco Hogan (Jonathan Harker) y Richard Barnes (Quincey P. Holmwood). Duración: 150 min.

-Dracula (USA-1979-Mirisch/UA Dirección: John Badham. Producción: Walter Mirisch. Guión: W. D. Richter (basado en la novela de Bram Stoker y en la obra de John Balderston y Hamilton Deane). Fotografía: Gilbert Taylor. Música: John Williams. Protagonistas: Frank Langella (Dracula), Laurence Olivier (Van Helsing), Donald Pleasance (Seward), Kate Nelligan (Lucy), Trevor Eve (Harker), Jan Francis (Mina Van Helsing) y Tony Haygarth (Renfield). Duración: 109 min.  

-Dracula Sucks/Dracula's Bride (USA-1979-Backstreet Prods./Kodiak FilmsDirección: Philip Morris. Producción: Darryl A. Marshak. Guión: Marshak, David J. Kern, William Margold y Mitch Morrill. Fotografía: Bruce Edwards. Música: Lionel Thomas. Protagonistas: Jamie Gillis (Dracula), Annette Haven (Mina), Serena (Lucy Webster), John Leslie (Seward), Paul Thomas (Harker), Kay Parker (Dr. Seward) y Detlef van Berg (Van Helsing). Duración: 82 min.  

-Love At First Bite (USA-1979-Simon Prods./AIPDirección: Stan Dragoti. Producción: Joel Freeman. Guión: Robert Kaufman. Fotografía: Edward Rosson. Productor Ejecutivo: Serge Krizman. Música: Charles Bernstein. Protagonistas: George Hamilton (Dracula), Susan Saint James (Cindy), Richard Benjamin (Dr. Jeff Rosenberg), Dick Shawn (Lt. Ferguson), Arte Johnson (Renfield) y Sherman Hemsley (Rev. Mike). Duración: 96 min. 

-Nocturna  (USA-l979-Compass/BonetDirección: Harry Tampa. Guión: Tampa y Nai Bonet. Fotografía: Mac Ahlberg. Música: Reid Whitelaw y Norman Bergen. Protagonistas: Nai Bonet, John Carradine (Dracula), Yvonne De Carlo (Jugulia), Brother Theodore, Adam Keefe y John Blyth Barrymore. Duración: 83 min.  

-Nosferatu the Vampyre (Alemania-1979- Werner Herzog Filmproduktion/Zweites Deutsches Fernsehen/ Werner Herzog Filmproduktion/Gaumont/20th Century FoxDirección: Werner Herzog. Producción: Michael Gruskoff y Werner Herzog. Guión: Werner Herzog (basado en la novela de Bran Stoker). Música: Popol Vuh. Fotografía: Jörg Schmidt-Reitwein. Protagonistas: Klaus Kinski (Count Dracula), Isabelle Adjani (Lucy Harker), Bruno Ganz (Jonathan Harker), Roland Topor (Renfield), Walter Ladengast: Dr Abraham Van Helsing, Dan van Husen, Jan Groth, Carsten Bodinus, Martje Grohmann, Rijk de Gooyer, Clemens Scheitz, John Leddy, Tim Beekman, Lo van Hensbergen y Margiet van Hartingsveld. Duración: 107 min.

-The Halloween That Almost Wasn't /The Night Dracula Saved the World (USA-1979-ABC). Dirección: Bruce Bilson. Producción: Coleman Jacoby. Guión: Gaby Monet. Protagonistas: Judd Hirsch (Dracula). Duración: 90 min. 

-Vampire (USA-1979-ABC/MTMDirección: E.W. Swackhammer. Producción: Gregory Hoblit. Guión: Steve Bochco y Michael Kozoll. Fotografía: Dennis Dalzell (Color). Productor Ejecutivo: James G. Hulsey. Música: Fred Karlin. Protagonistas: Richard Lynch (Anton Voytek, Vampiro), Kathryn Harrold (Leslie), Jason Miller (John Rawlins), Barrie Youngfellow (Andrea Parker), Michael Tucker (Chris Bell) y Jessica Walter (Nicole de Camp). Duración:120 min.  

-Vampire Hookers (USA/Filipinas-1979-Caprican 3/Cosa Nueva) Dirección: Cirio Santiago. Guión: Howard Cohen. Protagonistas: John Carradine, Bruce Fairbairn, Trey Wilson y Karen Stride. Duración: 78 min. 


TO BE CONTINUED...

DINOCINE (11): DINOSAURIOS REVIVIDOS PISAMAQUETAS (7° PARTE)

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5-AMERICAN GODZILLA 2° ROUND

FICHA TECNICA

GODZILLA (2014-Warner Bros./Legendary Pictures/Disruption Entertainment/Dune Entertainment/Toho Company)

Dirección: Gareth Edwards

Producción: Yoshimitsu Banno, Martin Cohen, Bob Ducsay, Alex Garcia, Jon Jashni, Kenji Okuhira, Mary Parent, Brian Rogers. Leeann Stonebreaker, Shannon Triplett, Thomas Tull y Patricia Whitcher.

Guión: Max Borestein, Dave Callaham y Frank Darabont (no acreditado)

Música: Alexander Desplat

Fotografía: Seamus McGarvey

Diseño de producción: Owen Paterson

Efectos especiales: Double Negative, Moving Picture Company, Amalgamated Dynamics, ScanlineVFX, Weta Workshop, BOT VFX, Centroid Motion Capture, Gener8 3D, Legacy Effects, Lindala Schminken FX, Mist VFX Studio, Pixel Playground y The Third Floor.

Protagonistas: Aaron Taylor-Johnson (Ford Brody), Ken Watanabe (Dr. Ishiro Serizawa), Bryan Cranston (Joe Brody), Elizabeth Olsen (Elle Brody), Carson Bolde (Sam Brody), CJ Adams (joven Ford), Sally Hawkins (Vivienne Graham), Juliette Binoche (Sandra Brody), David Strathairn (Almirante William Stenz), Richard T. Jones (Capitán Russell Hampton, Victor Rasuk, Patrick Sabongui y Jared Keeso.

Duración: 123 min.

Luego del asesinato creativo perpetrado por Roland Emmerich (director) y Dean Devlin (guionista) con la versión 1998 de nuestro dinosaurio mutante favorito, la Toho volvió a adquirir los derechos para producir sus propios films dedicados al mismo (ver etapa Millenium ya tratada con anterioridad).

A pesar de ello, y debido a que la versión de la iguana superdesarrollada les había generado una ganancia de poco menos de 400 millones de dolarucos, los estudios norteamericanos continuaron presionando para poder volver a llevar a las pantallas su visión de lo que era un dinosaurio gigante pisamaquetas.

Luego de estrenada la última película de Toho en 2004, Yoshimitsu Banno (quien había dirigido Godzilla vs. Hedorah) anunció la realización de un cortometraje utilizando la tecnología IMAX 3D llamado Godzilla 3D to the Max. Entusiasmado por este proyecto, Peter Anderson se sumó al proyecto como co productor, director de fotografía y supervisor de efectos especiales. Anderson es conocido por haber trabajado para los estudios Disney y Universal, participando en varias atracciones para los parques temáticos como King Kong 360 3D, Terminator 2 3-D y Capitán Eo, entre otros. 

En 2007, el equipo de producción que se había armado alrededor de este proyecto se reunió con la Toho en Tokio a fin de poder renegociar la licencia que les permitiera llegar a buen puerto. Finalmente, luego de varios tira y afloja y la oportuna intervención de Legendary Pictures, se dio la luz verde en 2010 para que pudiera ser llevado a cabo una nueva versión americana de Godzilla.

Asociándose con la Warner Bros., Legendary anunció que este nuevo film iba a estar más acorde con el Godzilla original que con la lagartija gigante que había hecho su aparición en 1998. Según lo dicho por Thomas Tull (presidente y CEO de Legendary Pictures): 

“Tenemos la intención de hacer justicia a aquellos elementos esenciales que han permitido que este personaje permanezca durante mucho tiempo dentro de la cultura popular”.

A diferencia de la contrapartida nipona, este nuevo Godzilla iba a ser realizado mediante la tecnología IGC (imágenes generadas por computadora) y el film sería dirigido por Gareth Edwards, en cuyo haber estaba la interesante Monstruos (Monsters -2010).

El guión original fue escrito por David Callaham, quien había participado en Doom (2005) y las dos primeras películas de la saga Los Indestructibles (The Expendables), y posteriormente fue reescrito por David S. Goyer (Dark City, Blade, la trilogía de Batman, Man of Steel y Batman v Superman).

Lamentablemente, Goyer estuvo apenas un par de semanas involucrado en el asunto, siendo sucedido por Max Borenstein y Drew Pearce. En la reescritura final, en donde se agregó el infaltable drama humano, intervino Frank Darabont

Este último es un más que reconocido director y guionista que supo ganarse el favor del público con films como Trancers (1984), Pesadilla 3: Los Guerreros del Sueño (1987), The Blob (1988), Sueños de Libertad (1994), Salvando al Soldado Ryan (1998), Milagros Inesperados (1999), Minority Report (2002) y la increíble adaptación del cuento de Stephen King conocido como The Mist (2007). También ha sido ampliamente admirado en el medio televisivo gracias a series como Tales from the Crypt, The Shield y la megafamosa The Walking Dead.

Luego de la muerte de su esposa en un aparente incidente nuclear en una planta cercana a Tokio, Joe Brody (Bryan Cranston) se obsesiona con que todo eso fue producido por un monstruo. Quince años más tarde, su hijo (Aaron Taylor-Johnson) viaja al Japón para rescatar a su padre de las garras de la policía que lo ha arrestado por ingresar a la zona del siniestro. 

Grande será su sorpresa al comprobar que las teorías de su progenitor son reales cuando, de una especie de capullo, emerge una criatura que será conocida como MUTO (acrónimo de Massive Unidentified Terrestrial Organism).

Atraído por la presencia de su enemigo natural, Godzilla emergerá de las profundidades del mar para perseguirlo y poder destruirlo, antes que pueda unirse a su compañera y engendre nuevos “Mutitos” que terminen destruyendo el equilibrio ecológico del planeta.

Aparte de desarrollar el aspecto dramático en torno a los personajes involucrados, Darabont redefinió el origen de Godzilla. Esta vez el monstruo ya no era un dinosaurio mutado por la explosión de una bomba atómica sino que se trataba de una criatura que había vivido aun antes de que los dinosaurios hicieran su aparición, un tiempo en el cual la radiación del planeta era mucho mayor que la conocida actualmente. En una suerte de retrospectiva histórica bastante interesante, no es mostrado que las famosas pruebas nucleares realizadas por los norteamericanos no eran tales sino frustrados intentos por eliminarlo.

Luego de un intenso periodo de pre-producción, la filmación dio inicio en marzo de 2013 en la isla de Vancouver y la Columbia Britanica (Canada), en donde incluso se simuló escenas que sucedían en San Francisco, Tokio y Filipinas. 

Otro set de filmación fue llevado a cabo en Hawai, con el uso de unos 200 extras para la escena del Tsunami producido por el paso de Godzilla. Incluso, la marina de los EE.UU. colaboró con tres de sus portaaviones (Carl Vinson, Nimitz y Ronald Reagan) aunque posteriormente (cuando leyeron el guión) retiró toda ayuda al proyecto.

En lo referente al apartado actoral tenemos la presencia de Aaron Taylor-Johnson (Quicksilver de Avengers: La Era de Ultron), Ken Watanabe, Bryan Cranston (el archiconocido Walter White de Breaking Bad), Elizabeth Olsen (Scarlet Witch de Los Vengadores y el Capitán America), Sally Hawkins y Juliette Binoche.

Los efectos especiales estuvieron a cargo de Jim Rygiel, cuyo trabajo puede ser apreciado en la trilogía de El Señor de los Anillos. El mismo se encargó de supervisar lo realizado por The Moving Picture Company, Double Negative, Weta Digital y otras empresas abocadas a esos menesteres. Para la construcción de Godzilla fueron tomados ciertos aspectos de animales de la vida real como el lagarto de Komodo y el oso.

Respetando el diseño original, este nuevo Godzilla se transformó en el más alto de todos los que habían aparecido con anterioridad con la nada despreciable altura de 107 metros. Erik Aadahl y Ethan Van Der Ryn se encargaron de realizar el rugido del monstruo, un trabajo que les llevaría alrededor de 6 meses.

Como dato anecdótico, les cuento que la ciudad de San Francisco fue construida digitalmente a la manera de un mapa tridimensional, la cual fue utilizada en las diferentes escenas en la que interactúan los monstruos.

La música estuvo a cargo de Alexandre Desplat, un premiado compositor francés que intervino en películas como Syriana (2005), La Brújula Dorada (2007), El Curioso Caso de Benjamin Button (2008), El Discurso del Rey (2010), Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (2011), Argo (2012), El Gran Hotel Budapest (2014) y la próxima entrega de la saga Star Wars conocida como Rogue One: A Star Wars Story (2016).

Luego de varios trailers que prometían mucho para los fans del género fantástico en general y del Kaiju en particular, el film fue estrenado en el Teatro Dolby de Los Angeles y posteriormente al resto del mundo en formato 2D, 3D e IMAX 3D en mayo del 2014. La misma recaudó la friolera de 9.3 millones de dólares en su primer día de proyección, alcanzando el record de 529 millones de verdes… teniendo en cuenta que el presupuesto de la misma fue de 160 millones.

Este Godzilla modelo siglo XXI fue gratamente recibido por los críticos cinematográficos, quienes alabaron sin vergüenza alguna tanto los efectos especiales como su desarrollo argumental. Si bien es, por lejos, mucho mejor que la versión 1998 y en los primeros 20 minutos se encarga de alimentar nuestro entusiasmo, en lo que a mí respecta el saldo final no fue precisamente positivo.

Cuando saqué la entrada anticipada, volví a sentirme como ese niño que saltaba de alegría cada vez que en la tele o en el cine daban alguna película de “mostros” que tanto le gustaban. Desafortunadamente, esta renovada versión hizo que ese entusiasmado chico que moraba en mi interior se cayera por un precipicio muy, pero muy profundo.

Una vez más los estudios hollywoodenses se encargaron de perpetrar una nueva farsa con esta rentable franquicia comercial que, en lugar de ofrecernos una película de monstruos, nos trajo a las pantallas una película con monstruos… que encima aparecen muy poco.

El centro de la historia es un drama de desencuentros familiares, con personajes poco creíbles que se esfuerzan por mantener un conato de diálogos sentimentaloides a lo largo de las soporíferas dos horas y pico que duraba el film. La relación padre viudo medio loquito/hijo que no cree las teorías del padre/esposa con hijo que corren de un lado para el otro esquivando los pisotones, a lo que debemos sumar el típico científico desconcertado y el general de mirada impotente, es tan previsible que termina aburriendo a quienes deseábamos ver destrucción pochoclera sin el menor sentido.

Como siempre sucede en este tipo de producciones, los efectos especiales están bien realizados y el 3D no se transforma en una carga tecnológica como a veces sucede…


¡Pero Godzilla aparece tan solo 15 minutos!

El resto de los efectos están dedicados a los MUTO, los monstruos a los cuales se enfrenta nuestro Godzi, los cuales son una amalgama entre algunos bichos de la Toho y Cloverfield


A eso súmenle escenas en las sombras o en ambientes lluviosos, en donde los monstruos apenas son visualizados, con un manejo de cámara que se sitúa desde el punto de vista de los ocasionales testigos de la historia... o sea que se ve poco y nada. 

Con la estúpida intención de dejarla para lo último, cuando ya tenés el upite duro de estar sentado, la gran batalla en la ciudad de San Francisco es lo único que vale la pena de todo este desaguisado, cuya acción rescata de cierta manera los conceptos del viejo Godzilla machaca y aplasta maquetas.

A pesar de mis críticas, que probablemente no hayan hecho temblar demasiado a los productores de la misma, Legendary Pictures anunció la puesta en marcha de una secuela que aparentemente sería estrenada en 2018. 

Prueba de ello es la nueva producción conocida como Kong: Skull Island, del cual ya pudimos disfrutar un avance en Internet, en donde haría su aparición el afamado King Kong. Con la actuación de Tom Hiddleston (Loki) y Samuel Jackson, este mono sería mucho más grande que la versión original a fin de equipararlo con el dinosaurio mutante. 

Incluso, a mediados de 2016, los estudios Warner anunciaron el proyecto Godzilla vs. King Kong, que recién vería la luz en mayo de 2020, dos años después del estreno de Godzilla 2.

Ojalá que la cosa mejore.

Ajenos a toda esta movida,  los japoneses, que la tienen clara en lo que se refiere al Kaiju Eiga, tenían sus propias ideas para devolver a la pantalla grande al Godzilla que Inoshiro Honda y Eiji Tsuburaya habían traído al mundo 60 años atrás.

-GALERIA DE IMAGENES-

ARTE CONCEPTUAL

Las imágenes que se encuentran a continuación corresponden al arte conceptual creado para el film. Es una pena que muchas de ellas no hayan visto la luz. Las mismas fueron realizadas por Dominic Lavery, Warren Flanagan, Matt Allsopp y Brian Cunningham.

























FOTOGRAMAS












































































SUPERHEROES… ¿COSA DE PENDEX?

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“Los comics poseen una habilidad única para conferir credibilidad o, al menos, la suspensión de la incredulidad, a las conductas más extravagantes”
Mike Baron

Antes de dar inicio a este nuevo artículo tengo que hacerles una confesión.

¡¡EL UNIVERSO SUPERHEROICO ACTUAL ME TIENE RECONTRAPODRIDO!!

Víctimas de comercialismos estúpidos que reformulan una y otra vez un universo que parece cada vez más gastado, los comics de superhéroes se han transformado en un cúmulo de pretenciosas historias que se contradicen unas a las otras generando confusión y aburrimiento entre aquellos que he hemos sido fieles lectores durante varias décadas.

Reboots. Ultimates. Renacimientos. Continuidades. Reformulaciones. La muerte y resucitación de los grandes héroes. Las oscuras traiciones de los iconos de la libertad y la justicia. Los insoportables aggiornamientos de sus orígenes.

Todos estos conceptos “novedosos” se han transformado, en estos últimos años, en un pesado lastre creativo no solo para los lectores sino que también para los guionistas y dibujantes que trabajan en la industria.

Antes había buenas ideas, algunas excesivamente sencillas pero eran buenas ideas. En nuestra actualidad es leer comics es "cool" y las grandes editoriales vieron en ello una gran oportunidad para realizar un negocio que debían explotar hasta el hartazgo… y fue así como las cosas se fueron desvirtuando a pasos acelerados.

Pero todo eso poco les importa a las grandes industrias comiqueras como Warner/DC o Disney/Marvel y así estamos… cayendo por un abismo muy, pero muy profundo del cual no sé si se logrará salir.

Aun así soy un optimista empedernido y pienso que, a la larga o a la corta, toda esta pesadilla pueda llegar a terminar en algún futuro más o menos cercano.

A pesar de lo que muchos “creadores” quieren hacernos creer, los comics de superhéroes no son solo muchachitos musculosos con peinados perfectos que solo sirven para golpear, volar y lanzar rayos por ojos, manos y hasta por el upite.

… tampoco son minitas superbuenas enfundadas en ajustadísimos trajes y con pose de chicas malas, las cuales jamás podríamos presentar como novias a nuestras madres.

… y mucho menos tortuosos archivillanos cuyos cerebros viven maquinando oscuros planes de dominación mundial.

No siempre hay un mono detrás de una máquina de escribir tratando de llevar adelante un guión medianamente potable. En algunas ocasiones, los comics de superhéroes han logrado sobrepasar el estereotipo marcado por la comercialización y han sabido transformarse en un producto adulto de alta calidad que los ha transformado en objeto de culto.

En todos mis años de comicadicto he tenido la oportunidad de separar la paja (obviar comentarios soeces al respecto) del trigo. Por un lado tenemos esas revistas con las cuales pasar el momento y por el otro están esas pequeñas joyas, las cuales he releído varias veces y a las que siempre les encuentro un nuevo saborcito.

La intención de este post es darles a conocer algunas de esas obras. Algunas son sobradamente conocidas y otras no tanto. Tan solo espero que sirva como una sencilla guía para aquellos que tienden a ridiculizar el género (que a veces se lo merece) y para los eternos desorientados que no sabe que pito leer.

¡¡Ayyy, dijo pito!!

-WATCHMEN (DC Comics)

Comics originales: Watchmen # 1-12 (9/1986-10/1987)

Editor ejecutivo: Dick Giordano, Len Wein y Barbara Kesel.

Guión: Alan Moore.

Dibujos, entintado, portada y letras: Dave Gibbons.

Color: John Higgins.

El comic de autor hace gala en esta magnífica e irrepetible maxiserie. En un principio parece sencilla en su concepción pero, a medida que vamos avanzando en el relato, nos vamos adentrando en un intrincado y oscuro trayecto en donde nos es contada la historia de un mundo alternativo en el cual los EE.UU. ha ganado la guerra de Vietnam,Richard Nixon todavía es presidente y los superhéroes son una realidad.

Acosados por las debilidades de su propia humanidad, estos héroes deberán lidiar con sus congéneres que les odian y temen. Todo ello parece estar conduciendo al caos y a un inevitable enfrentamiento nuclear entre las potencias.

Tan solo uno de estos justicieros tiene la posibilidad de cambiar ese precario equilibrio: El deífico Doctor Manhattan… pero el inmenso poder que posee lo coloca muy por encima de las virtudes y defectos de la humanidad.

¿Quién vigila a los vigilantes? (“Who watches the Watchmen?”) ese es el gran interrogante.

Esta maxiserie de 12 números fue escrita por Alan Moore, el cual se hallaba en su mejor etapa creativa, y los dibujos corrieron por cuenta de Dave Gibbons (que hace varios años nos visitó en Fantabaires y me firmó el número 1 de esta obra), quien supo plasmar acertadamente las ideas del autor, con un concepto estilístico que resulta ser sumamente interesante.

Con un concepto gráfico-argumental poderosísimo, Watchmen ha logrado transformarse en una obra literaria sumamente apreciada entre los lectores, siendo merecedora de numerosas re-lecturas. 

La historia fue gestada a instancias de la adquisición por parte de DC de los derechos sobre los superhéroes pertenecientes a la editorial Charlton ComicsTomando como base algunos de los personajes de la misma (Peace Maker, The Question, Blue Bettle, Captain Atom), Moore creó esta distopía en la cual nos son mostradas las debilidades y flaquezas inherentes al modo de vida americano que se había vivido entre las décadas del 40 y del 60.

Este comic tuvo la virtud de recibir, entre muchos otras distinciones, el Hugo Award (premio que se otorga a los autores de ciencia ficción)y el Eisner Award. Incluso, en el año 2009, tuvo una más que aceptable versión cinematográfica que fue dirigida por Zack Snyder y una no muy feliz precuela comiquera conocida como Before Watchmen... que, como todos supondrán, fue totalmente defenestrada por el un inconformista Alan Moore.

Una lectura imprescindible para cualquier comiquero que se precie de serlo.



-KURT BUSIEL´S ASTRO CITY (Image Comics/Homage Comics/Wildstorm Comics)

Comics originales: Kurt Busiek´s Astro City # 1-6 (8/1995-1/1996) / Kurt Busiek´s Astro City # 1-22 (9/1996-8/2000)

Editor: John Layman.

Guión: Kurt Busiek.

Dibujos y entintado: Bent Anderson.

Entintado: Will Blyberg.

Color: Steve Buccellato, Alex Sinclair, Electric Crayon y Wildstorm FX.

Letras: Richard Stakings, John G. Roshell, Wes Abbott y Comicraft.

Portadas: Alex Ross.

Esta colección es una creación de Kurt Busiek que contó con los dibujos de Brent Anderson y las portadas del magistral Alex Ross. La historia que nos relata es una más que interesante vuelta de tuerca al género superheroico y es por ello que tuvo el privilegio de trascender por encima de la media general.

Astro City es una vasta metrópoli en la que viven una multitud de superhéroes en estrecha relación con la gente que en ella habitan. A pesar de sus poderes, esos personajes deberán lidiar entre su condición de protectores de la humanidad y el tratar de llevar adelante una existencia que sea lo más normal posible.

Lo que resulta más interesante de esta historia es que mucho de lo narrado está manejado desde el punto un punto de vista de más humano que heroico, desarrollándose una interesante interacción entre la ciudadanía común y la comunidad meta-humana.

Todos esas historias resultan interesantes pero, para mi gusto, el ejemplar número uno es el mejor. En el mismo nos cuentan la historia de Superm… digo, Samaritano y la pesada carga que le toca llevar como protector del planeta Tierra.

Astro City ha sido merecedor de numerosos premios, entre los que podemos nombrar los Eisner y los Harvey.

Este comic tuvo su paso por diferentes editoriales –Image Comics (1995-1996), Homage Comics (1996-2004), Wildstorm (2004-2010)- hasta recalar en la línea Vértigo en donde se publica hasta la fecha.

-DAREDEVIL: BORN AGAIN (Marvel Comics)
Comics originales: Daredevil # 227-233 (2-8/1986).

Editor: Jim Shooter y Ralph Macchio.

Guión: Frank Miller.

Dibujos, entintado y portadas: David Mazzucchelli.

Color: Christie Scheele.

Letras: Joe Rosen.

Privado de la vista por un accidente con unos contenedores radioactivos, el joven Matt Murdockdesarrolla sus otros sentidos a grados extremos. Todo ese extraño evento (¿A quien se le ocurre transportar material radioactivo por la ciudad?) lo llevará a transformarse en el increíble Daredevil: el hombre sin miedo.

Para resumir, estamos ante el típico comic de superhéroes conflictuados al mejor estilo Marvel, el cual fue creado en 1964 por Jack Kirby y Bill Everett. Un personaje más del vasto bestiario heroico de dicha editorial que, sacando los aportes creativos del dibujante Gene Colan, poco tenía que dar si lo comparábamos con otros personajes de la casa como Spider-Man o los X-Men.

Afortunadamente para todos nosotros la cosa cambió y todo eso se debió al arribo de Frank Miller a la colección. Este guionista y dibujante, que en el futuro sería enormemente conocido por emblemáticos trabajos como lo fueron Dark Knight Return, Sin City y 300, se encargó de destrozar el casi aburrido universo en el que se desenvolvía este héroe, para transformarlo en una más que interesante propuesta que no pasó desapercibida para los comicadictos.


El magnífico guión realizado a tal efecto fue captado visualmente por un David Mazzuchelli magnífico y, en  mi modesto entender, irrepetible en obras posteriores.

Merced a una traición de su ex novia y adicta a las drogas Karen Page, la identidad secreta de Daredevil es descubierta por el rey del hampa de la ciudad de Nueva York: Kingpin. Es así como da inicio un largo calvario para nuestro héroe, que se verá despojado de lo que ama, de su profesión, de toda su vida y su dignidad.

Esta terrible situación dará pie a un precipitado descenso de nuestro héroe hacia los infiernos de la miseria humana, para luego resurgir de las cenizas de su derrota y enfrentarse al destino final que le espera. 

Un ángel caído que deberá luchar contra su peor enemigo… que es él mismo.

Es de hacer notar que esta historia servirá de fragua a Frank Miller para realizar su obra maestra que sería conocida como BatmanEl Regreso del Señor de la Noche (Batman Return of Dark Knight -1986).

-BATMAN: LA BROMA ASESINA (DC Comics)

Comic original: Batman: Killing Joke (5/1988)

Editor: Dick Giordano, Dennis O´Neil y Dan Raspier.

Guión: Alan Moore.

Dibujos y entintado: Brian Bolland.

Color: John Higgins.

Letras: Richard Starkings.

Portada: Brian Bolland y Richard Bruning.

Nuevamente tenemos que nombrar a Alan Moore como gestor de un relato gráfico que dio vuelta a todo el universo del hombre murciélago y de su eterno archienemigo. 

El creador de Watchmen, el renovado Swamp ThingV for Vendetta, America Best Comics y un par de historias de cracterísticas bastante particulares dedicadas a Superman, como lo fueron“¿Qué pasó con el hombre del mañana?” y “Para el hombre que lo tenía todo”, se despachó con una historia en donde los protagonistas no parecen ni buenos ni malos sino tan solo locos inmersos en una eterna batalla de la cual ambos son responsables.

La historia, que nos introduce por el camino de la mortal demencia de un hombre, nos narra el “origen” del Joker… o mejor dicho el supuesto origen del príncipe payaso del crimen y de como un mal día en una persona puede llegar a transformarlo en una fuerza absoluta de la oscuridad .

Un cuento aterrador, que ya nos impacta desde su macabra cubierta, el cual fue ilustrado por el sorprendente Brian Bolland. El manejo del apartado gráfico que este creador desarrolla parece una secuencia casi cinematográfica ofreciéndonos un producto de alta calidad cuya acción no decae en lo absoluto a pesar de los numerosos flashback que hacen su aparición a lo largo de esta narración.


-ANIMAL MAN de MORRISON (DC Comics)

Comics originales: Animal Man # 1-26 (9/1988- ) / Secret Origins # 39 (4/1989).

Editor: Dick Giordano, Karen Berger y Art Young.

Guión: Grant Morrison.

Dibujos: Chaz Truog, Tom Grummett y Paris Cullins.

Entintado: Doug Hazlewood, Mark McKenna, Mark Farmer y Steve Montano.

Color: Tatjana Wood.

Letras: John Costanza.

Portadas: Brian Bolland, Mike Kaluta, Lovern Kindzierski y Tatjana Wood.

¿Quieren leer un comic en el que el superhéroe no luche en la forma convencional contra los supervillanos?

¿Prefieren uno en donde el supuesto héroe se cuestione la moralidad de sus actos heroicos?

¿Qué les parecería leer una historia en el que ese personaje, se da cuenta que es nada más que eso… un personaje de historietas?

Si quieren leer todo esto (y algunas cositas más) les recomiendo gratamente esta suerte de maxiserie, la cual fue escrita por Grant Morrison, un autor de la misma camada de "invasores ingleses” como lo fueron Alan Moore y Neil Gaiman, entre cuyos aciertos podemos nombrar a La Patrulla Condenada, Los Invisibles y JLA.

Luego de terminada Crisis en las Tierras Infinitas y consecuente reinicio del Universo DC, Morrison tuvo la oportunidad de revitalizar a este más que olvidado personaje de DC, que había visto la luz en la revista Strange Adventures # 180 (1965), ofreciéndonos un relato en donde nada es totalmente real… ni siquiera tú, querido lector.

Buddy Baker, alias Animal Man, lleva adelante una tranquila existencia, alternando la actividad superheroica con su sencilla vida familiar, hasta que descubre de buenas a primeras que todo en lo que cree no es real y que quizá sea un sueño… o las maquiavélicas maquinaciones de un guionista de comics enloquecido.

Esta historia se desarrolla a lo largo de 26 números, a los que se suma un relato que se halla estrechamente relacionado y que fue publicado en la revista Secret Origins # 39 (1989) y los dibujos estuvieron a cargo de Chaz Truog. Si bien no son la gloria del arte secuencial, los mismos logran plasmar de manera adecuada las ideas desarrolladas por Morrison.

Es de destacar las portadas, las cuales estuvieron a cargo del excelente ilustrador inglés Brian Bolland, cuyos trabajos pueden ser apreciados en Batman: La Broma Asesina, 2000 AD, Camelot 3000 y Wonder Woman, tan solo por nombrar algunos.

LA EDAD DE ORO (DC Comics)

Comics originales: The Golden Age # 1-4 (1993).

Editor: Dick Giordano y Archie Goodwin.

Guión: James Robinson.

Dibujos, entintado y portada: Paul Smith.

Color: Richard Ory.

Letras: John Costanza.

En esta magnífica miniserie en cuatro números nos es presentado un Elseworld dedicado a la Justice Society of America (JSA), un grupo de superhéroes que fue muy conocido durante la famosa edad de oro de los comics, allá por los años 40.

Para aquellos que en estos momentos se estarán preguntando que “joraca” es un Elseworld, les repito lo que la propia editorial ha usado como definición del mismo: “Un Elseword (Otros Mundos) son aquellas historias en que los héroes son arrancados de sus escenarios habituales y son enviados a tiempos y lugares extraños… algunos de los cuales pueden o podrían haber existido, y otros que no pueden o no deberían existir. El resultado son historias que hacen que los personajes que nos son tan familiares como el ayer se presentan tan nuevos como el mañana”.

Menuda definición para hablarnos de las queridas e inolvidables historias imaginarias a las que DC era tan afecto durante las décadas del 50 y 60.

La historia de esta miniserie nos sitúa en los tiempos inmediatamente posteriores al conflicto conocido como Segunda Guerra Mundial. En esos tiempos, el pueblo y el gobierno norteamericanos desconfían de los héroes enmascarados, por lo que muchos de ellos se veran forzados al retiro prematuro a fin de evitar una caza de brujas.

Pero los fantasmas del pasado conflicto bélico aun acechan desde las sombras de una manera que nadie podría llegar a imaginar. Es así como todos esos viejos héroes deberán calzarse nuevamente sus coloridos trajes con el fin de lograr detener una amenaza que podría acabar con el orden instituido.

Bajo la pluma creadora de James Robinson, héroes tan icónicos como Starman, Hourman, Doctor Fate, Green Lantern (Alan Scott), Flash (Jay Garrik) y otros son vistos desde una óptica más humana ya que, a pesar de sus inmensos poderes que los colocan en una categoría de dioses, son solamente eso… seres humanos.

Los dibujos de Paul Smith, caracterizados por su preciosismo artístico, nos retratan maravillosamente esas oscuras épocas de la postguerra y el clima de histeria anticomunista que por esos tiempos reinaba.

LAS AVENTURAS DE BATMAN: AMOR LOCO (DC Comics)

Comic original: Batman Adventures: Mad Love (2/1994).

Editor: Jenette Kahn, Scott Peterson y Darren Vincenzo.

Guión: Paul Dini y Bruce Timm.

Dibujos, entintado, color y portada: Bruce Timm.

Color: Rick Taylor.

Letras: Tim Harkins.

Al galope de la inolvidable Batman: La Serie Animada, que fuera estrenada en 1992, la editorial DC tuvo la acertada idea de editar un comic que plasmara todo el espíritu de esta icónica serie.

Lo mejor de todo este asunto es que los guionistas implicados en el proyecto no se contentaron con repetir gráficamente las historias que eran emitidas por la televisión sino que, por el contrario, se abocaron a la tarea de producir argumentos que fueran totalmente nuevos pero que aun así respetaran la mitología que había sido creada.

En este especial nos es contada la delirante historia de amor y locura de Harley Queen, la eterna enamorada del Joker. Aparte de mostrarnos el origen de esta enfermiza relación, el relato se centra en un siniestro plan llevado a cabo por la consorte demente para lograr atrapar a Batman y así ofrecérselo como regalo a quien considera el centro de toda su existencia.

Cabe destacar que, a diferencia de otros villanos, este personaje fue creado a partir de la serie animada (Episodio # 1-7: Joker´s Favor-9/1992). Aun así la sensual y peligrosa Harley logró trascender su status de figurita decorativa para obtener un lugar de gran importancia dentro de la galería de enemigos del hombre murciélago.

El magnífico argumento y el dibujo, que respetan fielmente el espíritu del show televisivo, estuvieron a cargo de quienes se encargaron de forjar el hito televisivo: Paul Dini y Bruce Timm.
MARVELS (Marvel Comics)

Comics originales: Marvels # 1-4 (2-4/1994) / Marvels # 0 (8/1994).

Editor: Tom DeFalco y Marcus McLaurin.

Guión: Kurt Busiek, Steve Damall y Alex Ross.

Dibujos, entintado y color: Alex Ross.

Letras: John Gaushell y Comicraft.

Portada: Alex Ross y John Romita.

Kurt Busiek, del cual ya habláramos en la entrada dedicada a Astro City, volvió a tocar de manera magistral la relación existente entre el ser humano común y quienes se han transformado en circunstanciales superhéroes. 

Si bien vuelve a repetirse un tópico de similares características a la colección anteriormente nombrada, uno se siente irremediablemente atrapado por este maravilloso universo, que en esta oportunidad es visto a través de la cámara fotográfica de un periodista.

Esta miniserie en cuatro partes, es un auténtico viaje iniciático a través de la historia del Universo Marvel, que va desde la primera aparición de la Antorcha Humana original hasta el advenimiento de los mutantes, mostrándonos su impronta en la vida cotidiana de los ciudadanos de la ciudad de Nueva York, en donde el sentido de lo maravilloso es puesto a prueba cada día de su existencia.

Un tema aparte son las magníficas e hiperrealistas ilustraciones realizadas por el genial Alex Ross, el cual se atreve a darnos su visión sobre hechos tan notables como la llegada de Galactus, el nacimiento de Los Vengadores o la muerte de Gwen Stacy.


BATMAN: BLANCO Y NEGRO (DC Comics)

Comics originales: Batman Black & White # 1-4 (6-9/1996).

Editor: Mike Carlin, Dennis O´Neil, Mark Chiarello y Scott Peterson.

Guion: Ted McKeever, Bruce Timm, Joe Kubert, Howard Chaykin, Archie Goodwin, Walt Simonson, Jan Stmad, Kent Williams, Chuck Dixon, Neil Gaiman, Klaus Janson, Andrew Helfer, Matt Wagner, Bill Sienkiewicz, Dennis O´Neil, Brian Bolland y Katsushiro Otomo.

Dibujo: Ted McKeever, Bruce Timm, Joe Kubert, Howard Chaykin, Jose Muñoz, Walt Simonson, Richard Corben, Kent Williams, Jorge Zaffino, Simon Bisley, Klaus Janson, gaetano Liberatore, Matt Wagner, Bill Sienkiewicz, Teddy Kristiansen, Brian Bolland, Kevin Nowlan, Gary Gianni, Brian Stelfreeze y Katsushiro Otomo.

Entintado: Ted McKeever, Joe Kubert, Howard Chaykin, Jose Muñoz, walt Simonson, Richard Corben, Kent Williams, Jorge Zaffino, Simon Bisley, Klaus Janson, gaetano Liberatore, Matt Wagner, Bill Sienkiewicz, Teddy Kristiansen, Brian Bolland, Kevin Nowlan, Gary Gianni, Brian Stelfreeze y Katsushiro Otomo.

Letras: John Workman, Todd Klein, Joe Kubert, Ken Bruzenak, Phil Felix, John Costanza, Bill Oakley, Tim Harkins, Ellie de Ville y Todd Klein.

Portadas: Jim Lee, Scott Williams, Frank Miller, Mike Kaluta, Tony Salmons, Barry Windsor-Smith, P. Craig Russell, Mark Silvestri, Alex Thot, Alex Ross y Neal Adams.

Estos especiales estan compuestos por una serie de historias, realizadas en blanco y negro, en las cuales se les dio una total libertad creativa a los autores implicados para que pudieran desarrollar las aventuras basadas en su visión sobre el mito heroico que rodea la existencia del hombre murciélago.

Alternando historias de excelente factura con otras que no escapan a la media, el producto final resulta altamente estimulante debido sobre todo a la audacia presente en los guiones, los cuales se ven potenciados por el uso de luces y sombras presentes en las ilustraciones que, la mayoría de las veces, no pueden ser apreciadas debido a la presencia del color.

Entre los guionistas y dibujantes podemos destacar a Brian Bolland (Un Tipo Inocente), Denny O´Neill y Brian Stelfreeze (La Despedida), Katsushiro Otomo (La Tercera Máscara), Bruce Timm (El Uno para el Otro, una historia del villano Dos Caras de excelente calidad argumental), Walter Simonson (Legend), Simon Bisley y Neil Gaiman (Un Mundo en Blanco y Negro).

CODIGO DE HONOR (Marvel Comics)

Comics originales: Code of Honor (1-4/1997)

Editor: Bob Harras, Kelly Corvese y Jason White.

Guión: Chuck Dixon.

Dibujos: Tristan Shane, Brad Parker, Terese Nielson, Vincent Evans, Bob Wakelin, Derick Gross, Paul Lee y John Marasigan.

Entintado: Tristan Shane, Brad Parker, Terese Nielson, Vincent Evans, Bob Wakelin, Derick Gross, Paul Lee y John Marasigan.

Color: Brad Parker, John Marasigan y Bob Wakelin.

Letras: Chris Eliopoulos y J. Marasigan.

Portadas: Brad Parker y Tristan Shane.

Se trata de una miniserie en cuatro números, que contó con los guiones de Chuck Dixon e ilustraciones realizadas por un variopinto grupo de artistas.

Ubicada cronológicamente luego de los hechos narrados en Marvels, Dixon nos narra la difícil vida del oficial de policía Jeff Piper y su dura tarea por tratar de mantener el orden en una Nueva York que se halla signada por los poderosos prodigios que en ella habitan.

“Los héroes estaban por encima de todo eso. Por encima de la mugre, de la miseria y el dolor. Los polis nos ganábamos el pan. Los héroes se llevaban la gloria” dice Piper con furia mal contenida, mientras vanamente trata de adaptarse a una existencia que se encuentra totalmente ajena a las épicas batallas llevadas a cabo entre los héroes y los villanos.

Él es tan solo un pobre e indefenso testigo de la gran aventura Marvel.

El argumento resulta sumamente interesante, llevándonos de la mano por el lado oscuro de este particular universo superheroico y la dura existencia de un policía de un Nueva York, en el cual los superhéroes son una realidad cotidiana.

Si bien las diferencias entre los artistas que trabajaron en su realización hace que este producto sea de calidad variable, la historia narrada por Dixon y las ilustraciones desarrolladas por Brad Parker, hacen que Codigo de Honor pueda ser considerada como una pequeña obra digna de ser tenida en cuenta a la hora de tener algo que sea digno de ser leido.

SPIDER-MAN: BLUE (Marvel Comics)

Comics originales: Spider-Man: Blue # 1-6 (7/2002-4/2003).

Editor: Joe Quesada y Bronwyn Taggart.

Guión: Jeph Loeb.

Dibujos, entintado y portada: Tim Sale.

Color: Steve Buccellato.

Letras: Richard Starkings y Wes Abbott.

Cuando ya creía que no había nada nuevo que me pudiera sorprender en lo que se refería a  comics de superhéroes, vino Jeph Loeb y me dio vuelta la cabeza, mientras me decía: “¿viste que no todo es una cagada?”.

Este notable comic tuvo incluso la virtud de hacerme emocionar como jamás lo había logrado ningún comic, incluidos un nudo en la garganta del tamaño de una papa y un brillo maricón en los ojos, que no es poco a esta altura de mi existencia.

Una historia casi perfecta que logra un equilibrio casi perfecto entre la aventura superheroica y la historia humana al contarnos el primer gran amor de nuestro personaje. 

La relación existente entre el nerd Peter Parker, devenido en un inesperado superhéroe, y la hermosa Gwen Stacy (visto a través de los recuerdo del primero) es la excusa utilizada por el guionista para volvernos a contar de manera magistral toda la mitología que rodea al querido lanzaredes.

A todo ello se suma el soberbio trabajo de Tim Sale, quien ya nos sorprendiera con obras como Batman: The Long Halloween, Superman For All Seasons y Daredevil: Yellow, quien se encargó de plasmar las ideas de Loebs con su estilo único y casi irrepetible.
Casi todo el material nombrado más arriba puede ser encontrado en castellano, por lo que ese detalle lo transforma en una buena oportunidad de acercarse al variopinto universo de los comics por la puerta grande.

Querido amigo, ya va siendo hora de que comiences a descubrir las delicias de un comic de superhéroes bien contado. ¡Volvé a sentirte un pendejo!.

¡Dale! ¡No te avergoncés!

HISTORIAS DE MUCHO MIEDITO (5)

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¡¡ MAMAKHEKA GHASO!!

“Noche de sábado…

Afectado de grata manera por el alcohol que consumiste en la fiesta a la cual te invitaron, arribás a tu morada. Mientras tratás de colocar la llave en la cerradura, un ligero viento frío te hace estremecer. Con los sentidos enturbiados, dirigís tu atención a lo que te rodea, en un intento por buscar el motivo de la misteriosa desazón que te ha invadido de manera tan súbita.


Estas solo con la noche. Muy solo.


Algo nervioso, finalmente lográs abrir la puerta y te dirigís, tambaleante, hacia el baño con el fin de tratar de despejar tu nublado entendimiento. A pesar del  desastroso estado en que te encontrás y la oscuridad reinante, lográs sortear hábilmente el laberinto de muebles, pues no te sentís dispuesto a encender ninguna fuente de iluminación que pueda herir tus ya sobreexcitados sentidos.


Cuando abrís la puerta del baño, un sonido, como un suspiro ahogado, detiene bruscamente tu avance. Un nuevo estremecimiento gana todo tu ser cuando por fin tus ojos se adaptan a la oscuridad que te rodea y pueden ver el origen del mismo.


En un rincón, cerca de la bañera, una presencia sombría se halla sollozando de manera queda. 


Emitiendo un ahogado gemido nacido del 
terror más puro , intentás encontrar la llave de luz. Al notar tu presencia, la figura misteriosa se sume en un aterrador silencio y levanta su rostro hacia tu persona.

En la espesa lobreguez reinante, un pálido rostro y unos ojos terribles te observan fijamente. Un pavor, que resulta totalmente incontenible, comienza a ganar todo tu ser. 


Con el corazón palpitando aceleradamente, lográs encender por fin la luz. Cuando la oscuridad cede ante la viva luminosidad, tomás cabal conciencia que el baño se encuentra totalmente vacío. Frente tuyo no hay nada… ni nadie.

Pero detrás de ti puedes sentir el espantoso aliento de una implacable criatura fantasmal.”


Cuando hablamos de fantasmas, tenemos que hablar sobre la historia misma de la humanidad. 

Desde que el primer hombre miró más allá de su precario refugio, los relatos sobre espíritus, espectros, almas en pena y otras presencias provenientes de más allá de nuestro plano de existencia han sabido transformarse en moneda corriente, aun en nuestro tecnológico y racional siglo XXI.

Si bien existen diferentes ideologías entre las religiones que medran sobre la superficie de nuestro planeta, en todas ellas se habla de la trascendencia del ser humano hacia un plano superior de existencia, al cual arribarán sus espíritus luego de haberse producido la muerte del cuerpo físico. Los rituales funerarios presentes en todos ellos son, por regla general, una manera de evitar que esos espíritus no vuelvan a atormentar con sus presencias al mundo de los vivos.

Parafraseando un viejo dicho: “Los fantasmas no existen, pero que los hay los hay”.

Cuando me propuse escribir sobre fantasmas me di cuenta que el asunto no iba a ser nada fácil. A ponerme a investigar, muy pronto descubrí que me estaba enfrentando a un muy serio dilema…

¿Alcanzará una única entrada para hablar sobre un tema tan vasto? No tenía que ser ningún genio para saber que era poco menos que imposible.

¿Qué hice entonces? El típico curro que solemos usar los escritores para alargar un tema hasta casi el hartazgo: escribir varios artículos sobre la misma temática…


¡Soy un auténtico genio! 

(suenen pitos y matracas)

No cabe duda que, sean estos buenos o malos, los fantasmas nos dan mucho miedo. Su sola presencia llena de intenso pavor a todos aquellos que en algún momento han tenido la oportunidad de ser testigos de tales eventos sobrenaturales del cual, si me apuran, puedo dar pruebas fehacientes de ello… historias de las cuales hablaré en algún futuro más o menos cercano (o sea, cuando me dé la gana).

Para mi gusto personal, los fantasmas que considero más aterradores y extraños son sin duda alguna los gestados en oriente. Pálidos, de movimientos espasmódicos y terriblemente vengativos, estas entidades llegaron a ser vastamente conocidos por los occidentales gracias al género cinematográfico conocido como Kaidan Eiga o J-Horror (Japan Horror).

Lejos de ser un invento moderno, las historias de fantasmas nipones tienen una existencia antiquísima que se remonta al medioevo japonés, ya que las mismas tienen gran importancia dentro de la tradición cultural de esas lejanas tierras. Nadie en el Japón se cuestiona si creen o no en ellos, a los que llaman Obake o Bakemono, ya que forman parte de su existencia cotidiana. Ello se debe a que, para los japoneses, la esencia espiritual habita en todas las cosas, incluso en los objetos inanimados. 

El fantasma japonés clásico vio la luz hacia finales del siglo XVII (Periodo Edo) merced a un popular juego llamado Hyakumonogatari Kaidankai. En el mismo se encendían 100 velas, las cuales eran apagadas a medida que era contada una historia de fantasmas (Kaidan). Con cada vela apagada, se invocaba la presencia de una persona del otro mundo y el  juego finalizaba cuando los participantes quedaban totalmente envueltos en la oscuridad.

Una de las historias más famosas fue la del fantasma de Okiku. De origen incierto, pero ampliamente conocido hacia 1655, esta leyenda cuenta la historia de una mujer llamada Okiku que rechaza el amor profesado por el shogun Aoyama Harima. En un rapto de locura, el vengativo Harima mata a Okiku y la arroja a un pozo. Tiempo después el fantasma de la occisa retorna para atormentarlo cada noche hasta que el culpable se somete al tradicional Seppuku (suicidio Made in Japón).

Otra historia muy conocida era la de Oiwa y Iemon, la cual tuvo una gran influencia dentro del género de horror oriental. La misma cuenta la historia de un hombre pobre que, al no poder mantener a su esposa que se halla en delicado estado, decide asesinarla de cruel manera. Mientras planea un matrimonio que le resulte más conveniente, el desfigurado fantasma de Oiwa comienza a atormentarlo hasta llevarlo a la muerte.

Estas y otras historias se convirtieron en un siniestro divertimento que tuvo la virtud de hacer que esos cuentos de fantasmas fueran haciéndose cada vez más populares, lo que les permitió trascender hacia otras facetas culturales como lo fueron la pintura, la literatura y el teatro Kabuki (1).

A diferencia del típico fantasma occidental –una sábana de dos plazas que carga pesadas cadenas- la mitología nipona reconoce varios tipos de espíritus sobrenaturales:-

-Yokai: son criaturas monstruosas que poseen ciertos poderes especiales. Tienen variadas formas (animales, demoníacas o humanas) que pueden incluso hallarse mezcladas entre sí. Este grupo puede incluir a todos los demonios y fantasmas que se encuentran descritos más abajo.

-Oni: esta denominación describe a los ogros y demonios. Por lo general son criaturas humanoides de gran tamaño, garras, pelo revuelto y cuernos.

-Tengu: demonio de características animales que habitan en los bosques de las zonas montañosas. Dentro de este grupo hay 4 variedades: el O Tengu (Gran Tengu), Karasu Tengu, Koppa Tengu y Kurama Tengu.

-Henge: son espíritus de animales los cuales poseen poderes sobrenaturales. Entre ellos se encuentran el Kitsume (zorro) y el Tanuki (mapache).

-Gaki o fantasmas hambrientos: son criaturas de aspecto demacrado, vientre hinchado y boca ancha, que sufren constantemente sed y hambre.

-Shura: espíritus que son las reencarnaciones de los guerreros muertos en combate.

-Kappa: espíritu maligno que vive en los cursos de agua. Tiene aspecto de tortuga y tiene un hueco en la cabeza con agua que le otorga gran poder. 

-Rokurokubi: Monstruosa criatura femenina que se caracteriza por su cuello serpentiforme. De día es una mujer de gran belleza, pero de noche se transforma en un demonio que absorbe la energía vital de los hombres.

-Yamamamba: demonio en forma de una anciana de cabello blanco desgreñado. Habita las montañas y, adoptando un aspecto aterrador, devora a los incautos.

-Nopperabo: unos espeluznantes fantasmas sin rostro que suele recorren las calles oscuras durante la noche.

- Yūrei: es el clásico fantasma japonés, el cual aparece cuando el alma (Reikon) no recibe el apropiado rito funerario, la muerte no fue natural o ha sido influenciado por el odio o la venganza. Es así como el alma en pena vaga por nuestro plano de existencia, atado a un sitio o persona determinada, y tan solo un rito apropiado podrá lograr que ese espíritu pueda finalmente reunirse con sus ancestros.

Los Yūrei casi siempre son mujeres, por lo general víctimas del maltrato y el asesinato injustificado. Tienen los cabellos largos, negros y muchas veces alborotados, pues se cree que el cabello continúa teniendo vida aun después de la muerte de su poseedor. Ese cabello nos habla de una emoción contenida, como la cólera o el rencor hacia quienes lo rodean… o sea los vivos.

Estos condenados seres visten con el Katabira, el clásico kimono blanco (2) utilizado en los rituales funerarios realizados en oriente. Su piel es sumamente pálida y ello se debe a la representación dada por el teatro Kabuki a los fantasmas, en donde los actores se pintan el rostro de blanco e índigo (Aiguma) para representar ese papel.

Dentro de este apartado fantasmal existen diferentes tipos de entidades. Entre ellos, podemos nombrar: 

-Ubume: el fantasma de una madre que ha muerto durante el parto o ha dejado huérfanos a sus hijos pequeños.

-Goryō: fantasma de origen aristocrático que, debido a un martirio que sufrieran en vida, vuelven del más allá para vengarse.

-Funayūrei: fantasma de los muertos en el mar.

-Zashiki-warashi: fantasmas de niños. 

-Onryō: es un espíritu que permanece en nuestro mundo por venganza, la cual no siempre va dirigida a quien haya provocado ese oscuro sentimiento. Son los fantasmas más difíciles de tratar, ya que no suelen ser contenidos por los ritos de purificación.

A principios del siglo XIX la literatura nipona hizo una reinterpretación de los viejos mitos presentes en las tradiciones chinas, japonesas y el confucianismo (3), gracias a la labor de autores como Ryunosuke Akutagawa, Lafcadio Hearn, Edogawa Rampo y su mayor mentor: Ueda Akinari. La labor realizada por todos ellos logró que los fantasmas se pudieran adaptar a los nuevos tiempos que estaban llegando.

El cine, ese gran devorador de ideas, no tardó en absorber para si todas esas creencias con el fin de entretener a las masas deseosas de ser asustadas.

Basado en la obra Kabuki sobre el Yūrei Oiwa conocida como Tōkaidō Yotsuya Kaidan, en 1912 se produjo la primera versión fílmica sobre esta narración, la cual había sido escrita en el año 1825. Esta fue una de las historias de fantasmas que más adaptaciones tuvo dentro de la cinematografía japonesa aunque, lamentablemente, muchas de esas copias terminaron siendo destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1953 fue estrenada Ugetsu, la cual contó con la dirección de Kenji Mizoguchi. Este film, un auténtico clásico sobre fantasmas del Japón medieval, es una adaptación de las narraciones escritas por Ueda Akinari(4)
-UGETSU (1953)-
Otra de las películas conocidas sobre esta temática fue Kwaidan (El Más Allá-1964), la cual abrevó en las narraciones escritas por Lafcadio Hearn(5). La misma consta de cuatro narraciones de carácter fantástico sin ninguna relación entre sí.

A pesar de todas estas producciones dedicadas al tema de los fantasmas, sería necesario que pasaran varias décadas para que el cine de terror japonés trascendiera las fronteras y lograra su merecida popularidad a lo largo de todo el mundo.

Las Kaidan Eiga o películas de fantasmas surgieron en tierras japonesas hacia fines de la década de los 90, gracias a la labor del cineasta Hideo Nakata. El mismo asombró a todos los amantes del terror con su film Ringu (1998). 

La historia de la misma, que está basada en la novela de Kojo Suzuki, cuenta las peripecias de una periodista que, al haber muerto su prima en misteriosas y horrendas circunstancias, se verá envuelta en la macabra trama de una oscura leyenda urbana: un video que, al ser visto, lleva a la muerte en el término de una semana.

Carente de los fastuosos efectos especiales de las películas de terror yankis, Ringu se centra más en los aspectos psicológicos implicados ante la presencia de un evento sobrenatural en la vida cotidiana del ser humano, sin llegar a meditar sobre los dilemas morales o éticos que se desprenden del mismo.

En este tipo de films suele apelarse más a las insinuaciones que a las cosas que resultan ser obvias. A todo ello debe sumarse el soberbio manejo de las cámaras y la iluminación, que se encargan de transformar un sencillo argumento en una historia aterradora.


Como era de esperar, los EE.UU. se subieron de manera inmediata a caballo de esta nueva y rentable franquicia comercial. Eso se debió a la intervención de Roy Lee, un abogado que había decido probar fortuna en Hollywood, quien compró los derechos para que el film de Nakata pudiera llegar a tener su versión norteamericana.

En el año 2002 fue estrenada La Llamada (The Ring), la cual fue dirigida por Gore Verbinski y estelarizada por Naomi Watts. La espeluznante imagen del fantasma de Sadako arrastrándose a través de la pantalla de un televisor caló hondo en la imaginería estadounidense, transformando a este film en un evento sumamente exitoso, debido sobre todo al desconocimiento del público sobre esas historias sobrenaturales.

Había nacido el J-Horror.

Al éxito de Ringu le siguió la no menos taquillera y terrorífica Ju-On: The Grudge (2003). Dirigida por Takashi Shimizu, esta producción nos narra la historia de un vengativo Onryō llamada Kayako, una mujer que fuera asesinada junto a su hijo Toshio, la cual va cobrando víctimas entre aquellos que se atreven a desentrañar el misterio que se esconde en la casa en donde se había producido la tragedia. Lo más espeluznante de todo ello es que la maldición, lejos de desaparecer, se propagaba de manera virulenta por toda la ciudad.

Nacida de un par de films que fueron directo al video, el mismísimo director realizó dos versiones cinematográficas en su país natal y dos versiones norteamericanizadas de dicha historia, las cuales fueron producidas por Sam Reimi y protagonizadas por Sarah Michelle Gellar (nuestra amada Buffy, la Cazavampiros).

Otras películas de fantasmas sedientos de nuestra existencia tomaron la posta de las producciones anteriormente nombradas, aunando los mitos y tradiciones con la modernidad de nuestro tecnificado siglo, entre las más conocidas podemos nombrar.

-Dark Water (Honogurai Mizu No Soko Kara-Hideo Nakata -2002-)

La misma cuenta la historia de una niña fantasma que habita en un edificio aquejado por extrañas manchas de humedad y escaleras inundadas. Una versión americana, interpretada por Jennifer Connelly y dirigida por Walter Salles, fue estrenada en 2005. Lamentablemente, la misma no se halla para nada a la altura de la original.

-Infección (Kansen-Masayuki Ochiai -2004)

Una suerte de virus telepático afecta a los integrantes de un hospital, los cuales comienzan a ver criaturas espectrales. Un auténtico delirio drogón que está basada en un episodio de una serie de terror llamada Yonimo Kimyō na Monogatari (Cuentos de lo Inusual).

-Kairo (2001)

¡Mamita querida! ¡Los fantasmas quieren acceder a nuestro mundo a través de Internet y yo que no guardé adecuadamente mis carpetas con pornografía! Este film, dirigido por Kiyoshi Kurosawa, tuvo también su versión yanqui que fue conocida como Latidos (Pulse Jim Sonzero-2006).

-La Llamada Perdida (Chakushin Ari-Takashi Miike-2003)

La historia gira alrededor de unos celulares malditos que te avisan (no se si por MSM o WhatsApp) que te vas a morir. Este film tuvo dos secuelas (2005-2006) y una versión norteamericana en 2008, que fue dirigida por Eric Valette.

-Sadako vs. Kayako (Kōji Shiraishi)

En un delirio de indudable naturaleza comercial, probablemente alimentado de otras sagas del mismo tenor como lo fueron Aliens/Depredador o Jason/Freddy, lo que un principio era una broma del día de los inocentes se transformó en una incuestionable realidad que se estreno en junio de este año. ¿De que va el asunto? para saberlo deberemos esperar a que (con mucha suerte) alguien se atreva a traerla a la Argentina... cosa que veo harto difícil.

Pálidos espectros de andar espasmódico, los cuales emiten sonidos estertorosos que hielan la sangre, nos acechan desde los oscuros rincones, esperando caer sobre nosotros para devorarnos… y eso si que da mucho miedo.

Tan solo me queda, como corolario de este artículo, recordar las sabias palabras del célebre director Akira Kurosawa que, en cierta ocasión, tuvo el infortunio de encontrarse frente a frente con uno de esos terribles fantasmas…

“¡Elkuko mecagho!”


NOTAS

1-Teatro Kabuki: teatro tradicional japonés caracterizado por la estilización y el uso de maquillajes elaborados en los actores. Su historia data del año 1603 con el nacimiento del Kabuki femenino por parte de una sirvienta de un templo shinto llamada Izumo no Okuni.

2-El color blanco es el símbolo de muerte en la cultura japonesa.


3-Confucianismo: también conocido como confucionismo, se trata de un conjunto de doctrinas morales y religiosas predicadas por los seguidores de Confucio, cuya influencia se ha extendido en casi todo oriente. Dichas prácticas giran en torno a la adoración de los antepasados y la creencia de la existencia de un alma que trasciende la forma mortal.


4- Ueda Akinari (1734-1809): prominente poeta y literato japonés, considerado como el Edgard A. Poe de oriente. Sus obras más importantes son Cuentos de Luz de Luna y Lluvia (Ugetsu Monogatari -1776) y Cuentos de Lluvia de Primavera (Harusame Monogatari-1809).


5- Lafcadio Hearn (1850-1904): famoso periodista, traductor, orientalista y escritor greco irlandés que hizo conocer la cultura japonesa en occidente. En 1890 se instaló en las islas niponas y finalmente obtuvo la ciudadanía. Ha sido conocido mayormente gracias a sus cuentos de fantasmas, destacándose Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1903). 



ANEXO: DATOS TECNICOS DE FILMS J-HORROR

Como gran fanático de la data, algo que probablemente todos ustedes comparten, acá les va las fichas técnicas de las pelis que nombré más arriba. Espero sepan apreciar este sacrificio ya que me veré envuelto en la escritura de cientos de nombres llenos de muchas consonantes y vocales entremezcladas de manera caótica para el entendimiento de un mísero "Gaijin" como yo. De nada.

Tōkaidō Yotsuya Kaidan (1912-Nikkatsu/Sekaikan)

Dirección: Shôzô Makino.

Protagonistas: Matsunosuke Onoe.

Este film se perdió totalmente debido a los bombardeos producidos en tierras japonesas durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

Cuentos de la Luna Pálida (Ugetsu Monogatari-1953-Daiei Studios)

Producción: Masaichi Nagata

Dirección: Kenji Mizoguchi

Guión: Matsutarô Kawaguchi, Hisakasu Tsuji y Yoshikata Yoda (basado en una historia de Ueda Akinari)

Música: Fumio Hayasaka, Tamekichi Mochizuki e Ichirô Saitô

Fotografía: Kazuo Miyagawa

Protagonistas: Machi Kyô (Lady Wasaka), Mitsuko Mito (Ohama), Kinuyo Tanaka (Miyagi), Masayuki Mori (Genjurô), Eitarô Ozawa, Sugisaku Aoyama y Mitsusaburô Ramon.

Duración: 96 min.

Kwaidan: El Más Allá (Kwaidan-1964-Bungei/Ninjin Club/Toho Company/Toyo Kogyo Kabushiki Kaisha)

Dirección: Masaki Kobayashi

Producción: Takeshi Aikawa, Satoshi Kohinata, Minoru Tabata, Yoshishige Uchiyama y Shigeru Watatsuki.

Guión: Yôko Mizuki (basado en un relato de Lafcadio Hearn)

Música: Tôru Takemitsu.

Fotografía: Yoshio Miyajima.

Protagonistas: Michiyo Aratama, Misako Watanabe, Rentarô Mikuni, Kenjirô Ishiyama, Ranko Akagi, Fumie Kitahara, Tatsuya Nakadai, Keiko Kishi, Kin Sugai, Katsuo Nakamura, Tetsurô Tanba, Kan´emon Nakamura , Osamu Takizawa y Kappei Matsumoto.

Duración: 183 min.

Ringu (1998-Basara Pictures/Imagica/Asmik Ace Entertaintment/Kadokawa Shoten Publishing Co./Omega Project/Pony Canyon/Toho Company)

Dirección: Hideo Nakata

Producción: Masato Hara, Takashige Ichise, Makoto Ishihara, Tatsuya Isomura, Shin´ya Kawai y Takenori Sentô.

Guión: Hiroshi Takahashi (basado en la novela de Kôji Suzuki)

Música: Kenji Kawai.

Fotografía: Jun´ichirô Hayashi.

Efectos especiales: Hajime Matsumoto.

Protagonistas: Nanako Matsushima (Reiko Asakawa), Miki Nakatani (Mai Takano), Yûko Takeuchi (Tomoko Ôishi), Hitomi Satô (Masami), Rie Ino´o (Sadako Yamamura), Yôichi Numata, Yutaka Matsushige, Katsumi Muramatsu, Rikiya Ôtaka y Masako.

Duración: 96 min.

The Ring (2002-DreamWorks SKG/Parkes+MacDonald Image Nation/BenderSpink)

Dirección: Gore Verbinski.

Producción: Benita Allen, Neal Edelstein, Christine Iso, Roy Lee, Mike Macari, Laurie MacDonald, Walter F. Parkes, J. C. Spink y Michele Weisler.

Guión: Ehren Kruger (basado en la novela de Koji Suzuki y la adaptación cinematográfica de Hiroshi Takahashi).

Música: Hans Zimmer.

Fotografía: Bojan Bazelli.

Efectos especiales: Asylum VFX, Bischoff´s Taxidermy and Animal FX, Cinovation Studios, Matte World Digital, Method Studios, Pacific Title and Art Studio, Rhythm & Hues Studios y Tippett Studio.

Protagonistas: Naomi Watts (Rachel), Martin Henderson (Noah, David Dorfman (Aidan), Brian Cox (Richard Morgan), Jane Alexander (Dr. Grasnik), Daveigh Chase (Samara), Lindsay Frost, Amber Tamblyn y Rachael Bella.

Duración: 115 min.

Ju-On: The Grudge (2002-Pioneer LDC/Mikkatsu/Oz Company/Xanadeux)

Dirección: Takashi Shimizu.

Producción: Takashige Ichise, Kunio Kawakami, Yoshinori Kumazawa e Hiroki Numata.

Guión: Takashi Shimizu

Música: Shiro Sato.

Fotografía: Tokushô Kikumura.

Efectos especiales: Nippon Eizo Creative.

Protagonistas: Megumi Okina (Rika Nishina), Misaki Itô (Hitomi Tokunaga), Misa Uehara (Izumi Tôyama), Yui Ichikawa (Chiharu), Yuya Ozeki (Toshio), Takako Fuji (Kayako), Kanji Tsuda, Kayoko Shibata, Yukako Kukuri, Shuri Matsuda y Yôji Tanaka.

Duración: 92 min.


El Grito (The Grudge-2004-Columbia Pictures/Ghost House Pictures/Fellah Pictures/Senator International/Vertigo Entertianment)

Dirección: Takashi Shimizu.

Producción: Doug Davison, Joseph Drake, Satoshi Fukushima, Aubrey Henderson, Takashige Ichise, Nathan Kahane, Michael Kirk, Roy Lee, Carsten H. W. Lorenz, Ray Quinlan, Sam Reimi, Shintaro Shimosawa y Rob Tapert.

Guión: Stephen Susco y takashi Shimizu.

Música: Christopher Young.

Fotografía: Hideo Yamamoto.

Efectos especiales: Big X, Reality Check Studios, Pacific Title y Reality Check Studios.

Protagonistas: Sarah Michelle Gellar (Karen), Jason Behr (Doug), William Mapother (Matthew), Clea Duvall (Jennifer), Bill Pullman (Peter), Ted Raimi (Alex), Yuya Ozeki (Toshio), Takako Fuji (Kayako), KaDee Strickland y Grace Zabriskie.

Duración: 91 min. / 98 min. (versión extendida).

Dark Water (Honogurai Mizu No Soko Kara-2002-Kadokawa Shoten Publishing/Nippon Television Network/Video Audio Project/Nikkatsu/Officce Augusta Co. Ltd./Oz Company)

DirecciónHideo Nakata.

Producción: Takashige Ichise, Kyle Jones, John Ledford y Mark Williams.

Guión: Takashige Ichise, Hideo Nakata, Ken´ichi Suzuki y Yoshihiro Nakamura (Basado en la novela de Kôji Suzuki).

Música: Kenji Kawai y Shikao Suga.

Fotografía: Jun´ichirô Hayashi.

Efectos especiales: Nippon Effect Center.

Protagonistas: Hitomi Kuroki (Yoshimi Matsubara), Rio Kanno (Ikuko Matsubara), Mirei Oguchi (Mitsuko Kawai), Asami Mizukawa (Ikuko Hamada), Yu Tokui, Isao Yarsu y Shigemitsu Ogi.

Duración: 101 min.

Dark Water (2005-Touchstone Pictures/Pandemonium Productions/Vertigo Entertainment/Post No Bills Films)

Dirección: Walter Salles.

Producción: Doug Davison, Kerry Foster, Ashley Kramer, Roy lee, Bill Mechanic, Todd y Murata y Diana Pokorny.

Guión: Hideo Nakata, Takashige Ichise y Rafael Yglesias (basado en la novela de Kôji y Suzuki)

Música: Angelo Badalamenti.

Fotografía: Affonso Beato.

Efectos especiales: Digital Domain, Flash Film Works, Pacific Title Digital y Effects Group.

Protagonistas: Jennifer Connelly (Dahlia), John C. Reilly (Mr. Murray), Tim Roth (Jeff Platzer), Dougray Scott (Kyle), Pete Postlethwaite, Camrym Manheim, Ariel Gade y perla Haney-Jardine.

Duración: 105 min.

Infección (Kansen-2004-Aozora Investments/Entertainment Farm/Geneon Entertianment/Mikkatsu/Oz Company/Toho Company/Tokyo Broadcasting System)

Dirección: Masayuki Ochiai.

Producción: Kazuya Hamana, Takashige Ichise, Yukie Kito y Yasushi Kotani. 

Guión: Ryôichi Kimizuka y Masayuki Ochiai.

Música: Kuniaki Haishima.

Fotografía: Hatsuaki Masui.

Protagonistas: Michiko Hada (Dr. Nakazono), Mari Hoshino, Tae Kimura, Yôko Maki, Kaho MInami, Moro Morooka, Shîro Sano y Kôichi Satô.

Duración: 98 min.

Kairo (2001-Daiei Eiga/Hakuhodo/Imagica/Nippon Television Network)

Dirección y guión: Kiyoshi Kurosawa.

Producción: Ken Inoue, Seiji Okuda, Shun Shimizu, Atsuyuki Shimoda, Yasuyoshi Tokuma e Hiroshi Yamamoto.

Música: Takefumi Haketa.

Fotografía: Jun´ichirô Hayashi.

Efectos especiales: Links Digiworks.

Protagonistas: Haruhiko Katô (Ryosuke Kawashima), Kumiko Asô (Michi Kudo), Koyuki (Harue Karasawa), Kurume Arisaka (Junko Sasano), Masatoshi Matsuo, Shinji Takeda y Jun Fubuki.

Duración: 118 min.

Pulso (Pulse-2006-Weinstein Company/Distant Horizon/Neo Art & Logic)

Duración: Jim Sonzero.

Producción: Brian Cox, Michael Leahy, Stephen Maloney, jeff Maynard, Vlad Paunescu, Anant Singh, Ron Cosmo Vecchiarelli, Bob Weinstein y Harvey Weinstein.

Guión: Wes Craven y Ray Wright (basado en el guión de Kiyoshi Kurosawa).

Música: Elia Cmiral.

Fotografía: Mark Plummer.

Efectos especiales: Two Hours in the Dark, Neo Digital Imaging, Light Dog Films, Live Wire Productions & Visual FX, Engine Room, C-TRL Labs, I.C.O. Entertainment y Orphanage.

Protagonistas: Kristen Bell (Mattie), Ian Somerhalder (Dexter), Christina Milian (Isabelle Fuentes), Rick Gonzalez, Jonathan Tucker, Samm Levine, Octavia Spencer y Ron Rifkin.

Duración: 90 min.

Una Llamada Perdida (Chakushin Ari-2003-Kadokawa-Daiei Eiga K.K.)

Dirección: Takashi Miike.

Producción: Yoichi Arishige, Fumio Inoue, Kazuo Kuroi, Hiroshi Okawa, Naoki Satô y John Sirabella.

Guión: Yasushi Akimoto, Minako Daira y Alexander Von David.

Música: Kôji Endô.

Fotografía: Hideo Yamamoto.

Efectos especiales: OLM Digital.

Protagonistas: Ko Shibasaki (Yumi Nakamura), Shi´ichi Tsutsumi (Hiroshi Yamashita), Kazue Fukiishi (Natsumi Konishi), Anna Nagata (Yoko Okazaki), Atsushi Ida (Kenji Kawai), Mariko Tsutsui (Marie Mizunuma), Kumiko Imai y Keiko Tomita.

Duración: 112 min.

Llamada Perdida (One Missed Call-2008-Alcon Entertainment/Missed Call Productions/Kadokawa Pictures)

Dirección: Eric Valette.

Producción: Timothy M. Bourne, Shinya Egawa, Alison Haskovec, Manfred D. Heid, Broderick Johnson, Avram "Butch" Kaplan, Gerd Koechlin, Andrew A. Kosove, Scott Kroof, Elizabeth Kushman, Josef Lautenschlager, Jennie Lew Tugend, Martin Schuermann, Andreas Thiesmeyer, Steven P. Wegner y Lauren Weissman.

Guión: Andrew Klavan, Yasushi Akimoto y Minako Daira.

Música: Reinhold Heil y Johnny Klimek.

Fotografía: Glen MacPherson.

Efectos especiales: Spectral Motion, Zoic Studios y Pacific Title and Art Studio.

Protagonistas: Shannyn Sossamon (Beth Raymond), Edward Burns (Detective  Jack Andrews), Ana Claudia Talancón (Taylor Anthony), Ray Wise (Ted Summer), Azura Skye, Johnny Lewis, Jason Beghe y Margaret Cho.

Duración: 87 min.

Sadako vs. Kayako (2016-Kadokawa/NBCUniversal Entertainment)

Dirección: Kôjo Shiraishi.

Guión: Takashi Shimizu y Kôji Suzuki.

Música: Kôji Endô

Protagonistas: Mizuki Yamamoto (Yuri Kurahashi), Tina Tamashiro (Susuka Takagi), Aimi Satsukawa (Natsumi), Misato Tanaka (Akayo Takagi), Masahiro Kômoto (Shinichi Morishige), Rina Endo (Kayako Saeki), Elly Nanami (Sadako Yamamura), Rintaro Shibamoto (Toshio Saeki), Masanobu Andô y Maiko Kikuchi.

Duración: 98 min.
"UNA DE ESTAS NOCHES NOS VEMOS"

GALERIA DE MONSTRUOS FAMOSOS (3): GILL-MAN

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¡El eslabón perdido entre el hombre y el pez aún vive en las misteriosas selvas amazónicas y le gustan las mujeres!

A la manera del libidinoso King Kong, este extraño anfibio pagará con su vida el haberse encariñado de una bella representante del género femenino, a la cual ha raptado para llevar a cabo acciones inconfesables como pedirle matrimonio y que pase a llamarse señora Gill-man.


Hacia finales de la década del 40, el monstruo de Frankenstein, Drácula, La Momia y el Hombre Lobo iban agonizando poco a poco en las pantallas de cine. Aún no repuestos del gran susto recibido durante el conflicto conocido como Segunda Guerra Mundial, el público que asistía a las salas cinematográficas deseaba otro tipo de entretenimientos que les permitiera evadirse de la realidad cotidiana. A todo eso se sumó la invasión a los hogares por parte de la televisión, la cual amenazó seriamente a la industria cinematográfica de aquellos tiempos.

Ello llevó a las grandes productoras a tratar de atraer a un público reticente a salir de sus casas, ofreciendo una serie de avances tecnológicos, en lo que se refería a sonido e imagen, y trayendo nuevas ideas que resultaran irresistibles para el gusto del público. 

Dentro de esta movida comercial comenzaron a ver la luz una serie de films que estarían englobados dentro del popular género conocido como ciencia ficción. Viajes espaciales, invasiones extraterrestres, máquinas inteligentes y futuros apocalípticos se transformaron en moneda corriente en los cines de todos los EE.UU. y el resto del mundo, generando enormes ganancias a las compañías cinematográficas.

La gran hacedora de los viejos monstruos, los Estudios Universal, no quisieron quedarse atrás en esta suerte de carrera comercial por lo que comenzó a encarar una serie de proyectos que pudiera devolverla al puesto de importancia que había sabido tener 10 años atrás.

El primer film, basado en un relato de Ray Bradbury, fue It Came from Outer Space que estuvo bajo la dirección de Jack Arnold y que contaba con el por entonces novedoso sistema 3D. La película obtuvo un notable éxito de taquilla, por lo que los capos de la Universal comenzaron a ver con buenos ojos su incursión en el género.

Pero de manera inmediata surgió la gran pregunta… ¿Qué tema de ciencia ficción desarrollarían?

Todo dio inicio cuando, en una cena junto al director/actor Orson Wells, el productor William Alland escuchó, de labios de Gabriel Figueroa (director de fotografía de Ciudadano Kane), una extraña leyenda sobre una mítica criatura anfibia que vivía en la por entonces desconocida región amazónica. 

Con ese relato en la cabeza, Alland elaboró una idea que terminó transformándose en el esbozo de un guión bastante sencillo sobre un monstruo milenario que amenazaban a la humanidad, un concepto poco novedoso que fusionó con el viejo cuento de La Bella y la Bestia

Este esbozo fue reelaborado varias veces a fin de obtener un argumento que fuera más o menos potable, una labor que estuvo a cargo de los escritores Harry Essex (que ya había colaborado en It Came from Outer Space) y Arthur Ross.

En una expedición realizada en una de las cuencas del río Amazonas, es descubierta la mano fosilizada de una criatura anfibia del periodo Devónico (1), que bien podría tratarse del famoso eslabón perdido entre las criaturas acuáticas y el hombre. 

Entusiasmados por este descubrimiento, un grupo de científicos organizan de manera inmediata una expedición hacia una región ignota de la selva amazónica conocida como la Laguna Negra.

Grande será su sorpresa, cuando comprueben que una criatura de esa enigmática especie ha logrado sobrevivir al largo periodo de tiempo que ha mediado entre esas épocas prehistóricas y nuestra actualidad... y con ello estamos hablando de unos cuantos millones de años

Al intentar capturarla, la furiosa entidad se tomará venganza tratando de asesinar a sus captores y, de paso, hacerse con la bella muchacha que los acompaña. Como es de esperar, la bestia es vencida por el poder de la bella… y la de algunas balas certeramente colocadas en su cuerpo. En un último intento previo a su deceso, el monstruo retorna a las profundidades de la laguna.
-JACK ARNOLD-

Como los estudios no tenían demasiada experiencia en lo que se refería a la ciencia ficción, decidieron apostar sobre seguro contratando nuevamente a Jack Arnold para que se encargara de la dirección esta nueva producción de corte fantástico.

Jack Arnold (1916-1992) es un más que reconocido director de films de ciencia ficción que fueron realizados durante la emblemática edad de oro de este género. Entre sus aportes podemos nombrar Llegaron de Otro Mundo (It Came from Outer Space-1953), Tarántula (1955), El Increíble Hombre Menguante (The Incredible Shrinking Man -1957), Hijos del Espacio (Space Children-1958) y Monstruo en la noche (Monster on the campus -1958). Su aporte en la realización de los storyboards y su buena relación con los artistas a los cuales dirigía lo transformó en la persona ideal para poder llevar a buen término todo el asunto.

Para la filmación fue necesario buscar lugares naturales que sirvieran para la realización de las escenas de acción que sucedían en las selvas amazónicas. Para tal fin, el equipo encabezado por el supervisor de escenas submarinas James C. Haven se dirigió a Wakulla Spring State Park, una salvaje región pantanosa que se hallaba situada en la península de La Florida. El resto de la filmación, que estuvo a cargo de Arnold, fueron llevadas a cabo en uno de los sets de los Estudios Universal  en California.

Las escenas submarinas fueron todo un desafío para la producción. Para poder llevarlas a cabo contrataron a Scotty Welbourne, quien había desarrollado una cámara especial que podía utilizarse para tal fin. Debido a exigencias de los directivos de Universal Pictures, que deseaban que la película fuera realizada con el sistema 3D, debieron realizarse algunas adaptaciones de dichos equipos.
-MILLICENT PATRICK-

Otro de los grandes desafíos fue el diseño de Gill-manArnold, que quería que el monstruo fuera parecido a una anguila, sugirió al respecto:- "Había una foto de la estatuilla del Oscar y dije:- Si le ponemos una cabeza con branquias, más aletas y escamas se va a parecer mucho a la clase de criatura que estamos tratando de conseguir".

Ese idea inicial, que era bastante sencilla en su concepto, fue evolucionando hasta obtener el aspecto que finalmente aparecería ante las cámaras. Dicha creación fue integramente realizada por Millicent Patrick, una auténtica pionera en lo que se refiere al diseño de efectos especiales. La escultura de la cabeza corrió por cuenta de Christ Mueller. Desafortunadamente, debido a los celos profesionales por parte del jefe de maquillaje George "Bud" Westmore (que no quería quedar eclipsado por sus subalternos), los nombres Patrick  y Mueller ni siquiera figuraron en los créditos de apertura.  

Dicho traje, construido en espuma de caucho que le otorgaba una gran flexibilidad y facilidad de movimientos, fue confeccionado a la medida de los intérpretes. Los movimientos de las branquias fueron logrados gracias a unos tubos por los que pasaba aire comprimido hacía unas vejigas que se hinchaban. Su costo final fue de U$S 12.000... y valió cada billete que se puso en su construcción.
-RICOU BROWNING-

Los encargados de llevar esa vestimenta fueron Ben Chapman (2) -el Gill-man que camina por tierra- y Ricou Browning que, debido a sus amplias capacidades natatorias, se encargó de mover a la criatura bajo el agua.(3)

Chapman diría al respecto de su labor:- "El traje del monstruo era de una pieza en el que esculpieron todo. Tenía que cuidar mi peso ya que sino este se doblaba. Me tomaba 2-3 horas ponérmelo y quitármelo ya que tenía que colocarse perfectamente" 

En las largas escenas submarinas, uno de los puntos más fuertes del film, Ricou debió utilizar una serie de tanques que se hallaban estratégicamente ocultos entre las rocas.

En lo que se refiere al apartado actoral, El Monstruo de la Laguna Negra contó con un acertado reparto que, sin descollar, llevaron a buen término esta producción:-

-Richard Carlson encarnó al Dr. David Reed, el científico investigador y héroe de la película. 

Este actor es ampliamente conocido por haber participado en numerosas producciones del cine -Beyond Tomorrow (1940), El Castillo Maldito (The Ghost Breakers-1940), The Amazing Mr. X (1948), Las Minas del Rey Salomón (King Solomon´s Mines-1950), The Magnetic Monster (1953), It Came from Outer Space (1953), The Maze (1953), Riders to the Star (1954), The Last Command (1955), The Power (1968) y El Valle de Gwangi (The Valley of Gwangi-1969)- y la televisión -Los Aquanautas, Los Detectives, El Fugitivo, Viaje al Fondo del Mar y Bonanza-.
-LA HERMOSA JULIE ADAMS... SIN SILICONAS NI MALLAS QUE NO DEJAN NADA PARA LA IMAGINACION-

-Julie Adams personifica a la bella y deseable (tanto por parte de los hombres como del monstruo) Kay Lawrence. Si bien hizo su aparición en gran cantidad de películas y series, esta actriz ha sido mayormente reconocida por su participación en El Monstruo de la Laguna Negra.

La emblemática escena submarina del monstruo acechando desde las profundidades a la hermosa mujer nadando (que en realidad fue doblada por Ginger Stanley) se ha transformado en todo un icono erótico que ha sabido trascender las décadas que han pasado desde su concepción.

En un reportaje realizado para un documental, Julie Adams daría su opinión sobre su siniestro consorte:- "En cierta forma es un monstruo conmovedor. Uno piensa: Que lastima que sea una criatura tan horrible, porque hay algo en el que anhela ser mejor... que anhela ser humano y amar."
-LOS PROTAGONISTAS A LA ESPERA DEL VISITANTE INESPERADO-

-Richard Denning es el Dr. Mark Williams, rival de Carlson por los favores de la fémina y quien financia la expedición. 

Este personaje también es una carita archireconocida, pudiendo verlo en film como Wells Fargo (1937), The Buccaneer (1938), Union Pacific (1939), Gerónimo (1939), Target Earth (1954), Creature with the Atom Brain (1955), The Day the World Ended (1955) y El Escorpión Negro (The Black Scorpion-1957). También  personificó el papel del gobernador Paul Jameson en la serie Hawai 5-0 (1968-1980).

-Antonio Moreno (Dr. Carl Maia): este actor español fue mayormente conocido en la época del cine mudo como sex-simbol junto actrices de la talla de Greta Garbo y Gloria Swanson. La posterior llegada del sonido, limitaría en gran medida sus papeles.

-Whit Bissell (Dr. Edwin Thompson) Otra de las figuritas conocidas para los fans del cine, como lo fueron Yo fui un Frankenstein Adolescente (I Was a Teenage Frankenstein-1957), Yo fui un Hombre Lobo Adolescente(I Was a Teenage Werewolf-1957), La Invasión de los Usurpadores de Cuerpos (Invasion of the Body Snatcher-1956), El Motin del Caine (The Caine Mutiny-1954) y El Embajador del Miedo (The Manchurian Candidate -1962). También apareció en series como El Llanero Solitario, Perry Mason, El Hombre del Rifle, El Virginiano y en El Tunel del Tiempo, interpretando al General Heywood.

-Nestor Paiva le tocó interpretar el papel del simpático Capitán Lucas, el dueño del barco llamado Rita. El mismo volvería a hacer su aparición en la secuela de este film.

Otro de los pilares de este film de terror fue la música a cargo de Henry Mancini, Hans J. Salter y Herman Stein. Si bien no se sentían demasiado felices para lo que ellos consideraban un trabajo menor para su carrera profesional, la misma fue lo suficientemente acertada como para crear el clima necesario para las largas escenas submarinas y la mismísima aparición del monstruo, esta última una estridente muletilla musical que se repetiría a lo largo de la película nada menos que ¡¡130 veces!!.

El Monstruo de la Laguna Negra fue estrenada en febrero de 1954, transformándose de manera inmediata en todo un éxito de taquilla. En la Argentina fue conocida en junio de ese mismo año. En mi caso, pude verla en mayo de 1970 cuando fue emitida por el canal 11.

A este film le siguieron dos secuelas que se encargaron de contarnos la historia del monstruo que, como todos imaginarán, había sobrevivido al fatal destino del cual había sido víctima.

La primera de ellas, que fue realizada en marzo del año siguiente, fue conocida con el más que evidente título de El Regreso del Monstruo (Revenge of the Creature) y volvió a contar con la dirección de Jack Arnold

En esta oportunidad nuestro querido Gill-man, que ha sabido sobrevivir a los disparos recibidos en la cinta anterior, es capturado por un expedición científica y llevado al Oceanario de Ocean Harbor situado en la Florida con el fin de poder estudiar su fisiología y comportamiento. 

Como es de esperar, el hombre pez logra escapar de su cautiverio y lleva a cabo un montón de tropelías, entre las que se incluye el raptar a la novia del héroe… dándonos a entender que Gill-man está más caliente que una pava con agua hirviendo. 
-"NO ESTANDO JULIE ADAMS, ME CONFORMO CON ESTA RUBIA"-
En esta oportunidad los protagonistas fueron John Agar, en el papel del Profesor ¿Clete? Ferguson, y Lori Nelson como la sensual Helen Dobson, la chica en peligro de ser seducida por el bicho anfibio. En las escenas submarinas, el monstruo fue nuevamente  interpretado por Ricou Browning

Es de destacar la actuación de un joven Clint Eastwood en uno de los papeles superrecontrasecundarios (ni siquiera es mencionado en los títulos de presentación).

Esta versión, si bien fue realizada con el sistema 3D, finalmente fue exhibida en pantalla común pues este sistema había dejado de interesar al público, debido sobre todo a la mala predisposición de las salas que sincronizaban mal las cintas. Si bien la película no es mejor que su predecesora, la misma tuvo el éxito suficiente como para que se embarcaran en una nueva producción.

En 1956 llegaría la última entrega de la trilogía, conocida como El Monstruo Vengador (The Creature Wal Among Us), la cual estuvo a cargo de John Sherwood, que (para mi gusto) es mejor que la anterior en lo que se refiere a su desarrollo argumental. 

En un intento por volver a capturarlo, Gill-man sufre graves quemaduras que destruyen sus branquias. Tratando de salvar su vida, los científicos lo someten a una cirugía especial con el fin de restaurar el tejido dañado. Es así como descubren que la criatura posee unos pulmones vestigiales que le permitirán sobrevivir fuera del agua, alterando totalmente la fisiología anfibia del mismo.

El triste final de nuestro querido Gill-man, cuando escapa de su cautiverio y llega a orillas del mar para enfrentar su infausto destino, aún permanece en mi memoria a pesar de haberla visto cuando era bastante pequeño.

A pesar de su aparente deceso, nuestra monstruosa criatura anfibia no desapareció de la imaginería popular transformándose en objeto de culto para gran cantidad de gente que amaba ese tipo de películas. Todo eso tuvo la virtud de generar el entusiasmo de algunos productores, que intentaron llevar adelante varios proyectos que trajeran de vuelta al ruedo a Gill-man.

En 1981, nació la idea de realizar una remake, la cual iba a contar con John Landis en caracter de productor Jack Arnold como director, quien por esos tiempos se encontraba bastante achacoso. La cosa no fue más allá del esbozo de un guión. Pero este no sería el único proyecto destinado a revitalizar al monstruo.

En 1992, John Carpenter fue tenido en cuenta para llevar adelante una nueva producción. Otro se dio en el 96, en el cual fueron escritos nada menos que cuatro guiones diferentes. Un año más tarde, hubo un tercer intento el cual iba a estar dirigido por Stephen Sommers. Como supondrán, todos ellos se hundieron profundamente en la negra laguna del olvido.

En 2013 volvió a resurgir la idea de llevar adelante una nueva versión, pero hasta el momento la cosa no ha pasado del nombre del guionista implicado: Jeff Pinkner, quien trabajó en The Amazing Spider-Man 2, y la posible actuación de la sensual Scarlett Johansson. Veremos de que va todo este asunto… si es que alguna vez llega a ver la luz.

No cabe ninguna duda alguna que El Monstruo de la Laguna Negra ha sabido transformarse en una de las grandes películas de monstruos de todos los tiempos, con escenas submarinas sorprendentes y un monstruo que resulta bastante creíble, a pesar de la imposibilidad científica de su existencia. 

Y es incuestionable la gran influencia que tuvo sobre director Steven Spielberg y si no me lo creen vean Tiburón y El Monstruo... después me cuentan.
NOTAS:

1-Periodo Devónico: periodo geológico acontecido hace 416 millones de años, caracterizado por la aparición de las primeras plantas terrestres, los insectos y la diversificación de los peces.

2-Ben Chapman fue elegido para personificar a Gill-man debido a su casi dos metros de altura.

3-El primer actor convocado para ponerse el traje de la criatura fue Glenn Strange, quien había personificado al monstruo de Frankenstein en tres producciones de la Universal. Debido a que no se consideraba un buen nadador, terminó rechazando el papel.

FICHAS TECNICAS

EL MONSTRUO DE LA LAGUNA NEGRA (Creature fron the Black Lagoon-1954-Universal International Pictures)

Dirección: Jack Arnold

Producción: William Alland

Guión: Harry Essex, Arthur A. Ross y Maurice Zimm (sobre una idéa de William Alland)

Música: Henry Mancini, Hans J. Salter y Herman Stein

Fotografía: William E. Snyder

Diseño de la criatura: Milicent Patrick

Protagonistas: Richard Carlson (Dr. David Reed), Julie Adams (Kay Lawrence), Richard Denning (Dr. Mark Williams), Antonio Moreno (Dr. Carl Maia), Nestor Paiva (Lucas), Whit Bissell (Dr. Thompson), Bernie Gozier (Zee), Henry Escalante (Chico), Ricou Browning (Gill-man acuático), Ben Chapman (Gill-man terrestre)

Duración: 79 min.
EL REGRESO DEL MONSTRUO (Revenge of the Creature-1955-Universal International Pictures)

Dirección: Jack Arnold

Producción: William Alland

Guión: Martin Berkeley y William Alland

Música: William Lava y Herman Stein

Fotografía: Scotty Welbourne

Diseño de la criatura: Jack Kevan

Protagonistas: John Agar (Profesor Clete Ferguson), Lori Nelson (Helen Dobson), John Bromfield (Joe Hayes), Nestor Paiva (Lucas), Grandon Rhodes (Jackson Foster), Dave Willock (Lou Gibson), Ricou Browning (Gill-man acuático), Tom Hennesy (Gill-man terrestre), Clint Eastwood, Robert Williams y Charles Cane

Duración: 82 min.

EL MONSTRUO VENGADOR (The Creature Walks Among Us-1956-Universal International Pictures)

Dirección: John Sherwood

Producción: Richard Alland

Guión: Arthur A. Ross

Música: Irving Gertz, Henry Mancini y Heinz Roemheld

Fotografía: Maury Gertsman

Diseño de la criatura: Jack Kevan

Protagonistas: Jeff Morrow (Dr. William Barton), Rex Reason (Dr. Thomas Morgan), Leigh Snowden (Marcia Barton), Gregg Palmer (Jed Grant), Maurice Manson (Dr. Borg), James Rawley (Dr. Johnson), David McMahon (Capitán Stanley), Ricou Browning (Gill-man aquatico), Don Megowan (Gill-man terrestre), Paul Fierro, Lilian Molieri, Larry Hudson y Frank Chase.

Duración: 78 min.

STAR WARS EP. 4: LA NUEVA ESPERANZA

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Con motivo del inminente estreno de Rogue One, la precuela del episodio IV de la monumental saga de La Guerra de las Galaxias (Star Wars), les traigo a todos ustedes un artículo dedicado a los diseños y storyboards que fueron realizados para poder llevar a las pantallas este auténtico mito socio-cultural de fines del siglo XX.


¡LA FUERZA SEA CON TODOS USTEDES!
-Ralph McQuarrie-




 Es un período de guerra civil. 

Las naves espaciales rebeldes, que atacan desde una base oculta, han ganado su primera victoria contra el malvado imperio galáctico. 

Durante la batalla, espías rebeldes consiguieron robar los planos secretos del arma más reciente del imperio, la Estrella de la Muerte, una estación espacial blindada con el poder suficiente para destruir un planeta entero. 

Perseguida por siniestros agentes del imperio, la Princesa Leia se dispone a regresar a su hogar a bordo de su nave, custodiando los planos robados que pueden salvar su pueblo y restablecer la libertad en la galaxia...

FICHA TÉCNICA

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (STAR WARS-1977-Lucasfilm ltd. Production/Twenty Century Fox Film Corporation)

Dirección: George Lucas

Producción: Gary Kurtz, George Lucas y Rick McCallum

Guión: George Lucas (basado en La Fortaleza de Akira Kurosawa)

Música: John Williams

Fotografía: Gilbert Taylor

Diseño de producción: John Barry

Diseño de vestuario: John Mollo

Departamento de arte: Frank Bruton, Ralph McQuarrie, John Alvin, Ron Cobb, Tom Jung, y Drew Struzan

Efectos Especiales: Industrial Light & Magic (ILM), Image West Ltd., Van der Veer Photo Effects, Ray Mercer & Company, Modern Film Effects, Master Film Effects y DePatie-Freeleng Enterprises

Protagonistas: Mark Hamill (Luke Skywalker), Harrison Ford (Han Solo), Carrie Fisher (Princesa Leia Organa), Peter Cushing (Moff Tarkin), Alec Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi), Anthony Daniels (C-3PO), Kenny Baker (R2-D2), Peter Mayhew (Chewbacca), David Prowse (Darth Vader), James Earl Jones (voz de Darth Vader), Phil Brown (Tio Owen), Shelagh Fraser (Tía Beru), Jack Purvis, Alex McCrindle, Eddie Byrne, Denis Lawson, Garrick Hagon y Jack Klaff

Duración: 121 min. / 125 (Ed. especial)

Star Wars, la película que creada y dirigida por George Lucas, se encargó de marcar un antes y un después a la hora de contar una historia de ciencia ficción en el cine.

Amparada por una serie de efectos especiales innovadores, el éxito generado por el film y el amplio merchandising que vio la luz a raiz del mismo, la catapultó a la categoría de mito socio-cultural del siglo XX, que aún en la actualidad sigue cosechando miles y miles de fans a lo largo de todo el planeta.
-Storyboard de Ronnie Sheperd-

Pero esta varias veces millonaria saga galáctica jamás hubiera visto la luz si no hubieran intervenido de manera oportuna toda una pléyade de artistas plásticos, entre los que se destaca el inigualable Ralph McQuarrie (1929-2012), cuyos lápices y pinceles se encargaron de recrear en imágenes un proyecto que, según los grandes jefes de Hollywood que no veían con buenos ojos esta suerte de Space Opera, estaba destinado al más rotundo de los fracasos comerciales.


¡La vida te da sorpresas! ¡Sorpresas te da la vida! 

Reportaje a Ralph McQuarrie
Extracto de la nota aparecida en Cinefantastique Vol. 6 Nº 4 -Por Carl Macek - Mayo – 1978 con motivo del estreno de Star Wars: The New Hope. Traducida por este humilde escriba.

"Mi inspiración viene a mí como las burbujas en una botella de champán. Me acuesto y descanso. Las ideas provienen de algún lugar dentro de mí y crecen gradualmente hacia el nivel consciente. Entonces me despierto y pinto mis cuadros."
En un ordenado estudio ubicado en el corazón de Los Ángeles, Ralph McQuarrie trabaja en la creación de pinturas y bocetos de una feroz belleza que representan criaturas alienígenas, paisajes  y civilizaciones totalmente originales. Su trabajo en la película Star Wars de George Lucas se ha visto en muchas de las pinturas de fondo y en gran parte de la escenografía. 

Ralph McQuarrie siempre había querido ser un artista. Incluso cuando era un niño de seis años en Montana, Ralph ejercitó su habilidad artística en la escuela de verano, aprendiendo a dibujar y a trabajar con plastilina. Quince años más tarde se convirtió en un artista comercial.  Durante los siguientes veinte años trabajó, de vez en cuando, como ilustrador técnico. 

Como Ralph dice, "Yo estaba siempre interesado en aviones militares y cohetes. Era una especie de ingeniería orientada". 

Con el tiempo se involucró en el cine, realizando en un primer momento carteles publicitarios de cine y más tarde, trabajando en las ilustraciones de pre-producción. 

Su asociación con George Lucas pareció haber cumplido su deseo de crear visiones increíblemente detalladas de situaciones totalmente ajenas.

Ralph McQuarrie, un hombre amable de voz suave,  tiene una visión muy lúcida sobre su arte y su relación con los elementos de ciencia ficción y fantasía. 


Esta entrevista, uno de las pocas otorgadas por McQuarrie, no sólo sirve para destacar el detalle y el aporte creativo presente en su arte, sino para definir a un artista comprometido con un proyecto de toda la vida con el fin de encontrar la salida correcta para sus diversos talentos. 

Después de completar su trabajo en Star Wars, McQuarrie hizo los diseños de pre-producción y pinturas para Galactica, y ahora está trabajando arduamente para diseñar y pintar nuevas criaturas, nuevas culturas, artilugios, civilizaciones y aventuras que pondrán en marcha la producción de Star Wars II. 

-¿Cómo se involucró en las películas? 

-Había trabajado para la compañía Boeing  hasta 1965. Empecé a sentir que no sólo quería hacer arte para la industria aeronáutica. Yo solía hacer ilustraciones de cuentos para Kaiser Graphic Arts en la década de los cincuenta, pero no me sentía muy feliz allí. Estaba muy interesado en las bellas artes, pero no sabía cómo empezar y cómo sobrevivir con eso, por lo que tenía que seguir yendo a trabajar en algo. En 1965 llegué a Los Ángeles. Tenía un poco de dinero ahorrado, y comencé a trabajar en mi pequeña casa en Venice, a fin de poder desarrollar mis sueños e ideas. Era algo que había querido hacer desde hacía mucho tiempo, sin tener ningún objetivo en mente. No hay resultados, no hay dinero, no hay lugar para vender - ni nada - simplemente hacía lo que yo quería hacer.
-Diseños del Ladnspeeder- 
“Sin embargo, muy pronto recibí una llamada de algunas personas que estaban interesadas en que yo trabajara para ellos. Ellos tenían un proyecto para animar los vuelos Apolo para CBS News y querían un ilustrador que pudiera pintar cohetes. Yo era bastante bueno y  había sido recomendado por alguien de la Boeing. Trabaje para ellos durante unos cuantos años haciendo vuelos Apolo. Trabajando allí, me interesé en las películas y empecé a pensar en hacer algo mío. Un amigo me prestó una cámara, realicé unos storyboards y los filmé. También hice algunos guiones para una película educativa, así como la labor de promoción. Eso me hizo conocer gente en el negocio del cine.
“Ninguno de estos contactos tuvieron éxito hasta que conocí a Hal Barwood y Matthew Robbins , quienes habían estado trabajando para George Lucas en THX 1138. Tenían un guión, que era interesante, llamado Star Danze. Me pidieron que hiciera algunas pinturas de las escenas clave de la misma, como haría más tarde para George. Para ellos, hice un vehículo que se suponía iba a despegar de la superficie de un planeta y alienígenas en sus trajes espaciales. La película finalmente no se hizo. De todos modos, Hal y Matt me presentaron a George Lucas dos años antes de que este me invitara a trabajar en Star Wars. En el momento que nos conocimos George me mencionó que quería ver algunas de mis ilustraciones. Dijo que estaba interesado en hacer una película de ciencia ficción - que no la llamó Star Wars en ese momento – que tuviera las características de un comic book. Cuando se dispuso a hacer la película vino a hablar conmigo, lo cual fue una gran sorpresa, pues venía de hacer American Graffiti que tuvo mucho éxito. Naturalmente, estuve de acuerdo en hacer lo que quería. 

-¿Qué tipo de trabajo tuvo?

-George quería que yo hiciera lo que hice para Hal y Matt, visualizar en dibujos el guión que tenía. George creía que la gente no estaba muy impresionada con el guión. La idea les parecía un poco tonta. El tenía la idea de una experiencia visual, más que una historia. No era verdaderamente ciencia ficción. George lo llamó una fantasía científica, e incluso el aspecto de la fantasía no era tradicional. Tenía un montón de ideas. Tenía páginas de cómics y otras fuentes de material que quería que yo viera. Una vez que me puse a trabajar, a él le gustó lo que estaba haciendo y me dijo que vendría de vez en cuando para comprobar el trabajo. Mis ideas parecían estar en consonancia con las suyas. George fue muy específico sobre la mayor parte del trabajo. 

-¿Cuántas ilustraciones hizo inicialmente para George? 

-Se utilizaron la los dos robots caminando a través del desierto, el duelo de sables de luz, los Stormtroopers (tropas de asalto imperiales) en el salón con los sables de luz en sus manos y el ataque a la Estrella de la Muerte. 


-¿Para que sirve un cuadro de pre-producción? ¿Le da el cineasta una visión de su concepto o sólo sirven para vender su idea a un estudio? 

-Para George creo que si. A él le gustaban estas pinturas y encarnaban todo lo que le interesaba poner en la pantalla. Creo que le dio la oportunidad de desarrollar sus ideas en sus ratos de ocio, por así decirlo, en lugar de trabajar al calor de la producción en la que tienes una gran cantidad de personas involucradas y el dinero está siendo gastado.  Sentía que no era necesario tener que contratar a un costoso diseñador de producción en esta etapa preliminar, pues él tenía sus propias ideas. George podría haber dibujado todo por sí mismo, ¡literalmente! Dibuja muy bien, un poco tosco, pero puede dibujar.

-¿Lucas le dio unas cuantas imágenes, de libros de historietas y de otras fuentes, y se tomó la pelota desde allí?

-No exactamente. George tenía ideas muy específicas, Darth Vader, por ejemplo. George lo describió como alguien con una una especie de prenda hermética con bandas negras y pliegues revoloteando. Él dijo, " Darth Vader llega como el viento, pero es grande e impresionante. " 

-¿Entonces Lucas trabajó de cerca suyo para crear el medio ambiente y el diseño de cómo se vería la gente? 

-Sí. En el curso de nuestras conversaciones acerca de la trama, nos encontramos con algunos problemas interesantes. Una de las primeras acciones presentes en el guión original fue la de unos soldados imperiales quemando el escudo exterior de la nave espacial en el que Luke y C3P0 se encontraban, y nos dimos cuenta de que el aire se escaparía. La gente en el pasaje tendría que estar equipada con una especie de traje espacial. Es por eso que se colocaron las mascarillas. 


-¿Se refiere a la máscara de Darth Vader y el dispositivo de tubo de Lucas que hay en una de sus pinturas preliminares? 

-Exactamente. 

-En cuanto a su aporte a la película, parece que ha proporcionado no sólo pinturas, sino que también numerosos dibujos y diseños. 

-George me dio un proyecto específico. John Barry [el diseñador de producción Inglés] recogió cosas que había en mis pinturas y las utilizó con talento. Él hizo un hermoso trabajo para organizar todo este material. 

-Hay una gran cantidad de diseño arquitectónico o estructural en sus pinturas. 

-Quería hacer estas pinturas lo más aproximadas a lo que sería en la pantalla de cine. Este producto fue resultado de nuestro deseo para que la gente de la Fox sintiera que era un film de calidad, que no iba a ser de ciencia ficción de mala calidad debido a que tenía un guión de cómic. Iba a ser un producto realmente pulido. Tal vez no como 2001… pero.
-Tusken Rider- 

-¿Cree usted que Lucas y su equipo trataron de capturar sus diseños visuales en el cine? 

-Sí, los que a George le gustaban los hicieron. Esas pinturas son el resultado de nuestros esfuerzos para representar en un papel lo que él quería. Cualquier cosa que se hizo más tarde, al igual que el trabajo de Joe Johnston, se llevó a cabo en términos de nuestros esfuerzos preliminares. 

-Llama la atención en su trabajo que los cambios tuvieron lugar en los propios personajes. Un buen ejemplo es Darth Vader. Sus dibujos iniciales eran elegantes, casi afeminados, con líneas curvas en lugar de audaces diseños geométricos.

-Yo no soy tan aficionado a las líneas que le dieron al casco y la máscara de Vader. Creo que lo hicieron más para mejorar su gran tamaño y para mantener la cabeza en alto. En ese sentido, es un trabajo mejor que el mío.

-Su concepto de C3P0 se parece al robot de Metrópolis. 

-Así es, y eso es lo que George estaba buscando. Dijo que estaría bien si era igual que el robot de Metropolis. Pero yo buscaba que se viera más como un hombre, y no como un enorme y torpe robot. Con C3P0 realicé un montón de bocetos y creo que lo hice muy elegante. 
-Diseño de C3PO-

-Su wookiee parece menos peludo. Hay una pintura en la que se ve bastante diferente que el de Chewbacca real. 

-En ese momento a George le gustó mucho los ojos de lemur, los dientes pequeños de goma, etc. El Chewbacca daba miedo, más de lo que daba en la película. Al final terminó siendo más guapo, casi lindo.

-¿Qué pasó con el primer dibujo de Luke Skywalker en que aparecía como una muchacha? 

-Eso fue realmente un cambio importante en el diagrama de George. Hay un montón de cambios importantes en la trama. George no podía hacer todo lo que él quería. Fox pensaba que debía haber algún interés romántico. Creo que esta es la razón por el que George Lucas hizo una chica. Han Solo sería el héroe fuerte y podríamos tener un poco de tensión entre los dos personajes. Eso estaba bien, pero en algún momento George  decidió convertirlo nuevamente en un muchacho y traer a la princesa como un tercer personaje.
-¿Cómo visualiza los paisajes y situaciones extrañas, como por ejemplo la secuencia de la cantina?

-George quería este tipo de diamantes en bruto, un sitio al borde de la ciudad, una especie de estructura de adobe. Pensé, en el fondo de mi mente, que este lugar debía tener pocos huecos, lugares pequeños en la oscuridad. Pero también quería que fuera una zona céntrica. Así que pensé en la Cantina como una sala central, bastante alta, con una claraboya y la luz del día filtrándose a través de las ventanas sucias. Mi primera pintura estaba muy bien, a George le gustaba, pero él pensó que necesitaba unos cuantos pequeños detalles para que se vea menos como un lugar de descanso y más como un lugar que también era parte de una sociedad que fue altamente tecnológica. 

-¿Se siente satisfecho con el trabajo que realizó para George Lucas? 
-Satisfecho no, no en términos de mis pinturas. Me gustaría ser tan buen diseñador de hardware como lo es Joe Johnston. Él, finalmente, va a pintar tan bien como yo. Somos dos personas diferentes, pero también somos bastante similares en muchos aspectos. 

-¿Qué es importante para usted como artista? 

-Me encanta el color. Me gustan los esquemas de color más sutiles que no son realmente ostentosos. Creo que soy muy sensible al color. Mi madre me dijo que podía nombrar los colores antes de que pudiera decir nada más. Tomo una escena que me gusta y decido sobre la entrada de la luz. La escena del desierto es un buen ejemplo con su luz rasante. Yo nunca elegiría que sea mediodía, ya que no se ve tan interesante. Pero cuando tienes una luz rasante, cuando la luna se destaca en el cielo, con las sombras largas y la calidez de la luz que unifica la pintura, eso es lo que me gusta hacer.


-Hay también una gran claridad en su trabajo. ¿Realmente define el tema?

-Tengo interés en las formas, esculpir lo que estoy pensando. No dejo pasar los detalles. Algunas personas me dicen, no te preocupes por eso, es el efecto global lo que cuenta. Pero, a mi modo de ver, el efecto global es el resultado de todos esos detalles. Me doy cuenta que muchos de los pequeños detalles no ayudan mucho. Se puede pintar con poco rigor y aún así obtener el efecto de todos los detalles. Trato de no empantanarme y hacerlo todo. Me gustan los cuadros que definen un tema onírico muy convincente. Uno está convencido de que está allí y sin embargo se trata de un lugar extraño.


GALERÍA DE IMÁGENES

Esta galería de imágenes, en donde tendremos la oportunidad de ver algunos de los diseños, storyboards e ilustraciones realizados por Ralph McQuarrieRonnie SheperdRon Cobb, John Mollo y Alex Tavoularis, pertenecen al libro The Art of Star Wars Episode IV: A New Hope (1979 –Ballantine Books) que obra en mi poder.

DARTH VADER 
-RALPH McQUARRIE-
-ALEX TAVOULARIS-



PRINCESA LEIA ORGANA
-RALPH McQUARRIE-
C3PO Y R2-D2
-RALPH McQUARRIE-
PLANETA TATOOINE
-RALPH MCQUARRIE-

LUKE SKYWALKER

-RALPH McQUARRIE-
-PRIMEROS DISEÑOS DEL PERSONAJE-

STORMTROOPER
-RALPH McQUARRIE-





-ALEX TAVOULARIS-

ARMAS Y ROBOTS
-RALPH McQUARRIE-

OBI WAN KENOBI 
-JOHN MOLLO (izquierda)-
-RALPH McQUARRIE (derecha)-



BAR DE MOSS EISLEY
-RALPH MCQUARRIE-
-RON COBB-
CHEWBACCA 
-RALPH McQUARRIE-

HAN SOLO Y LUKE SKYWALKER, VERSIÓN FEMENINA
-RALPH McQUARRIE-

HAN SOLO
-RALPH McQUARRIE-

HALCON MILENARIO
-RALPH MCQUARRIE-

-JOE JOHNSTON-
TROPAS REBELDES
-RALPH MCQUARRIE-
-VEHÍCULO REBELDE-
ESTRELLA DE LA MUERTE 
-RALPH McQUARRIE-





















-JOE JOHNSTON-





SISTEMA YAVIN
-RALPH MCQUARRIE-



STORYBOARDS
-ALEX TAVOULARIS-




POSTERS PROMOCIONALES REALIZADOS POR JOHN BERKEY

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS EP. V: EL IMPERIO CONTRAATACA

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Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana…


Son tiempos adversos para la Rebelión.


A pesar de que la Estrella de la Muerte había sido destruida, las tropas imperiales han conseguido expulsar a los rebeldes de sus bases secretas y ahora los persiguen por toda la Galaxia. 

Perseguidos por la temible Flota Imperial, un grupo de guerreros de la libertad guiados por Luke Skywalker, consigue establecer una nueva base secreta en el remoto mundo helado de Hoth.


Entretanto, el señor del mal, Lord Darth Vader, obsesionado con la idea de encontrar al joven Skywalker, envía millones de sondas remotas para los puntos más alejados del espacio...



REPORTAJES A RALPH MCQUARRIE Y JOE JOHNSTON

(Aparecidos en el libro oficial de La Guerra de las Galaxias: El Imperio Contraataca escrito por John May -1980- Ed. Forum-)

RALPH MCQUARRIE

Ralph McQuarrie, un artista creativo, inteligente y nada vanidoso, admite que “Desde siempre me he sentido muy atraído por los objetos mecánicos”

De joven McQuarrie estudió en la Escuela Técnica de Vancouver, Canadá. Durante veinte años fue ilustrador técnico para la Boeing y otras compañías aeronáuticas. Las características de ese tipo de trabajo le representaba manejar conceptos realmente avanzados, en lo que se nos pedía visualizar una gran máquina basada en una teoría, que muy bien podía ser algo para ayudar a la gente en el espacio exterior”.

McQuarrie también trabajo en una película sobre los vuelos Apolo para la televisión. Ralph recuerda: “Era una cobertura, en dibujos animados, de las partes del vuelo que no se podían filmar por televisión porque la nave estaba al otro lado de la Luna, reorientándose para descender con los cohetes de freno o descendiendo hacia la superficie lunar”.

Sin embargo, los dibujos animados nunca le atrajeron mucho. Ralph Bakshi le ofreció trabajo en El Señor de los Anillos pero, tal como el mismo afirma: "Hubiera sido un placer el dibujar los castillos y los bosques, pero resulta tedioso tras haber hecho el sexto fondo de bosque, desde otro ángulo. Prefiero hacer un trabajo de concepto como el que estoy haciendo aquí”.

-¿Y como desarrollas los conceptos de las astronaves y los monstruos?

-A veces se me ocurre la idea de inmediato, gracias a algo que tengo en la memoria y que sale a la superficie cuando oigo la descripción. Otras veces no tengo apenas idea de lo que debo hacer, pero comienzo a dibujar y acabo encontrando algo en el montón de los dibujos. En ocasiones me dedico a hojear revistas y me encuentro con algo que no tiene nada que ver pero que me da una sugerencia que puedo elaborar. En otras palabras, las ideas me vienen de muchas partes.

“Para los dibujos de pre-producción que he estado haciendo, que definen como serán las cosas en la película, empiezo por hacer dibujos a lápiz. Luego paso a hacer pequeños dibujos a color, a menudo con rotulador.

“En algunas pinturas he usado lo que llaman vinilo celular, que es la pintura utilizada en los dibujos animados. Tiene una buena gama de colores y al secarse tiene un acabado mate muy agradable que combina con el guache. (1)

A pesar de su talento y la reputación mundial que se ha ganado gracias a La Guerra de las Galaxias, McQuarrie sigue mostrándose modesto acerca de su trabajo y se da cuenta de que en la pantalla, sus ideas aparecen muy transformadas.

-Los efectos en la pantalla son diferentes cuando se ha completado la historia, cuando se ha introducido el tiempo y el movimiento. A menudo la forma en que uno ha pensado algo resulta equivocada.

JOE JOHNSTON

Nacido en tejas en 1950, Joe Johnston quería ser oceanógrafo antes de matricularse para unas clases de arte en la Universidad de Pasadena. Se dedicó a estudiar diseño industrial, ha trabajado en dos películas de ciencia ficción y se unió al equipo de Lucas en 1975.

-Me metí en esto de modo accidental–Recuerda Joe- Pedí empleo como constructor de maquetas en La Guerra de las Galaxias y comencé a diseñar naves, tras lo que me convertí en artista de equipo y comencé a hacer Storyboards.

Joe dibuja todas las escenas de efectos especiales en serialización, fotograma por fotograma, para que los otros técnicos se den cuenta del aspecto que deberían tener las escenas y como tendrían que ser realizadas.

También diseña muchas de las maquetas, como el vehículo todo terreno, que sufrió un largo proceso evolutivo.

-Al principio–Explica- cuando se pensó en una batalla en la nieve, íbamos a utilizar tanques del ejército noruego y habíamos basado el desarrollo de la batalla en ellos. Entonces me encontré con un folleto, editado a principios de los sesenta, que mostraba un vehículo comercial que andaba sobre cuatro patas. De modo que aprovechamos esa idea y desarrollamos un vehículo militar.

Joe afirma que su escritor de ciencia ficción favorito es Jack Vance (2) y nos dijo: “En lo que a mi respecta, creo que es el más grande escritor de ciencia ficción vivo, muerto o lo que sea”.

NOTAS:

1-Guache/Gouache: técnica pictórica consistente en diluir el color en agua u otro elemento como la miel o la goma

2-Jack Vance (1916.2013): famoso escritor de novelas y cuentos de ciencia ficción y fantasía. Entre sus publicaciones más famosas podemos citar la Saga de la Tierra Moribunda, la Saga de Los Principes Demonios, El Ciclo de Tschai, la Trilogía de Durdane, Los Lenguajes de Pao, El Ultimo Castillo, El Principe Gris y Hombres y Dragones, entre muchos otros.


-GALERÍA DE IMÁGENES-
SONDA ROBOT

-RALPH MCQUARRIE-




-JOE JOHNSTON-

-NORMAN REYNOLDS-
TAUNTAUN
-RALPH MCQUARRIE-
 

-JOE JOHNSTON-
BASE REBELDE ECHO
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-
ROBOT MÉDICO
-RALPH MCQUARRIE-
SNOW STORMTROOPER
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-
-JOHN MOLLO-
TROPAS REBELDES
-RALPH MCQUARRIE-
SNOW SPEEDER
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-
VEHÍCULO TODO TERRENO IMPERIAL AT-AT
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-
-Primeros diseños de los AT-AT-
-NILO RODIS-JAMERO-
JUNTO CON JOE JOHNSTON

SCOUT WALKER AT-ST
-JOE JOHNSTON-
TRANSPORTE REBELDE
-JOE JOHNSTON-
TIE BOMBER
-JOE JOHNSTON-
DESTRUCTOR ESTELAR
-RALPH MCQUARRIE-

-JOE JOHNSTON-
CINTURON DE ASTEROIDES
-RALPH MCQUARRIE-
DAGOBAH
-RALPH MCQUARRIE-

 
 
 

YODA
-JOE JOHNSTON-

Si bien Joe Johnston es un invaluable diseñador de astronaves y tecnología futurista, su visión a la hora de crear la imagen de Yoda, incluso sus versiones "Papá Pitufo" y "Gnomo navideño", dejan bastante que desear. Suerte que estaban Ralph McQuarrie y Frank Oz dentro del plantel de producción.
 
 
 
 
 
 

-RALPH MCQUARRIE-
 
 
BOBBA FETT Y LOS CAZARRECOMPENSAS
-RALPH MCQUARRIE-


BESPIN-LA CIUDAD DE LAS NUBES-
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-


BIPOD CAR
-RALPH MCQUARRIE-
-JOE JOHNSTON-
LANDO CALRISIAN
-RALPH MCQUARRIE-
SLAVE I
-JOE JOHNSTON-
-NILO RODIS-JAMERO-
ENFRENTAMIENTO DE DARTH VADER Y LUKE SKYWALKER
-RALPH MCQUARRIE-
FRAGATA MEDICA
-RALPH MCQUARRIE-
-NILO RODIS-JAMERO-
 
POSTER PUBLICITARIO A CARGO DE RALPH MCQUARRIE

¡ACA YA LO TENEIS... EL ANUARIO 2016!

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Un nuevo año ha terminado y con él muchas cosas buenas y malas van quedando atrás en el recuerdo. 

Hubo una pérdida, quizá la más dolorosa, ya que en nuestro egoísmo deseamos que aquellos que amamos perduren más allá de las posibilidades de existencia de todo ser humano normal. 

Pero así es la vida. Los que quedamos debemos seguir adelante en nuestro esfuerzo por tratar de ser un poquito mejores, a pesar de las adversidades con las cuales tropezamos.

Por supuesto que también hubo muchas cosas buenas. Entre ellas estuvo mi primera visita al CBB Rosario, en donde pude disfrutar del mejor evento comiquero del año y me permitió conocer a unos grandes amigos virtuales como lo son el ubicuo Ted Kord, los “vetecomiquerosHernan y José, “chiquitoBoira y “LuckyLuciano. ¡Gracias por su amistad y buena onda!

También hubo grandes cambios en mi existencia bloguera, como lo fue el cierre de las puertas virtuales de Image(i)arte: el arte de la imaginación,el blog que estaba dedicado a la fotografía y la ilustración

La misma fue decisión harto difícil pero inevitable y totalmente acertada, ya que mi deseo era el poder seguir dando de mí todas aquellas cosas que tanto me gustan y, creo, ustedes han disfrutado.

Parafraseando al gran Barney Gómez: “No lloren por mi… tengo otras cosas que hacer”

Pero volvamos al motivo de este artículo, que es llevar adelante un somero repaso a los artículos que han sido publicados a lo largo de este año que se nos está terminando y, de paso, zafar de escribir algún artículo, ya que los vapores del champagne y la cerveza (y otros elixires desconocidos) han nublado un poco mi ya poco claro entendimiento.

Así que...


¡¡¡BIENVENIDOS AL ANUARIO DE EL OMEGA 2016!!!
¡¡PASEN Y VEAN!! ¡¡PASEN Y VEAN!!


¡ACA ESTAN! ¡ELLOS SON! ¡LOS SUPERHEROES EN ACCION!

Este fue, sin duda, un año clave del universo superheroico en las pantallas de cine. Prueba de ello son los tres artículos en los cuales he comentado y criticado tres de los films más esperados por todos los fans que se precian de serlo.

-SUPERMAN/BATMAN: EL ORIGEN DE LA JUSTICIA ¿ENEMIGO MIO?
Los dos mayores iconos de la historia de DC Comics por fin enfrentados en una épica batalla que no fue todo lo buena que esperábamos. 

¿Prólogo a la Liga de la Justicia

¡Que no te duda la menor quepa!

-CAPITAN AMERICA: GUERRA CIVIL-LOS HERMANOS SEAN DESUNIDOS
Como no podían ser menos, los héroes de la Marvel se pusieron los unos contra los otros en una suerte de guerra civil de características apocalípticas… bueno, no tanto si lo comparamos con los comics en los cuales se basó la historia.

-ESCUADRON SUICIDA: ¡HEROES LAS PELOTAS!
¿Los villanos pueden ser unos circunstanciales héroes? 

De la mano de Margott Robbie/Harley Quinn y otros actores sin importancia nos llegó este film de unos malos no tan malos que salvan el día. 

¿Les conté que estaba Margott Robbie?


¡¡ATENCION!! ¡¡ATENCION!! 

¡CON USTEDES LOS COMICS! ¡SIN ELLOS, LOS ANTERIORMENTE NOMBRADOS NUNCA HUBIERAN EXISTIDO!

-SUPERHEROES… ¿COSA DE PENDEX?
Muchos salames piensan que las “revistitas de historietas” (como ellos las llaman de manera harto burlona) son cosas de pibes o de grandotes pelotudos. 

¿Es eso una realidad incuestionable? ¡Nada más errado pajarón! 

Artistas y guionistas de la talla de Alan Moore, Frank Miller, Grant Morrison, Dave Gibbons, Alex Ross y varios otros se van a encargar de demostrarnos todo lo contrario.

-DESDE UN PIBE VESTIDO DE AMARILLO A UN SUPERHOMBRE

¿Que habría sido de Superman si un pibe vestido de amarillo no hubiera hecho su aparición en los medios gráficos de principios del siglo XX? 

El Omega: el fin de todas las cosas se enorgullece en contarles la historia del nacimiento de los Comic Books, allá en la noche de los tiempos.


¡¡SEÑORES ESPECTADORES CON USTEDES LA PARADA DE LOS MONSTRUOS!!

Las criaturas monstruosas son los usuales habitantes de este bizarro nicho ecológico que he dado a llamar El Omega: el fin de todas las cosas.

-HISTORIAS DE MUCHO MIEDITO (4): EL ATAQUE DE LOS DUENDES EXTRATERRESTRES… O ALGO PARECIDO
Los malvados “marcianos” hacen de las suyas y los estúpidos paletos campesinos la emprenden a los tiros. 

¡Ahora que Donald Trump es presidente, ya van a ver “malditos extreterrestres”!

-HISTORIAS DE MUCHO MIEDITO (5): ¡¡MAMAKHEKA GHASO!!
Los fantasmas asustan y mucho, pues son lo más cercano a los monstruos que hay en nuestra realidad. Ni hablar de los vengativos fantasmas nipones. 

¡Elkuko Mekhago! 

-GALERIA DE MONSTRUOS FAMOSOS (3): GILL-MAN
¡Es el monstruo enamorado de una mina! 

Los dolores de cabeza que debe sufrir nuestro anfibio prehistórico favorito para tratar de engancharse a una “naifa” que se hace la difícil. 

¿Acaso estamos ante un caso de acoso sexual? Qui lo sa.

-DINOCINE (10): DINOSAURIOS REVIVIDOS PISAMAQUETAS: GOD(ZILLA) BLESS AMERICA! / AMERICAN GODZILLA 2° ROUND
¡Continúa la historia del gran monstruo conocido como Godzilla!

¡Desde 1956 destruyendo con gran profesionalismo e impunidad un montón de maquetas de cartón, aviones colgados de hilitos y tanques a cuerda! 

Como siempre sucede, los“enviliosos nolteamelicanos” queriendo recaudar morlacos con sus versiones americanizadas. 

¡¡BANZAI!!

-ANTES QUE LOS POWER RANGERS DOMINARAN LA TELE (2)

Nadie mejor que Ultraman, el superhéroe ponja por excelencia, para pararle las patas a los pisamaquetas de turno. 

En esta nueva entrega nos es presentado un estudio pormenorizado sobre los episodios que conformaron esta mítica serie de los años 60.

-VIDAS VAMPIRAS (PRIMERA Y SEGUNDA MORDIDA)

Los chupasangres que tanto nos han asustado a lo largo de nuestras vidas tienen un origen en la realidad. 

¿Queres conocerla? 

¡Si es así apúrate querida víctima, antes que llegue la noche y te quedes sin sangre!.


¡Y TENEMOS MUCHAS ATRACCIONES MAS EN ESTE INCREIBLE SITIO DE PORTENTOS Y MARAVILLAS! 

-STAR WARS: BOCETOS Y ARTE CONCEPTUAL 
Hace mucho, muchísimo tiempo en una lejana galaxia unos revolucionarios le plantaron cara a un imperio que quería instaurar el terror en la galaxia. Naves espaciales gigantes. Robots graciosos. Héroes y villanos sin igual. 

Todo eso fue la saga conocida como La Guerra de las Galaxias

Pero esta obra magna del cine de ciencia ficción nunca hubiera llegado a ser si no fuera por la labor de Ralph Macquarrie y un montón de artistas conceptuales y diseñadores de un universo increíble. 

-LEYENDAS DE LA CIENCIA FICCION, EL TERROR Y LA FANTASIA (3): LA TERCERA GRAN INVASION ARGENTA
En cierto momento de nuestras jóvenes existencias (¡Si, alguna vez también fui joven!) aparecieron en los kioscos una colección de figuritas que despertaron aun más mi pasión por la ciencia ficción.

De la mano de Hector G. Oesterheld y Alberto Breccia, Platos voladores al ataque! ha sabido transformarse en todo un ícono del coleccionismo. 

¡Mis eternas gracias a la gran amiga Patricia Breccia que, dejando momentáneamente de lado su labor creativa, supo asesorarme sobre esta particular creación de su querido padre!

-MAS ALLA DEL JARDIN: MAS ALLA DE UN SIMPLE DIBUJITO ANIMADO

¿Un dibujo animado para chicos? ¡¡JA JA JA!! 

Las aventuras de Wert y Greg por los bosques de Lo Desconocido pondrá a prueba sus valores humanos, incluso ante la mismísima muerte. 

Una auténtica joya de la animación que pudo verse en Cartoon Network.

-LA INIQUIDAD DE LAS SOMBRAS Cap. 24 25 26 / 27 / 28 / 29 / 30 31 
Luego de casi dos años de su inicio, las desventuras de Dewan Bars llegaron a su inesperado final. 

Las innominadas criaturas primigenias, los viajes en el tiempo, los futuros oscuros y el más profundo horror serán los pilares para una historia que se las trae.


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Llegamos, por fin, al fin de este ajetreado año que nos ha tocado en suerte. 

Atrás quedan 12 meses en los cuales El Omega ha sabido crecer gracias a las más de 15.000 visitas mensuales (¡¡!!) de incautos seres humanos que se han atrevido a explorar este particular universo ahíto de maravillas, rarezas y (por que no) algunas idioteces.

¿Tenemos más para ofrecer? Espero que sí. 

Mientras me dé el cuero... o hasta "que se me pudra el corazón", voy a seguir atormentándolos con las oscuras pesadillas que habitan en lo más profundo de nuestro subconsciente.


¡¡A TODOS Y A CADA UNO DE USTEDES, QUERIDOS AMIGOS Y ENEMIGOS, LES DESEO UNA FELIZ NAVIDAD Y UN PROSPERO AÑO NUEVO!!
¡¡¡BWAJAJAJAJAJAJAJAJAJAJAJAJAJA!!!

INVASION CHEN (2): ERU GURAN MAESUTORO

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No cabe duda que el universo de las historietas es maravilloso. 

Sus variados estilos conforman un sorprendente mosaico cultural que se encarga de mostrarnos las características etnográficas que define a cada país de nuestro cada vez más pequeño planeta. 

En lo que a mí respecta, soy un fiel creyente que, para poder conocer una cultura determinada, deberían ser estudiados en detalle los cómics que son publicados y leídos por el público en general. 

Esta manifestación artística ha tenido la enorme virtud de retratar todos esos pequeños detalles que caracterizan a una determinada población. 

En cada una de las páginas de una determinada publicación pueden verse reflejados sus miedos, sus sueños, sus valores, sus anhelos, sus actos corruptos, sus malas acciones y también sus heroísmos. Todas y cada una de esas cosas que se encuentran presentes en dichas páginas pueden ser disfrutadas y analizadas por otras culturas que son diametralmente opuestas… y eso si que esta bueno. 

No hay ninguna duda que uno de los exponentes más importantes dentro de este medio es el que ha sido aportado por la cultura japonesa… y con ello nos estamos refiriendo al Manga

Remontarnos a los orígenes de este medio gráfico resulta bastante difícil, ya que diferentes formas de arte pictórico puestos en orden secuencial eran ya conocidos en el Japón del siglo XII. 
-Ogon Bat-

La posterior influencia cultural norteamericana, que aconteció hacia fines del siglo XIX, hizo evolucionar al género y ello redundó en un marcado aumento en la cantidad de publicaciones. Pero el verdadero empuje en este medio fue dado hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de una forma artística conocida como Kanishibai, una suerte de obra teatral en la que eran utilizadas figuras dibujadas, entre las que se destacó la historia de Ogon Bat (El Murciélago de Oro).

El Manga tal cual lo conocemos en la actualidad es una industria pujante tanto en el Japón como en el resto del mundo. Aunada a la animación (conocida como Anime) y un extenso merchandising, ha sabido transformarse en un producto multimediático sumamente rentable para los artistas japoneses y las editoriales que para las cuales trabajan. 

Estas publicaciones son consumidas por lectores japoneses, ya sean adultos o no, de todos los estratos sociales en una cantidad y un ritmo que resulta sorprendente. Ello se debe a lo variado de las temáticas presentes en ellos, que van desde la ciencia ficción más dura, pasando por los dramas históricos, el terror, las historias para mujeres, para deportistas, para niños (o niñas), para profesionales... y hasta para los que les gusta la pornografía (de todos los tipos que te puedas llegar a imaginar, querido lector).

Otra de las características del Manga es su presentación de bajo costo, con una gran cantidad de páginas (entre 150-500) impresas en papel de muy baja calidad, en las cuales las imágenes tienen una fluidez casi cinematográfica y en donde prima la acción por sobre el texto escrito, tornándolo en un producto de fácil consumo para cualquier tipo de público.

Por supuesto en este breve e incompleto “racconto” de la historieta nipona no podemos olvidarnos de quien se transformaría en el padre del Manga moderno, cuya influencia artística modeló a toda una industria mediática y cultural tanto en el Japón como en el resto del mundo. 

Señoras y señores (y porque no niños) con ustedes la vida y obra del guionista y dibujante conocido como Osamu Tezuka.

Quien se transformaría en el futuro Manga No Kamisama (Dios del Manga), obtuvo su vida mortal en la ciudad de Osaka el 3 de Noviembre de 1926 (1). Al cumplir los 18 años, mientras estudiaba medicina en su ciudad natal, publicó su primer trabajo: Machan No Mikkicho (El Diario de Ma Chan) que fue publicada en la revista infantil Mainichi Shogakusei Shinbum.

Claramente influenciado por los sistemas de animación occidental, como los ofrecidos por los estudios Disney y lo realizado por los hermanos Dave y Max Fleisher (2), Tezuka crea en 1947 su primera obra exitosa dentro del territorio japonés: Shin Takarajima (La Nueva Isla del Tesoro) que contó con los guiones de Shichima Sakai

Sus personajes caricaturescos, de grandes y brillantes ojos “occidentalizados”, y el vertiginoso manejo cinematográfico que se encuentra presente en las viñetas tuvieron una impronta muy marcada en los futuros dibujantes de este arte tan característico. 

A primera vista, dichos trabajos parecen sencillos y casi infantiles, pero cuando tenemos la oportunidad de observarlos de manera detallada nos damos cuenta de la extrema complejidad argumental y estilística presente en ellos, en donde incluso no son necesarios diálogos que los apoyen.

Tezuka tuvo la habilidad casi única de incursionar en diferentes temáticas dentro del manga como lo fueron el género infantil, el western, el terror, los dramas históricos, la intriga, las temáticas adultas y, por sobre todos los anteriores, el género de ciencia ficción con obras como Lost World (1948), Metrópolis (1949), O-Man (1959) y Big X (1963).-ver anexo-

Dentro de este último género, que por lo general estaba emparentado con la temática infantil, debemos destacar a una de sus obras más importantes que incluso llegó a traspasar las fronteras niponas para ser disfrutada por el resto del mundo. 

En 1951 Osamu Tezuka creo el manga llamado Atomu Taishi (Embajador del Átomo), que más tarde pasaría a ser conocido como Tetsuwan Atomu (Átomo Poderoso), para la revista Shonen Manga

En esta publicación nos es contada la creación de un niño robot, por parte del Doctor Tenma que deseaba recuperar a su hijo fallecido, el cual es poseedor de una serie de poderosas habilidades y emociones humanas. Al darse cuenta del error cometido, el científico comienza a odiar a su creación por lo que termina vendiéndolo a un circo de robots. 

Es allí donde entra en escena el Doctor Ochanomizu (conocido en nuestro país como el Profesor Elefant), quien lo rescata de su incierto destino y lo educa para que esos poderes que posee puedan ser usados para el bien. Con el tiempo, esta suerte de super Pinocho tendrá la fortuna de ganar muchos amigos e incluso una familia (padre, madre y una hermana llamada Astrita).

Esta obra fue publicada entre 1951 y 1968, generando un éxito sin precedentes ya que, a pesar de ser un producto netamente infantil, la calidad de sus argumentos lo apartaban de lo que los occidentales conocemos como historietas para chicos, ya que en los mismos eran tratados temas tan espinosos como la carrera armamentística, la religión y el maltrato infantil.

En 1961, Tezuka creó el estudio Mushi Productions en donde se encargó de volcar buena parte de sus personajes al terreno de la animación. Su novedoso sistema de trabajo, cuyo fin era el tratar de abaratar los costos de producción, se hallaba inspirado en el teatro Kabuki. Para ello realizó los dibujos a un ritmo de 5 cuadros/segundo, en lugar de las 12-15/segundo de las producciones occidentales, con el cual remarcaba aún más las situaciones dramáticas de las historias que eran contadas. 

Las aventuras del niño robot vieron la luz en la cadena de televisión Fuji TV a principios de 1963, llegando a emitirse la para nada despreciable cantidad de 193 episodios. Un año más tarde se realizó un film con el remontado de tres de los episodios de la serie televisiva.

No pasó mucho tiempo para que la cadena norteamericana NBC Enterprises reparara en el gran potencial de éxito que tenía este dibujo animado. De manera casi inmediata adquirió los derechos para su emisión en los EE.UU y el resto del mundo (entre los que se incluía la Argentina) bajo el nombre de Astro Boy. De los episodios originales, 124 de los mismos fueron adaptados al idioma ingles por Fred Ladd, los cuales fueron emitidos hasta 1970. 

Astro Boy no fue la única creación nacida del talento de Tezuka, pues hubo otras que también tuvieron la virtud de trascender las fronteras niponas. Una de las más recordadas se centraba sobre un grupo de animales parlantes llamada como Jamguru Taitei (Shonen Manga–1950) y que fue mejor conocido por todos nosotros como Kimba, el león blanco

En 1965, Mushi Production y Fuji TV pondrían al aire el anime sobre las aventuras de este personaje, cuyos 52 episodios se convertirían en la primera serie de dibujos animados a color que fuera producida en territorio japonés.

En Jamguru Taitei (también conocido como Jungle Taitei) son narradas las andanzas de Leo, un pequeño león criado por seres humanos, el cual regresa a la vida salvaje para erigirse como el monarca de todos los animales. Su valía es constantemente puesta a prueba al enfrentarse con numerosos enemigos, encarnados en las figuras de cazadores furtivos u otros animales que cuestionan las loables acciones de nuestro héroe, que podrían poner en peligro la frágil estabilidad de la selva africana. 

¿Estamos frente a una de los primeros dibujos animados de carácter ecológico?... creo que sí.

Extrañamente los estudios Disney se encargaron de cobrarse de alguna manera las influencias artísticas que tuvieran sobre la labor de Tezuka, cuando estrenaron en los cines la exitosa El Rey León (The Lion King-1994), cuyo concepto argumental era sospechosamente parecido al desarrollado por Jungle Taitei

Otra de las obras conocidas en occidente fue Ribon No Kishi (La Princesa Caballero), publicada en la revista Shojo Club en 1953. Si bien las aventuras de una muchacha que adopta la personalidad de un espadachín no fueron tan conocidas como las anteriores, resulta interesante su abordaje sobre tema tan complejo como lo es la ambigüedad sexual, anticipándose en varios años a la exitosa Ramma ½ de Rumiko Takahashi.

Osamu Tezuka murió de cáncer en febrero de 1989 pero, afortunadamente, su legado creativo aún sigue vigente en las nuevas generaciones de adictos al arte secuencial japonés. Prueba de ello es el Tezuka Osamu Manga Museum que se halla en Takarasuka y que fue inaugurado en 1994 a instancias de su viuda Etsuko, en donde se encuentran expuestas sus obras. 

Los trabajos creados por Osamu Tezuka, que podrían ser comparados con los realizados por el maestro Jack Kirby, ya ocupan un lugar de privilegio en el panteón de la historieta mundial. 


¡Sayonara!


NOTAS:

1- hay algunas publicaciones citan 1928... aunque me parece más confiable la citada en el artículo.

2-Dave y Max Fleisher: Animadores, directores y productores germano-estadounidenses entre cuyos trabajos podemos nombrar Koko the Clown, Betty Boop, Popeye y Superman. Para la animación utilizaron la Rotoscopía, un sistema de filmación patentado por ellos por el cual eran calcados fotogramas en los que aparecían actores en vivo.    

ANEXO 1: LISTA DE MANGAS
Osamu Tezuka creó más de 700 mangas a lo largo de su vida, por lo que sería imposible detallar cada uno de ellos. La lista que se encuentra a continuación fue extraída de Wikipedia y la página oficial dedicada a este gran maestro.

Los ítems que se hallan entre paréntesis indican el título original, el género, la revista en la que fue publicada y la editorial.

1946
-Diary of Ma-chan (Maachan no Nikkicho-Drama/Romance-Shokokumin Shinbun/Mainichi elementary school children's Newspaper-Mainichi Newspaper)

1947
-New Treasure Island
-Dr. Mars

1948
-Lost World (Rosuto Waarudo -Ciencia Ficción-Konsoi Yoron Newspaper/Boken-O-Fuji Shobo/Akita Shoten)

1949
-Metropolis (Metoroporisu-Ciencia Ficción-Okuei Shuppan/Kodansha)
-Angel Gunfighter (Kenjū Tenshi-Western-Tokodo)
-Rock Holmes, Detective Boy

1950
-Kimba the White Lion (Janguru Taitei-Aventuras/Comedia/Drama-Manga Shōnen-Gakudosha/Kobunsha/Kodansha)
-Faust (Fausuto-Terror-Fuji Shobo)

1951
-Age of Adventure(Boukenkyou Jidai-Aventuras-Shōnen Shōjo Bokeno-Kodansha)
-The Fossil Island (Kasekitō-Aventuras-Tokodo)

1952
-Astro Boy (Tetsuwasn Atomu-Acción/Aventuras/Ciencia Ficcion-Shōnen Kobunsha-Kobunsha)
-The Adventure of Rock (Rock Boukenki-Aventuras-Shōnen Club-Kodansha)

1953
-Princess Knight(Ribon no Kishi-Aventuras/Fantasía-Shōjo Club-Kodansha)
-Crime and Punishment (Tsumi To Batsu-adaptación de la novela homónima-Tokodo)

1954
-Chief Detective Kenichi (Kenichi Tantei Chou-Detective-Shōnen Club-Kodansha)
-The Devil of the Earth (Chikyuu no Akuma-Acción/Aventura/Ciencia Ficción-Shōnen Shōjo Bokeno-Kodansha/Akita Shoten)

1956
-Himawari-san

1957
-Biiko-chan (ilustraciones infantiles)

1958
-The Curtain is Still Blue Tonight (Historia corta-Romance/Drama-Kobunsha)
-The Film Lives On (Firumu wa Ikiteiru-Drama-Chu-ichi and Chu-ni Course-Gakushu Kenkyu Sha)

1958
-Peacock Shell (historia corta-Kobunsha)

1959
-Akebono-san
-The Devil Garon
-Dr. Thrill
-The Merchant of Venice (Adaptación de la obra homónima-Chugaku Ichinen Course-Kodansha)
-Song of the White Peacock (Historia corta-Nakayoshi-Kodansha)

1960
-Angel´s Hill (Fantasía-Nakayoshi-Kodansha)
-Captain Ken (Kyaputen Ken-Western/Ciencia Ficción-Weekly Shōnen Sunday-Shogakukan)

1961
-Captain Ozma

1962
-Brave Dan (Yuusha Dan-Aventuras-Weekly Shōnen Sunday-Shogakukan)

1963
-Big X (Biggu X-Acción-Shōnen Book-Shueisha)

1965
-The Amazing 3 (Wonder 3-Ciencia Ficción-Weekly Shōnen Sunday-Shogakukan)
-Ambassador Magma (Maguma Taishi-Mecha/Ciencia Ficción-Shōnen Gahosha-Shōnen Gaho)

1966
-The Vampires (Banpaiya-Fantasía-Weekly Shōnen Sunday)

1967
-Dororo (Aventuras/histórica/sobrenatural-Weekly Shōnen Sunday-Shogakukan/Akita Shoten)
-Gum Gum Punch (Gamu Gamu Panchi-Comedia-Shogaku Ichinensei/Shogaku Ninensei-Shogakukan)
-The Phoenix (Hi no Tori-Ciencia Ficción/Fantasía-COM/Manga Shōnen)

1968
-Grand Dolls (Guran Dōru-Ciencia Ficción-Shōnen Book-Shueisha/Kodansha)
1969
-Cave In
-I.L
-Swallowing the Earth (Chikyū o Nomu-Acción/Misterio/Ciencia Fiición-Big Comic-Shogakukan)
-Triton of the Sea (Umi no Toriton-Aventuras-Sankei Shimbun-Kodansha)

1970
-Alabaster (Arabasutaa-Weekly Shōnen Champion-Akita Shoten)
-Apollo´s Song (Apollo no Uta-Drama/Romance/Ciencia Ficción-Weekly Shōnen King-Shōnen Gahōsha)
-Bomba! (Bonba!-Bessatsu Shōnen Magazine-Kodansha)
-The Book of Human Insects (Ningen Konchūki-Adultos-Play Comic-Akita Shoten)
-Cachaboi´s Record of One Generation
-Marvelous Melmo (Fushigi na Merumo-Fantasía-Shogaku-Ichinensei-Shogakukan)
-Ode to Kirihito (Kirihito Sanka-Terror-Big Comic-Shogakukan)

1971
-Birdman Anthology (Chōjin Taikei-Ciencia Ficción-SF Magazine-Hayakawa Publishing Corporation)
-Lion Books (Raion Bukkusu-Fantasía-Omoshiro Book-Shueisha)
Little Wansa (Comedia/Drama-Tezuka Magazine Leo-Mushi Production Commercial Firm)
-Serenade of a Pig´s Navel (Historia corta-Weekly Shōnen Jump-Kodansha)

1972
-Ayako (Drama-Big Comic-Shogakukan)
-Buddha (Budda-Biográfico-Kibōnotomo-Ushio Shuppan)
-Dust 8
-Lay of the Rhine (Historia corta-Josei Jishin-Kodansha)
-Lord Iechika Mogami (Historia corta-Manga Sunday-Kodansha)
-Old Folk´s Home (historia corta-Big Comic Original-Kodansha)

1973
-Black Jack (Burakku Jakku-Drama médico-Weekly Shōnen Champion-Akita Shoten)
-Essay on Idleness of Animals
-Microsuperman (Microid S-Aventuras/Fantasía-Weekly Shōnen Champion-Akita Shoten)
-Son of Godfather (Goddofāzā no Musuko-Historias cortas-Bessatsu Shōnen Jump-Kodansha)
-The Record of Peter Kürten (Historia corta-Manga Sunday-Kodansha)
-Sensual Nights (Historia corta-Sunday Mainichi-Kodansha)

1974
-The Three-Eyed One (Mitsume ga Tōru-Aventura/Drama/Fantasía/Ciencia Ficción-Weekly Shōnen Magazine-Kodansha)

1975
-Boy Detective Zumbera (historia corta-Weekly Shōnen King-Kodansha)

1976
-MW (Mū-Drama-Big Comic-Shogakukan)
-Unico (Yuniko-Fantasía/Comedia-Ririka-Sanrio)

1979
-Don Dracula (Don Dorakyura-Comedia/Horror-Weekly Shōnen Champion-Akita Shoten)
-Dotsuitare
-Insect Collector (Historia corta-Weekly Shōnen Magazine-Kodansha)

1982
-Spaceship Ringel Rock (historia corta-Bessatsu Shōnen Jump-Kodansha)
-Volcanic Eruption (Historia corta-Kodansha)

1983
-Message to Adolf (Adorufu ni Tsugu-Drama/histórico-Shukan Bunshun-Bungeishunjū)
-Rainbow Parakeet (Nana-iro Inko-Acción/Misterio-Weekly Shōnen Champion/Akita Shoten)

1985
-Duke Goblin

1987
-Gringo (Guringo-Drama-Big Comic-Shogakukan)

ANEXO 2: LISTA DE ANIMES


En esta lista, que representa tan solo una pequeña parte del talento de Osamu Tezuka, hay muchas producciones que fueron llevadas a las pantallas del cine y la televisión luego de la muerte del mismo.

1960
-Alakazam the Great (Saiyu-ki-Fantasía-Toei Animation)

1963
-Astro Boy (Tetsuwan Atomu-Acción/Aventuras/Ciencia Ficción-Mushi Production-193 Ep.)
-Galaxy Boy Troop (Ciencia Ficción-Mushi Production-92 ep.)

1964
-Mighty Atom, The Brave in Space (Acción/Aventuras/Ciencia Ficción-Mushi Productions)
-Big X (Biggu X-Acción-TMS Entertainment-59 ep.)

1965
-Kimba the White Lion (Janguru Taitei-Aventuras/Comedia/Drama-Mushi Production-52 ep.)
-The Amazing 3 (Wonder 3-Ciencia Ficción-Mushi Productions)
1966
-Kimba: The White Lion (Janguru Taitei-Aventuras/Comedia/Drama-Mushi Production)
-New Jungle Emperor: Go Ahead Leo! (Shin Janguru Taitei: Susume Reo!-Aventuras/Comedia/Drama-Mushi Productions-26 ep.)
-Ambassador Magma (Maguma Taishi-Ciencia Ficción/Mechas-Fuji TV)

1967
-Princess Knight (Ribon no Kishi-Aventura/Fantasía-Fuji Television-52 ep.)
-Goku´s Great Adventures (Gokū no Daibōken-Comedia/Fantasía-Mushi Productions-39 ep.)

1969
-A thousand and One Nights (Fantasía-Senya Ichiya Monogatari-Nippon Herald Movies)
-Dororo (Aventuras/Histórica/Sobrenatural-Mushi Productions-26 ep.)

1970
-Cleopatra (Kureopatora-Erótica-Nippon Herald Movies)

1971
-Marvelous Melmo (Fushigi na Merumo-Fantasía-Tezuka Productions-26 ep.)

1972
-Triton of the Sea (Umi no Toriton-Aventuras/Fantasía-Animation Staff Room-27 ep.)

1973
-Belladonna of Sadness (Kanashimi no Belladonna-Terror/Misterio/Erotismo-Mushi Production) 
-Microid S (Fantasía-Toei-26 ep.)

1977
-Jetter Mars (Jettā Marusu-Ciencia Ficción-Toei Animation/Fuji TV-27 ep.)

1978
-Wansa-kun (Comedia/Drama-Mushi Productions-26 ep.)
1979
-Triton of the Sea (Umi no Toriton-Aventuras/Fantasía-Toei Animation)
-Unico: Black Cloud and White Feather (Fantasía/Comedia-Tezuka Productions)
-Undersea Super Train: Marine Express (Kaitei Chōtokkyū Marin Ekusupuresu-Drama/Ciencia Ficción/Fantasía-Tezuka Productions)
1980
-New Mighty Atom (Shin Tetsuwan Atomu-Acción/Aventuras/Ciencia Ficción-Tezuka Productions-52 ep.)
-Fumoon (Ciencia Ficción-Tezuka Productions)
-The Phoenix 2772: Space Firebird (Hi no Tori 2772: Ai no Kosumozōn-Ciencia Ficción-Tezuka/Toho)

1981
-The Fantastic Adventures of Unico (Fantasía/Comedia-Madhouse)

1982
-Don Dracula (Don Dorakyura-Comedia/Terror-8 ep.)

1983
-Unico in the Island of Magic (Fantasía/Comedia-Madhouse)
-The Green Cat (Midori no Neko-Fantasia/Misterio-Tezuka Productions/Maki Productions)

1984
-Bagi, The Monster of Mighty (Daishizen no Majū Bagi-Drama-Tezuka Productions)

1985
-Lunn Flies into the Wind (Run wa Kaze no Naka-Fantasía-Tezuka Productions)

1986
-Yamataro Comes Back (Yamataro Kaeru-Fantasía-Tezuka Productions)

1989
-The New Adventures of Kimba: The White Lion (Aventura/Comedia/Drama-Tezuka Productions-52 ep.)
-Blue Blink (Aoi Burinku-Fantasía/Aventuras-Tezuka Productions-39 ep.)

1990
-Prince of the Devil Island (Akumatō no Purinsu-Aventuras/Drama/Fantasía/Ciencia Ficción-Toei Animation)
-The Three-Eyed One (Mitsume ga Tōru-Aventuras/Fantasía/Drama/Ciencia Ficción-Tezuka Production Company Ltd.-48 ep.)

1991
-Adachi-Ga Hara (Fantasía/Ciencia Ficción-Tezuka Productions)

1993
-Akuemon (Fantasía/Ciencia Ficción-Tezuka Productions)
-Black Jack (Burakku Jakku-Drama-Tezuka Productions-12 ep.)

1997
-Jungle Emperor Leo (Aventura/Comedia/Drama-Mushi Production/Shochiku)
-In the Beginning: The Bible Stories (Tezuka Osamu no Kyūyaku Seisho Monogatari-Tezuka Productions-26 ep.)

2001
-Metropolis (Metoroporisu-Ciencia Ficción-Madhouse/Toho)

2003
-Astroboy: Mighty Atom (Asutoro Bōi: Tetsuwan Atomu-Acción/Aventuras/Ciencia Ficción-Tezuka Productions-50 ep.)

2004
-Black Jack (Burakku Jakku-Drama-Tezuka Productions-62 ep.)

2005
-Black Jack: Futari no Kuroi Isha (Drama-Tezuka Productions)

2006
-Black Jack 21 (Burakku Jakku 21-Drama-Tezuka Productions-17 ep.)

2009
-Jungle Taitei-Yūki ga Mirai wo Kaeru (Aventura/Comedia/Drama-Tezuka Productions)

2011
-Buddha (Budda-Biográfica-Tezuka Productions)

2014
-Buddha 2 (Budda 2-Biográfica-Tezuka Productions)

-GALERIA DE IMÁGENES-
ASTRO BOY
 
 
 
 

Las dos imágenes que se encuentran a continuación fueron obtenidas por mi amigo Sergio, cuando este visitó el Museo Británico el mes pasado, en el cual había una muestra del manga y el anime nacido en oriente. En la primera se puede ver la colección de estampillas dedicadas al personaje.
KIMBA, EL LEON BLANCO
LA PRINCESA CABALLERO
BLACK JACK
FENIX
LA CONCEPCION DE LA VIDA (Aparecida en Apollo´s Song)
OTROS TRABAJOS

FEBRERO: CERRADO POR VACACIONES

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CLOSED FOR VACATIONS...

FÜR URLAUB GESCHLOSSEN...

ZAVŘENO NA DOVOLENOU... 

假期休市...

휴일 닫힘...

LUKKET FOR FERIE...

AR GAU AR GYFER GWYLIAU...

CONMEATUS CLAUSA...

ЗАКРЫТ ДЛЯ ПРАЗДНИКОВ...

FERMIS POR FERIOJ...

Sea el idioma cual fuere, el concepto es el mismo:

¡¡HACE CALOR Y ME DA UNA FIACA ENORME EL PONERME A PENSAR SOBRE QUE TEMA ESCRIBIR!!

Así que, queridos amigos, les doy mi bendición y permiso para que visiten otros blogs. 

Hasta el mes que viene.

¡¡HUIJA!! ¡¡CANEJO!! ¡¡PO!!

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“Patoruzú, como Aquiles, es la auténtica personificación del valor. Simboliza cuanto de excelso puede contener el alma humana y en él se conjugan todas las virtudes inalcanzables para el común de los mortales… es el hombre perfecto dentro de la imperfección humana”


Dante Quinterno

¡Allá en la pampa!

¡Es un ave!

¡Es un avión!

¡¡NOOOO!!¡Es Patoruzu!

¿Cómo? ¿No era un tal Sup…?

¡No badulaque, no nos estamos refiriendo al héroe yanki! 

El personaje del cual vamos a hablar podríamos considerarlo como el primer superhéroe local, quien con sus “patoruzadas” se encargó de deleitar a varias generaciones de argentinos.

Creado para ser un personaje más de la tira Las Aventuras de Don Gil Contento, que fue publicado en el diario Crítica en octubre de 1928, esta creación de Dante Quinterno (1909-2003) se transformó de inmediato en un icono de la historieta nacional.

Este guionista y dibujante no era nuevo en el medio ya que había iniciado su labor artística un par de años atrás, trabajando para El Suplemento (Panitruco-1925), La Novela Semanal (Andanzas y Aventuras de Manolo Quaranta-1926) y Mundo Argentino (Don Fermin-1926).
En sus inicios Patoruzú no detentaba ese nombre con el cual se haría famoso, ya que respondía al más que extraño alias de Curugua-Cugüaguigua ("Se me descoyuntan las mandíbulas al decirlo", diría Don Gil Contento). Afortunadamente, y gracias a una feliz idea de director de diario Carlos Muzio Saenz Peña, pasó a llamarse tal cual lo conocemos en la actualidad. El mismo surgió a partir de un caramelo poco menos que prehistórico que era conocido como Pasta de Oruzú.
Si bien su debut se produjo en el diario Critica, Patoruzú tuvo que esperar su reestreno en La Razón en el año 1930. En esta publicación, el último Tehuelche gigante  de la Patagonia se pone bajo el tutelaje de Don Julian de Montepío, una suerte de pre-Isidoro, transformándose nuevamente en el principal protagonista de la nueva tira.
En 1935, Dante Quinterno se encargó de sindicar al mejor estilo estadounidense toda su obra y trasladó su personaje al diario El Mundo, uniéndolo de manera definitiva con quien se transformaría en su inseparable compañero… el “chanta” por excelencia conocido como Isidoro Cañones

A partir de allí daría inicio a una andadura que perduraría durante varias décadas. Al año siguiente, comenzaron a aparecer las primeras publicaciones (esta vez a color) en el semanario Mundo Argentino y en varios diarios del interior del país.

En las tiras iniciales, Patoruzú se transformó de manera inmediata en la encarnación del nativo argentino supernacionalista, a veces racista y peligrosamente oficialista.  

Este tan particular Tehuelche de nuestras pampas también se vio convertido en el paradigma de la honestidad, la humildad y el coraje, un importante detalle que solía ponerlo frente a una serie de trepidantes y alocadas aventuras. A lo largo de los años las características cuestionables en su personalidad fueron diluyéndose para dar paso a la acción pura, simple y terriblemente divertida.

En noviembre de 1936 vio la luz la revista Patoruzú, que inicialmente fue mensual y, partir del siguiente año, semanal. En las mismas nuestro indio favorito se vio transformado de buenas a primeras en el dueño de gran parte de la Patagonia argentina (¡Ahijuna!). Entre los años 40 y 50, esta publicación llegaría a vender la increíble cantidad de 400.000 ejemplares. El semanario Patoruzú terminaría su andadura en abril de 1977, luego de haberse publicado 2045 números.
-ALGUNAS PORTADAS DE LA REVISTA PATORUZÚ-
Otro dato anecdótico dentro de la existencia de Patoruzú fue la publicación de las tiras en los EE.UU. entre 1941 y 1948 y la edición, por parte de Green Publishing, de The Adventures of Patoruzú. Lo más gracioso de todo este proyecto es el "¡Ahijuna!" transformado en "Zerumba!" y el cambio de nombre de Isidoro a Ronaldo... "I am the gaucho matrero, because I live in the Pampa".

Como es de imaginar, el crecimiento del mito de Patoruzú trajo aparejado la aparición de nuevos y carismáticos personajes que lo acompañarían a lo largo de sus increíbles hazañas. Aparte del ya mencionado Isidoro Cañones, podemos citar a:-

-Pampero (1936), el bravío y valiente caballo. Un sagaz corcel que únicamente se deja montar por Patoruzú.

-Upa (1937), el amado hermanito de Patoruzú, quien fue encontrado escondido en una profunda caverna. "¡¡Turulú!!".

-Ñancul (1937), el fiel capataz de las extensas estancias del indio. 

-La Chacha (1938) y sus más que famosas empanadas… esas que todos hubiéramos querido comer alguna vez en nuestras vidas.

-Patora (1959): la familia de los Patoruzek se vio agrandada con la llegada de la enamoradiza hermana del  indio que tratará de contraer nupcias con cuanto hombre se le ponga por delante, incluido el mismísimo Isidoro ("¡Mi tipo!")
Además de los aliados incondicionales, Quinterno pergeñó todo un ejército de villanos bastante estereotipados, generalmente emparentados con la xenofobia propia del autor, como los fueron Juanillo el gitano, Gastón el hotelero y su lugarteniente Gillotina, El Honorable JohnEl Hindú, el chino Miko, Ben Turkin, Fukumucu, El Toba Monstruo, El AmericanoEl Rata y el terrible Mandinga, siempre dispuesto a tentar al padrino Isidoro y tratando de apoderarse del alma pura de Patoruzu. Todos ellos, y unos cuantos más, se enfrentaron (inútilmente) al hijo del gran cacique Patoruzek.
En la revista Patoruzú también aportaron su talento una gran cantidad de guionistas y dibujantes de renombre. Entre ellos podemos nombrar a Guillermo Divito (Oscar Dientes de Leche y De tal Palo tal Astilla), Raúl Roux, José Luis Salinas (Hernan el corsario), Rodolfo Claro, Eduardo Ferro (Bólido), Adolfo Mazone (Mi Sobrino Capicúa), Oscar Blotta (El Gnomo Pimentón), Roberto Battaglia (María Luz) y Tulio Lovato. Además, la misma contaba con una serie de artículos escritos por columnistas de la talla de Luis de la Plaza, Carlos Raffo, Américo Lobos y Conrado Nale Roxlo (que respondía al seudónimo de Chamico).

De este poderoso tronco se desprenderían varias ramas sumamente importantes, las cuales supieron dejar su huella en el acervo cultural de nuestro país:-

-Libro de Oro de Patoruzú (12/1937)
En el año 1937 haría su aparición esta suerte de álbum que terminaría transformándose en todo un acontecimiento familiar y motivo de un para nada despreciable regalo de navidad. 

En dicha publicación eran tratados los diferentes hechos acontecidos a lo largo del año, los cuales eran aderezados con episodios cortos de Patoruzú, Isidoro y Don Fierro

Lamentablemente, el último ejemplar haría su aparición en 1985. Aún recuerdo la felicidad de mi tía Beba cuando cada año le entregaban ese inestimable presente… ejemplares que, para desgracia de quienes amamos todo esto, fueron totalmente destruidos en una fatal inundación.


-Upa en Apuros (1942)
Influenciado por los trabajos de los Hermanos Fleisher, a los cuales había conocido personalmente cuando viajó a los EE.UU., Dante Quinterno decidió expandir la franquicia de su personaje hacia el terreno de la animación.

Dicho proyecto fue un cortometraje de doce minutos realizado en technicolor, acá denominado Alexcolor, el cual fue realizado al mejor estilo de los producidos en los estudios Disney. En la misma, Patoruzú debe enfrentar a Juaniyo, el gitano, quien tiene la osadía de raptar a Upa

Luego de algunos retrasos este corto fue finalmente estrenado en el cine Ambassador a fines de 1942 y fue producida por el Sindicato Dante Quinterno. El área de animación estuvo a cargo de Tulio Lovato, como director de animación, y Oscar Blotta, quien actuó como dibujante principal junto a un grupo de animadores conformado por José Gallo, Roberto Bonetto, Luis Destuet, Eduardo Ferro y Jaime Romeu. Los fondos fueron pintados por Gustavo Goldschmidt.

La música fue concebida por Melle Weersma, en tanto que la dirección de diálogos y montaje corrió por cuenta del director chileno Tito Davison.

A pesar de su gran calidad artística, que incluso fue alabada por el mismísimo Walt Disney, la película fue un fracaso debido a su alto costo de producción implicado en el proyecto, por lo que Quinterno abandonó este terreno… lo cual es una pena.

-Patoruzito (1945) 
Esta revista se vio transformada en un auténtico referente de la historieta de esas épocas, ya que ella recalaron auténticas joyas de la historieta, tanto nacional como extranjera.

En sus páginas eran contadas las aventuras del cacique en versión infantil (1), las cuales fueron una creación de Tulio Lovato y Mirco Repetto, con ayuda del omnipresente Dante Quinterno.

Además de estas historias, que ocupaban las páginas centrales y eran realizadas a color, la revista Patoruzito se encargó de mostrarnos toda una pléyade de creadores, dibujantes y personajes que hicieron las delicias de los lectores, tanto grandes como chicos.

Entre todos ellos podemos nombrar a:- 

-Langostino, El Navegante Independiente de Eduardo Ferro.

-El capitán Marvel Jr. dibujado por Mac Raboy.
-Rinkel el Ballenero de Tulio Lovato. 


-Ira Implacable y Lanza Seca de Raúl Roux. 
-Flash Gordon y Rip Kirby de Alex Raymond 
-Vito Nervio, el detective porteño de Emilio Repetto y Emilio Cortinas, que un año más tarde pasaría a manos de Alberto Wadel y un todavía incipiente Alberto Breccia. 
-El Gnomo Pimentón de Oscar Blotta. 
-Etta Kett de Paul Robbins.

-Hernan el Corsario del preciosista José Luis Salinas.

-A la Conquista de Jastanipur de Wadel y Cortinas. 
-Connie de Frank Godwin 

-Mangucho y Meneca, que más tarde sería mejor conocida como Don Pascual, la muy personalísima (y sin dudas loquísima) creación de Roberto Battaglia.
Las hermosas portadas fueron dibujadas por Tulio Lovato, entintadas por Jaime Romeu y coloreadas por Raul Roux.

-Las Grandes Andanzas del Indio Patoruzu (15/10/1956) 
En un principio esta publicación en formato apaisado se encargaba de recopilar todo el material gráfico que había hecho su aparición en el diario El Mundo y el semanal Patoruzú

Posteriormente pasó editarse quincenalmente, renombrándose a partir del # 55 Las Grandes Andanzas de Patoruzu e Isidoro (9/1961). En esta nueva reformulación se comenzó a publicar material totalmente inédito de las aventuras del indio y su inseparable compañero, el poco confiable, cobarde y libertino padrino. 

Su transformación final fue la que yo conocí durante mi infancia: Las Andanzas de Patoruzu. En la actualidad esta revista es conocida como Selección de las Mejores Andanzas de Patoruzú.
 

-Correrías de Patoruzito(7/12/1957)
Se desarrolló de igual manera a la anteriormente nombrada. Primero fue publicada mensualmente para terminar transformándose en quincenal.

En ella se desarrollaba una versión infantil del indio y el resto de los personajes (Isidorito, Upita, Pamperito y Patorita), junto a versiones más jóvenes de personajes adultos (Como La Chacha, Ñancul y el Coronel Cañones) y la presencia de nuevos villanos, entre los que se destacaron el brujo Chiquizuel y su nieto Chupamiel, aspirantes a las riquezas del bravo cacique.

-Locuras de Isidoro (4/7/1968)


Las inolvidables y queribles trapacerías de nuestro playboy porteño, junto al sufrido e irascible Coronel Urbano Cañones ("¡Mequetrefe! ¡Botarate!"), Manuel el mayordomo y la fiel compañera de la noche, la deliciosa Cachorra, cautivaron a toda una generación de argentinos.

La iniciativa de esta publicación fue a expensas de algunos de los colaboradores que trabajaban con Quinterno: Tomas Sanz, Tulio Lovato, Mariano Juliá y Faruk (Jorge Palacio). En estas nuevas historias, Isidoro se verá transformado en todo un playboy veleta, mujeriego, intrigador y jugador, una figura un poco menos ruin que el que aparecía junto al indio… aunque no mucho.
En la actualidad Patoruzu y su troupe se debaten entre la ñoñez de historias aggiornadas a nuestros tiempos (una forma fina de decir "refritadas") y recoloridas, algunos dibujos animados que (en mi opinión personal) no aportaron nada y unos cuantos homenajes algo tardíos, pero bien recibido por los fans, como el realizado en enero de este año en el Museo de la Ciudad

Tampoco podemos olvidar, aunque hagamos grandes esfuerzos por tratar de lograrlo, al Patoruzú Zombie, vengador y esquizoide, el Upa drogón y el Isidoro degenerado a grados extremos que hicieron su aparición en las páginas de la revista El Cazador, un tipo de realidad alternativa violenta que quizá nuestros queridos personajes no se merecían.

A lo largo de los años hubo varios proyectos que nunca llegaron a buen puerto y que, con la muerte de Dante Quinterno acaecida en mayo de 2003, terminaron cayendo en el olvido, quedándonos únicamente aquellas viejas publicaciones que sobreviven en librerías de viejo o lugares como Parque Rivadavia y afines.

En lo que a mí respecta, prefiero seguir creyendo que el poderoso y osado Tehuelche aún está vivo y todavía recorre nuestras pampas argentinas, montado en su fiel Pampero, mientras el sol se esconde en el lejano horizonte.

Seguro que, si aguzas el oído, en una de esas podés llegar a escuchar un altivo grito:-
¡¡HUIJA!! ¡¡CANEJO!! ¡¡PO!!

NOTAS:

1-La existencia de Patoruzito ha generado muchas controversias de si era una versión infantil del indio o era un personaje en sí mismo, sin relación alguna con sus historias adultas. En la actualidad muchos fans de estas inolvidables historias se adhieren a la segunda teoría… ¿Algo así como Tierra-1 y Tierra-2?. La imagen que se encuentra acá abajo corresponde a un texto aparecido en el Número 1 de la revista Patoruzito. Ustedes saquen sus propias conclusiones.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

Las imágenes que se encuentran a continuación son algunas de las fotos obtenidas en la exposición dedicada a la obra de Dante Quinterno que se realizó durante enero de este año en el Museo de la Ciudad.

Para aquellos que no tuvieron la oportunidad de ir, disfrútenlas.
-DOS POTENCIAS SE SALUDAN: WALT DISNEY Y DANTE QUINTERNO-


 
 
 

Las imágenes que se encuentran a continuación son una auténtica rareza de la cual yo no tenía el menor conocimiento. ¡Pilotos argentinos y Patoruzú intervinieron durante el conflicto bélico conocido como Segunda Guerra Mundial!

EL HOMBRE DE CELULOIDE (1)

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Allá por el año 1938 dos jóvenes llamados Jerry Siegel y Joe Shuster jamás llegarían a imaginar que sus ideas y sus plumas se encargarían de crear a un personaje que terminaría transformándose en uno de los mayores íconos de la cultura popular norteamericana que, con sus altibajos, aún perdura en nuestro incipiente siglo XXI.
-JERRY SIEGEL Y JOE SHUSTER-

Ese personaje tenía por nombre Superman, el último hijo del planeta Krypton

El poderoso hombre del mañana generó un increíble negocio que cayó de buenas a primeras en las manos de la editorial en la cual fueron publicadas sus increíbles aventuras.

A partir de su nacimiento, una multitud de personajes disfrazados con coloridos trajes y dueños de bizarros poderes fueron viendo la luz en las páginas de Comic Books, contándonos sus historias llenas de acción sin respiro y cargadas de heroísmo. 

Toda esta avalancha superheroica se encargó de conducir a los jóvenes lectores hacia una época dorada de los comics, la cual se extendería hasta finales de los años 40.

En lo que se refiere al derrotero del hombre de acero, el mismo fue imparable ya que, desde las páginas de papel que apenas podían contenerlo, logró transcender a otros medios. 

De la palabra escrita y dibujada pasó de manera casi inmediata a la radio, las novelas, el cine, la televisión y también, aunque parezca mentira, la comedia musical. 

Supermanes disfrazados con ropas de friza o armaduras de alta tecnología creadas por computadora, colgados de piolines o digitalizados sobre fondos de diferentes colores y calidades, surcaron los cielos de la ciudad de Metropolis en una serie de películas y dibujos animados de mayor o menor presupuesto según las épocas que les tocó en suerte.

Esta es la gran historia de Superman, el hombre de celuloide.

1-MAS ANIMADO DE LO QUE CREEIS
"Este extraño que vino desde el planeta Krypton - el Hombre de Acero, Superman Poseer notable fuerza física, Superman lucha una batalla sin fin por la Verdad y la Justicia, disfrazado como reportero de modales suaves, Clark Kent."

El gran éxito del hombre de acero no pasó desapercibido para casi nadie que le gustara amasar gran cantidad de dólares en torno de esa figura tan emblemática del imaginario popular.

Entusiasmados por el programa radial The Adventures of Superman (1), los Estudios Paramount puso entre sus proyectos el realizar una serie de dibujos animados dedicados al personaje. Por esos tiempos era muy común que en las salas de cine fueran proyectados cortos animados antes de la película (algo que lamentablemente ahora no existe, debiendo aguantarnos una serie de propagandas de cosas que harán más felices nuestras tristes existencias)

Para tal fin, se pusieron en contacto con el estudio de animación de los hermanos Dave y Max Fleisher. Este estudio, que se había convertido en un fuerte rival de la todopoderosa Disney, ya había sido plenamente conocido por sus trabajos con Betty Boop, Popeye y el largometraje conocido como Los Viajes de Gulliver (Gulliver´s Travels -1939). 

Como se encontraban hasta el cuello de trabajo y no deseaban encargarse de una nueva producción que les insumiría tiempo valioso, pidieron una suma exorbitante con el fin de espantarlos y dieran por terminado el proyecto. Pero la cosa no salió como ellos lo esperaban.
Fte: Superman the Complete History

Con respecto al tema del presupuesto, Dave Fleisher diría: "No podía imaginar como hacer que Superman pareciera correcto sin gastar mucho dinero. Les dije que se deberían gastar U$S 90.000 por cada uno".

Con un presupuesto nada desdeñable de U$S 50.000, finalmente fue realizado un corto animado en la cual nos era presentado el origen de Superman y su primera aventura enfrentado las oscuras maquinaciones de un científico loco y su infaltable rayo de la muerte. 

La calidad impuesta en el trabajo de animación, así como el acertado manejo de luces y sombras junto a un estilo marcadamente Art Decó, impactaron positivamente sobre el público que asistía a los cines. 

Para realizar este corto fue utilizado el sistema conocido como Rotoscopía, en el cual se filman actores reales los que posteriormente son calcados para transformarlos en dibujos que poseen una característica casi real en lo que respecta a sus movimientos.(2) 
-SISTEMA ROTOSCOPICO PATENTADO POR LOS HERMANOS FLEISHER-
Si bien el diseño del personaje de Supermán se basó en los conceptos visuales realizados por Joe Shuster, quien representó físicamente al mismo para la creación animada fue un tal Karol Krauser, un por entonces famoso luchador profesional que, junto a su hermano, eran conocidos como los “¡Hermanos Kalmicoff, los rusos locos!”.
-KAROL KRAUSER, MODELO PARA
EL DISEÑO DE SUPERMAN-

Este corto sería nominado para un Oscar, aunque lamentablemente terminó siendo derrotado por el tío Walt y el corto It Lost to Lend a Paw, protagonizado por el perro Pluto.

A este corto le siguieron otros ocho, en donde debió enfrentarse a robots, dinosaurios, volcanes y algunos gángsters casi sin emitir ni una palabra y, de paso, salvando a su compañera de aventuras Lois Lane. Los mismos estuvieron dirigidos por Dave Fleisher, con asesoría de Whitney Ellsworth (editor de los comics de Superman) y fueron estrenados entre septiembre de1941 y agosto de 1942. 

Uno de los que se encontraban más contentos con estos dibujos animados era nada menos que el mismísimo Jerry Siegel, quien comentaría: "Eran geniales. Los primeros dibujos animados se conectaban de cerca con lo que estábamos haciendo en los comics"

Por desavenencias de los hermanos y deudas originadas a raíz de proyectos que no terminarían viendo la luz, la Paramount terminó absorbiendo la empresa de los hermanos Fleisher y los echó sin mayores contemplaciones.(3) 

Con el nuevo nombre de Famous Studios, realizó ocho cortos nuevos. Sin abandonar las técnicas de animación nombradas más arriba ni su calidad, las historias fueron decantándose hacia el tema propagandístico en contra de los integrantes del eje del mal… o sea los nazis y los japoneses. Aún así hubo un par de episodios, embarcados dentro del terreno de la fantasía, en donde se enfrentaría a una maldición egipcia y unos hombres pájaro.
-DISEÑO FINAL DESARROLLADO PARA EL PRIMER EPISODIO (Fte. Little Book of Superman)-
La acertada banda sonora estuvo a cargo de Sammy Timberg, quien ya había trabajado en las producciones anteriores realizadas por los Fleisher Studios y posteriormente se desempeñó como director musical de la Paramount hasta 1946. Las voces estuvieron a cargo de quienes habían trabajado para la serie que era emitida por radio: Clayton “Bud” Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane) y Jackson Beck (Narrador/Perry White).

Así como fue quien tuvo la idea de desarrollar estas aventuras animadas, la propia Paramount dio por cancelado el proyecto, debido a los altos costos de producción implicados en los mismos.

Afortunadamente, las aventuras animadas del hombre de acero no cayeron en el olvido y, debido a la liberación de sus derechos, resulta muy fácil poder verlos en la red.

El Superman de más allá de las páginas de los comics comenzaba a volar alto, pero aun así le faltaría algún tiempo para transformarse en un héroe de carne y hueso.

NOTAS:

1-The Adventures of Superman fue un serial radiofónico emitido entre 1940 y 1951, con una duración de entre 15 y 30 minutos. El mismo fue producido por George Lowther y contó con guiones de Jessica y Robert Maxwell. Entre las ideas que nacieron en este medio y fueron tomados posteriormente por los comics podemos nombrar a la Kryptonita, el personaje Jimmy Olsen, la conformación del team Superman/Batman y la famosas frases: “¡Este es un trabajo para…” y “¡Arriba en el cielo! ¡Es un ave! ¡Es un avión!...”


2-Debido a ciertas dificultades técnicas por parte de los animadores, los famosos supersaltos que se daban en los comics fueron suplidos con el no menos famoso poder de vuelo que, de manera inmediata, fue absorbido dentro de la mitología del personaje.


3-Luego del cierre de los estudios Max Fleisher (1883-1972trabajó como supervisor de diferentes estudios de animación, entre ellos su antiguo rival: la Disney. Fue el inventor del rotoscopio y el rotógrafo (usado para incluir una imagen animada en películas reales.

En el caso de Dave Fleisher (1894-1979) se desempeñó como productor en Columbia Pictures (Screen Gems) y en Universal como técnico de efectos especiales para films como Francis (1950 y Los Pájaros (1963).

ANEXO 1: FICHA TECNICA
Fte: Little book of Superman
Dirección: Dave Fleisher (Ep. 1 / 3-9), Seymour Kneitel (Ep. 2 / 10 / 16-17), Isidore Sparber (Ep. 11 /13-14), Dan Gordon (Ep. 12 / 15).

Producción: Dave y Max Fleisher

Diseños originales: Joe Shuster

ANEXO 2: GUIA DE EPISODIOS

1-SUPERMAN (también conocido como El Científico Loco-The Mad Scientist) 26/09/1941
Guión: Seymour Kneitel e isidore Sparber

Animación: Steve Muffati y Frank Endres

Fotografía: Charles Schettler

Música: Sammy Timberg y Winston Sharples

Protagonistas: Bud Collyer (Clark Kent/Superman), Joan Alexander (Lois Lane), Jack Mercer (Científico loco), Julian Noa (Perry White) y Jackson Beck (Narrador).

Duración: 10 min.

Un científico loco amenaza a la ciudad con el poderoso rayo de electrotanasia. Con el fin de obtener la primicia, Lois Lane llegará a la fortaleza del villano en donde es capturada. Evitando que el peligroso invento pueda destruirlo todo, Superman intentará salvar la situación y a la osada periodista.

Una encuesta realizada en 1994 sobre la opinión de 1000 profesionales de la animación, colocó a este corto en el puesto 33.

2-LOS MONSTRUOS MECÁNICOS (The Mechanical Monster) 21/11/1941
Guión: Isidore Sparber y Seymour Kneitel

Animación: Steve Muffati y George Germanetti

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane) y Jackson Beck (Narrador).

Duración: 9 min.

Unos robots gigantes se dedican a robar los bancos. Es así como Superman deberá enfrentarse a un poderoso ejército mecánico y a su malvado líder.

En este episodio Superman utilizará por primera y única vez la visión de rayos X.

3-EL TREN DEL BILLON DE DOLARES (Billion Dollar Limited) 09/01/1942
Guión: Seymour Kneitel e isidore Sparber

Animación: Myron Waldman y Frank Endres

Música: Sammy Timberg

Protagonista: Bud Collyer (Clark Kent/Superman y Gangster), Joan Alexander (Lois Lane), Julian Noa (Gangster) y Jackson Beck (narrador).

Duración: 9 min.

Unos osados gangsters deciden robar un tren cargado con una cuantiosa fortuna proveniente de la Casa de la Moneda. Alertado por Lois Lane, que se halla en esa formación, Superman tratará detener un tren que ha perdido totalmente el control.

4-EL GIGANTE DEL ARTICO (The Artic Giant) 26/02/1942
Guión: Bill Turner y Ted Pierce

Animación: Williard Bowsky y Reuben Grossman

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent, trabajador del reactor y oficial de policía), Joan Alexander (Lois Lane), Julian Noa (Perry White y oficial de policía), Jackson Beck (Narrador y trabajador del reactor).

Duración: 9 min.

En la helada Siberia, unos científicos encuentran el cuerpo congelado de un enorme dinosaurio. Pero dicha bestia antediluviana vuelve a la vida cuando es accidentalmente descongelada, causando graves destrozos a lo largo de toda la ciudad.

El dinosaurio de marras es identificado como un Tiranosaurio, un reptil terópodo al que no se parece en lo absoluto, pareciendo más una caricatura del mismo.

5-LOS HOMBRES BALA (The Bulleteers) 26/03/1942
Guión: Bill Turner y Carl Meyer

Animación: Orestes Calpini y Graham Place

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent y oficial de policía), Joan Alexander (Lois Lane), JUlian Noa (Perry White y alcalde) y Jackson Beck (narrador).

Duración: 8 min.

Un grupo de bandidos, que utilizan para sus robos un avión de alta tecnología, amenazan a la ciudad de Metrópolis por lo que Superman deberá pararles los pies.

Visualmente, este es uno de mis cortos favoritos, con un muy buen manejo de las escenas de acción, atrevidas perspectivas y un excelente manejo de luces y sombras.

6-EL TELESCOPIO MAGNETICO (The Magnetic Telescope) 24/04/1942
Guión: Dan Gordon y Carl Meyer

Animación: Myron Waldman y Thomas Moore

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent y el profesor), Joan Alexander (Lois Lane), Julian Noa (Perry White) y Jackson Beck (narrador, agente de policía y taxista)

Duración: 8 min. 

Un científico obsesionado con su trabajo, pone en funcionamiento un imán gigante con la intención de atraer algunos cometas para poder estudiarlos de cerca. Desafortunadamente el experimento se complica e inmensas bolas de fuego caen sobre nuestro planeta.

7-TERREMOTO ELÉCTRICO (Electronic Earthquake) 15/05/1942
Guión: Seymore Kneitel e Isidore Sparber

Animación: Steve Muffati y Arnold Gillespie

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent, Joan Alexander (Lois Lane), Julian Noa (Perry White) y Jackson Beck (Narrador y científico indio)

Duración: 8 min.

Un nativo americano amenaza con destruir la ciudad si no le son devueltas las tierras que les pertenecían a sus antepasados. Para ello usará un ingenioso dispositivo eléctrico con el cual puede producir destructivos terremotos.

Contra lo que muchos puedan llegar a suponer, la acción no se desarrolla en la ciudad de Metropolis sino que acontece en Nueva York. Lo más destacable de esta historia es que el villano es un científico piel roja.

8-EL VOLCAN (Volcano) 10/07/1942
Guión: Bill Turner y Carl Meyer

Animación: Williard Bowsky y Otto Feuer

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent, Profesor, oficial de policía y experto en demoliciones), Joan Alexander (Lois Lane) y Jackson Beck (narrador, Perry White, guardia de seguridad y experto en demoliciones)

Duración: 8 min.

De manera súbita, el volcán Monokoa entre en erupción. Ante la grave amenaza de los ríos de lava, Superman pondrá de si todo su poder para tratar de detener a la incontenible fuerza de la naturaleza.

9-TERROR EN EL CIRCO (Terror on the Midway) 30/08/1942
Guión: Jay Morton y Dan Gordon

Animación: Orestes Calpini y Jim Davis

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador) y Jack Mercer (presentador de evento)

Duración: 9 min.

Un peligroso gorila escapa de la jaula de un circo y los destrozos producidos ponen en peligro la integridad de los espectadores, Lois Lane incluida.

10-SABOTEADORES (Japoteurs) 18/09/1942
Guión: Bill Turner y Carl Meyer

Animación: Myron Waldman y Nicholas Tafuri

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent y saboteador japones), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador) y Jack Mercer (guía del tour)

Duración: 9 min.

Durante la presentación de un nuevo super bombardero, unos saboteadores japoneses se apoderan del mismo para llevarlo ante sus superiores. 

Este fue el primer episodio realizado bajo la égida de Paramount, cuando dichos estudios absorbieron la empresa de Max y Dave Fleisher. En el mismo podemos ver el estereotipo visual de los japoneses, nacida de la típica propaganda realizada en los EE.UU. durante la Segunda Guerra Mundial.

11-CARA A CARA (Showdown) 16/10/1942
Guión: Jay Morton

Animación: Steve Muffati y Graham Place

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jack Mercer (Jimmy Olsen e impostor de Superman), Jackson Beck (el jefe) y Julian Noa (narrador)

Duración: 9 min.

¡Superman es descubierto robando joyerías y bancos! El hombre de acero se las verá en apuros cuando un ladrón se disfraza con el traje rojo y azul para cometer sus fechorías.

En este corto hizo su aparición una suerte de proto-Jimmy Olsen (cuya voz fue realizada por Jack Mercer).

12-LA UNDECIMA HORA (Eleventh Hour) 20/11/1942
Guión: Carl Meyer y William Turner

Animación: Williard Bowsky y William Henning

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jack Mercer (guardia japonés, oficial japonés y reportero)

Duración: 8 min.

Lois y Clark son retenidos en el puerto de Yokohama, Japón. Ignorantes de la personalidad secreta de Superman, el ejército nipón se las verá en figurillas cuando un poderoso saboteador destruye su maquinaria bélica todas las noches a las once.

Para mi gusto, y a pesar de la marcada propaganda antijaponesa, es una de las historias más interesantes que estuvieron dedicadas al tema.

13-LA DESTRUCCION (Destruction, Inc.) 25/12/1942
Guión: Jay Morton

Animación: Dave Tendlar y Tom Moore

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (jefe mafioso y narrador), Jack Mercer (locutor de radio y Louis), Julian Noa (narrador)

Duración: 9 min.

Un grupo de saboteadores, escondidos tras la fachada de una empresa fabricante de armas, se dedica a realizar toda una serie de tropelías sin el menor sentido alguno.

En este corto, Clark Kent asumirá la identidad de un guardia con el fin de poder infiltrarse en la empresa.

14-LA MALDICION DE LA MOMIA (The Mummy Strikes) 19/02/1943
Guión: Jay Morton

Animación: Myron Waldman y Graham Place

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane y Jane Hogan), Jackson Beck (Dr. Wilson y narrador) y Sam Parker (Clark Kent)

Duración: 8 min.

Una tumba egipcia esconde un peligroso secreto en el cual se hallan implicadas una antigua maldición y unas momias gigantes.

15-TAMBORES DE LA JUNGLA (Jungle Drums) 26/03/1943
Guión: Robert Little y Jay Morton

Animación: Orestes Calpini y H. C. Ellison

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jack Mercer (Teniente Fleming y piloto de avión), Jackson Beck (narrador) y Julian Noa (Comandante alemán)

Duración: 8 min.

Un grupo de nazis, que tiene bajo su poder a unos nativos africanos, construyen una base secreta en el interior de unas estatuas. Su fin es alertar la presencia de barcos estadounidenses a los submarinos que se hallan al acecho. La oportuna intervención de Superman causará la furia de un asustado Führer.

La escena final de un Adolf Hitler abatido ante la derrota de su flota de submarinos es el paradigma de la propaganda antinazi norteamericana.

16-EL MUNDO SUBTERRANEO (Underground World) 18/06/1943
Guión: Jay Morton

Animación: Nicholas Tafuri y Reuben Grossman

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador y Dr. Henderson) y Julian Noa (Perry White)

Duración: 8 min.

Durante una expedición al interior de unas cavernas, Lois y Clark descubrirán una peligrosa raza de criaturas aladas.

17-AGENTE SECRETO (Secret Agent) 30/07/1943
Guión: Carl Meyer

Animación: Steve Muffati y Otto Feuer

Música: Sammy Timberg

Protagonistas: Bud Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Agente secreta), Jackson Beck (narrador, jefe de policía, oficial de policía y saboteador nazi) y Jack Mercer (Perry White y saboteador nazi)

Duración: 7 min.

Superman deberá proteger la vida de una mujer espía, la cual posee importantes secretos que podrían llegar a cambiar el curso de la guerra contra la horda nazi.

Extrañamente, en este último episodio Lois Lane no hace su aparición como la dama en apuros, siendo reemplazada por una agente secreta, cuya voz fue realizada por Joan Alexander... o sea la misma que interpretaba la osada (y algo odiosa) reportera.

ANEXO 3: BACKGROUNDS Y DISEÑOS

Los fondos (Backgrounds) y diseños de los personajes realizados para el dibujo animado de Superman son una obra de arte en si mismas e incluso uno puede darse cuenta de la marcada influencia que estos tuvieron sobre el trabajo realizado por Bruce Timm y Paul Dini para Batman The Animated Series (1992).

GALERIA DE MONSTRUOS FAMOSOS (4): ¡¡JUIRA BICHOS!!

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Desde los inicios del cine, cuando George Melies fascinó al público de principios del siglo XX con sus artesanales cortos, la fantasía ha ocupado un nicho de gran importancia dentro de nuestro acervo cultural, debido sobre todo a las ansias de la gente por escapar de la aburrida cotidianeidad de su mundana existencia .

Dentro de ese género, los monstruos, esas criaturas antinaturales y aterradoras que son las representaciones de nuestros miedos atávicos ante aquello que escapa a nuestra compresión, han medrado exitosamente hasta nuestros tiempos, gracias a los ingeniosos efectos especiales que han sido usados para traerlos a la vida.

La década de los cincuenta, conocida como Edad de Oro del Cine de Ciencia Ficción, fue un campo fértil para que los monstruos (fueran estos extraterrestres, prehistóricos o producto de la intervención humana) camparan a sus anchas en una serie de películas que, por lo general, tenían una calidad bastante cuestionable pero que llegaban a cubrir con creces las expectativas de aquellos que acudían a los cine en busca de diversión.

Dentro de este subgénero hubo todo tipo de criaturas las cuales iba desde simples masas gelatinosas ansiosas por devorarnos hasta hombres/mujeres gigantes despechados y agresivos. Los insectos y arácnidos gigantes también tuvieron su oportunidad de poder mostrarnos todo lo peligrosos que podían llegar a ser y como podían poner en jaque el futuro de la humanidad si fueran más grandes de lo que son.

Hubo muchos films con bichos gigantes, pero tan solo unos pocos lograron trascender dentro del gusto del público. Así que, queridos amigos del blog, pónganse el repelente y tengan su zapatilla a mano. 

La batalla está por dar inicio.

EL MUNDO EN PELIGRO (Them!-Warner Bros.-1954)


Dirección: Gordon Douglas

Producción: David Weisbart

Guión: Ted Sherdeman, Russell S. Hughes y George Worthing Yates

Música: Bronislau Kaper

Fotografía: Sidney Hickox

Dirección de arte: Stanley Fleisher

Efectos especiales: Ardell Lytle

Protagonistas: James Whitmore (Sargento de policía Ben Peterson), Edmund Gwenn (Dr. Harold Medford), Joan Weldon (Dra. Patricia Medford), James Arness (Robert Graham), Onslow Stevens (Brigadier General Robert O´Brien), Sean McClory, Chris Drake y Sandy Descher. (1)

Sabandija implicada: Hormigas mutadas por explosiones atómicas

Duración: 94 min.

Si un día de verano tu mujer te dice que llames al ejército porque hay hormigas en el jardín, deja de jugar con la Play y hacele caso. 

Por nada del mundo se te ocurra salir con el hormiguicida… pues es seguro que esta será la última tarea hogareña que llevaras a cabo antes de ser totalmente despedazado por unas inmensas mandíbulas. 

En los años 50, lejos de producir enfermedades incurables, la radiación nuclear tenía la extraña virtud de hacer crecer a lo pavo a todo tipo de bichos, entre ellos unas diminutas hormiguitas del desierto… que no son precisamente esos bichitos simpáticos que suelen aparecer en los dibujitos animados que ven los pibes.

Una nena camina por el desierto balbuceando una enigmática palabra: “¡Ellas!” (Them! En inglés). La misma es encontrada por un policía, el cual comprueba que los padres de la niña han desaparecido misteriosamente. 

Tan solo un extraño sonido, como un zumbido, de deja escuchar en la inquietante oscuridad.

Desafortunadamente, una serie de muertes comienzan a acontecer en la zona. Debido a la presencia de una extraña huella y el descubrimiento de ácido fórmico en algunos cadáveres, un grupo de científicos que ha sido convocado descubre que se trata de un grupo de hormigas gigantes que han mutado debido a las radiaciones de las pruebas nucleares llevadas a cabo por las fuerzas armadas de los (cuando no) EE.UU.

A pesar de atacar el hormiguero con gases tóxicos, la reina y un grupo de machos (las únicas hormigas con alas) escapan de la matanza y con sus aleteos se dirigen a la ciudad de Los Ángeles.

De manera inmediata, lo mejor del ejército de esos tiempos se pone “Raid” en mano con el fin de detener la creciente amenaza mirmecológica que se ha instalado en los conductos de desagüe.

Terminada la gran batalla y siendo destruida toda posibilidad de reproducción de los insectos, los protagonistas observan temerosos el futuro de la humanidad:-

-Pat, si esos monstruos fueron el resultado de la primera bomba atómica de 1945, ¿qué puede ocurrir con las que han hecho explosión desde entonces?-Pregunta el muchachito, mirando con avidez a la bella fémina.

No lo sé- Contesta la chica de sus sueños.

No lo sabe nadie, Robert- Concluye el padre de la chica- Cuando el hombre entró en la era atómica, abrió la puerta a un nuevo mundo. Lo que encontremos en ese nuevo mundo, nadie puede predecirlo.

Este film, un auténtico referente del cine dedicado a insectos, arañas y monstruos gigantes en general, vio la luz gracias al gran éxito obtenido por La Bestia de Tiempos Remotos (The Beast From 20.000 Fathoms-1953). A pesar de ciertas reticencias, este logro comercial alentó a los capos de los estudios Warner Bros. a seguir explotando esta particular vertiente cinematográfica. 

La misma se basó en una historia original escrita por George Worthing Yates-un conocido guionista entre cuyos créditos podrían nombrarse el serial El Llanero Solitario (The Lone Ranger-1938), Simbad el Marino (Simbad the Sailor-1947), La Conquista del Espacio (Conquest of the Space-1955), La Tierra vs. Los Platos Voladores (Earth vs. Flyng Saucer-1956), El Asombroso Hombre Creciente (The Amazing Colossal Man-1957) y King Kong vs. Godzilla (1962)- la cual fue convertida en un guión cinematográfico por Ted Hughes y Russell Shedeman.

En el inicio de su producción, este film fue concebido para ser visto en las pantallas a color y en 3D pero, por problemas de orden técnico, la tercera dimensión fue eliminada y del color lo único que quedó fue el dramático título de presentación.

El rodaje de las escenas fue llevado a cabo en el desierto de Mojave (Palmdale, California) y en los desagües de hormigón de la ciudad de Los Ángeles.

En lo que respecta a las monstruosas hormigas, las mismas eran unos inmensos títeres mecánicos construidos por Dick Smith, bajo la supervisión de Ralph Ayers, las cuales eran movidas mediante un sistema de gruas y poleas. 

Según se cuenta, dichas marionetas estaban pintadas de un verde brillante y tenían ojos de color azul y rojo que, lamentablemente, se perdieron al ser la película en blanco y negro. El sonido emitido por ellas fue obtenido mediante la mezcla del croar de ranas y algunos pájaros como el zorzal y el carpintero de vientre rojo.

La película obtuvo una buena recepción por parte del público que asistió a los cines, transformándola en uno de los grandes referentes de la ciencia ficción de la edad de oro y puerta de entrada para el arribo de otras peligrosas criaturas aquejadas de gigantismo.

Es de destacar que Them! estuvo nominada al Oscar a los efectos especiales, pero terminó perdiendo ante el tanque de la Disney llamada 20.000 Leguas de Viaje Submarino (20.000 Leagues Under the Sea-1954)

TARANTULA! (Universal International Pictures-1955)

Dirección: Jack Arnold

Producción: William Alland

Guión: Robert M. Fresco, Martin Berkeley y Jack Arnold 

Música: Herman Stein
Fotografía: George Robinson

Dirección de arte: Alexander Golitzen y Alfred Sweeney

Efectos especiales: Wah Chang, Clifford Stine y David S. Horsley

Protagonistas: John Agar (Dr. Matt Hastings), Mara Corday (Stephanie Clayton), Leo G. Carroll (Profesor Gerald Deemer), Nestor Paiva (Sheriff Jack Andrews), Ross Elliott (Joe Burch), Edwin Rand, Raymond Bailey y Hank Patterson

Sabandija implicada: Tarántula manipulada genéticamente

Duración: 80 min.

Nuevamente el desierto es testigo de la aparición de un mortal artrópodo de tamaño gigante. 

A diferencia de la anterior, esta megatarántula es producto de las experimentaciones de un científico para lograr disminuir el hambre mundial mediante el uso de hormonas que aceleran el crecimiento de los animales… entre ellos, y de manera accidental, una simple y amable arañita.

Muy pronto el monstruo atacará sin miramiento alguno a los bastiones de la democracia y tan solo las bombas de los aviones (comandada por un joven Harry Callaham) logrará detenerla.

Una película muy clase B, pero que caló en los corazones de aquellos que amamos este tipo de guarrerías pseudocientíficas sin pie ni cabeza. La tarántula de marras es tan solo un arácnido sobreimpreso en la pantalla de manera bastante pobre, llegando incluso a desaparecer de manera misteriosa en algunas escenas.
Aun así el director terminaría transformándose  todo un referente en lo que se refiere al cine de monstruos, ya que en su haber se encuentran clásicos de la talla de El Increible Hombre Menguante (The Incredible Skrinking Man-1957), Vinieron del Espacio (It Came from Outer Space-1953) y la inolvidable El Monstruo de la Laguna Negra (Creature fron the Black Lagoon-1954).

Las tomas fueron realizadas en el desierto situado en Apple Valley y en Dead Man´s Point situado en el valle de Lucerne, ambas situadas en California.

EL MONSTRUO ALADO (The Deadly Mantis-Universal International Pictures-1957)

Dirección: Nathan Juran

Producción: William Alland

Guión: Martin Berkeley y William Alland

Música: Irving Gertz y William Lava

Fotografía: Ellis W. Carter

Dirección de arte: Robert Clatworthy y Alexander Golitzen

Efectos especiales: Cleo E. Baker y Fred Knoth

Protagonistas: Craig Stevens (Coronel Joe Parkman), William Hopper (Dr. Nedrick Jackson), Alix Talton (Marge Blaine), Donald Randolph (Mayor General Mark Ford), Pat Conway, Florenz Ames y Paul Smith

Sabandija implicada: Mantis/Tatadios prehistórico

Duración: 79 min.

Al mejor estilo de los monstruos revividos pisamaquetas, esta mantis prehistórica es despertada de su sueño de eones para mal de la humanidad.

Tan solo un paleontólogo, un coronel de la fuerza aérea y una periodista tendrán los cojones suficientes como para encontrar un zapato que tenga una horma suficiente como para poder aplastar a está poco menos que imparable sabandija sobredimensionada, que se ha escondido en un túnel de carretera llena de autos con suculentos humanos en su interior.

Al igual que Them!, el  monstruo de marras es un títere que se mueve entre un montón de maquetas, aunque el producto final no está demasiado bien logrado. Aun así se ve con cierto agrado por parte de los fans de este tipo de films sin mayores pretenciones que el entretenernos.

Su director, Nathan Juran, es otro de los grandes directores del cine fantástico ya que por sus manos pasaron varios clásicos inolvidables como La Mujer de 50 pies (Attack of the 50 Foot Woman-1958), El Cerebro del Planeta Arous (The Brain from Planet Arous-1957), 20 millones de Millas de la Tierra (20 Millions Miles to Earth-1957) y El Séptimo Viaje de Simbad (The 7th Voyage of Simbad-1958), estas dos últimas junto al gran maestro del stop-motion Ray Harryhausen.

Este film fue estrenado en función doble junto a The Girl in the Kremlin (¿!¡?) y posteriormente, en 1997, como parte del show televisivo Mystery Sciencie Theater 3000 (2).

EL ESCORPION NEGRO (The Black Scorpion-Amex Productions/Frank Melford-Jack Dietz Productions-1957)

Dirección: Edward Ludwig

Producción: Jack Dietz y Frank Melford

Guión: David Duncan, Robert Bless y Paul Yawitz

Música: Paul Sawtell

Fotografía: Lionel Lindon

Dirección artística: Edward Fitzgerald

Efectos especiales: Willis O´Brien, Wah Chang, Pete Peterson y Ralph Hammeras

Protagonistas: Richard Denning (Hank Scott), Mara Corday (Teresa Alvarez), Carlos Rivas (Artur Ramos), Mario Navarro (Juanito), Carlos Múquiz (Dr. Velazco), Pascual Garcia Peña), Fanny Schiller, Pedro Galván y Arturo Martinez.

Sabandija implicada: Escorpiones y otros artrópodos prehistóricos

Duración: 88 min.

Luego de un violento terremoto y la aparición de un nuevo volcán, se suceden una serie de misteriosas muertes en la localidad de San Lorenzo (Mexico). Los causantes de este problema no son otros que unos inmensos escorpiones prehistóricos que habitan en una cueva que ha sido abierta por el fenómeno telúrico.

A pesar de haber sellado la entrada algunos escorpiones, liderados por un inmenso escorpión negro, y se dirigen a la ciudad de Mexico. Allí son combatidos por tanques y helicópteros, pero su fuerte armadura impide que las balas logren acabar con su vida. 

Debido a la oportuna intervención un famoso geólogo, que tiene la idea de electrocutar al bicho, el rey escorpión se verá transformado en una monumental barbacoa.

El encargado de los efectos especiales no fue otro que el creador del inolvidable King Kong de 1933: Willis O´Brien. Con la ayuda de Pete Peterson y un presupuesto poco menos que inexistente, se las arregló para darnos lo mejor que tenía este film: Un montón de escorpiones atacando un tren y una batalla del ejército mexicano contra el monstruo que dio el título al film.

Beginning of the End (1957-AB-PT Pictures Corp./Republic Pictures/Rank Film Distributors)

Dirección: Bert I. Gordon

Producción: Bert I. Gordon

Guión: Fred Freiberger y Lester Gorn

Música: Albert Glasser

Fotografía: Jack A. Marta

Dirección de arte: Walter E. Keller

Efectos Especiales: Bert I. Gordon y Flora M. Gordon

Protagonistas: Peter Graves (Dr. Ed Wainwright), Peggie Castle (Audrey Aimes), Morris Ankrum (General John Hanson), Than Wyenn (Frank Johnson), Thomas B. Henry, Richard Benedict y James Seay.

Sabandija implicada: Langostas creadas debido a un experimento con radiación.

Duración: 76 min.

¡Los chapulines (y no precisamente colorados) invaden la Tierra!

En una granja experimental del gobierno de los EE.UU. son llevados a cabo estudios con la radiación con el fin de hacer crecer frutas y verduras. Accidentalmente, unas langostas son sometidas al mismo tratamiento y adquieren un tamaño desproporcionado. El saldo de todo esto es mucha gente corriendo de acá para allá y un montón de maquetas destruidas de la ciudad de Chicago.

Debatiéndose entre usar armamento nuclear o esperar a que termine la película, un científico ideará una sencilla manera de contener la terrible invasión de langostas comecarne… ahogarlas en el lago Michigan.

Con un más que evidente bajo presupuesto, El Principio del Fin fue producida por American Broadcasting-Paramount (AB-PT), la cual se había percatado del gran auge que la ciencia ficción había alcanzado en los cines. 

Abrevando de la novela de H. G. Wells conocida como el Alimento de los Dioses (1904) y una idea del director Bert I. Gordon(3), Fred Frieberger y Lester Gorn idearon un guión para poder trasladar a las pantallas.

Descartada la idea de usar muñecos animados cuadro por cuadro, que elevarían en demasía los costos, Bert I. Gordon optó por el uso de la pantalla dividida, el static mattes y la retroproyección para lograr que las langostas interactúen con los protagonistas.(4) 

El film fue estrenado en junio de 1957, en función doble, en 244 cines del sur y medio oeste de los EE.UU., logrando un éxito moderado cuyo logro fue que AB-PT terminara cerrando sus puertas. ¡Se lo comieron los bichos!

Por supuesto que hay muchas otras películas de bichos gigantes cuyas garras, aguijones y apestosas secreciones se encuentran más que dispuestas para caer sobre ti.

Pero eso es otra historia para un futuro artículo.

Notas:

1-Como dato curioso les cuento que dentro del casting aparece el nombre del recordado Leonard Nimoy, el cual interpretó un pequeño papel como un sargento del ejército.

-"¡Eramos tan pobres!"-

2-Mystery Science Theater 3000 fue una serie televisiva, conformada por 197 episodios, que fue creada por Joel Hodgson. En la misma, el doctor Clayton Forrester (Trace Beaualieu) y su ayudante Frank (Frank Cornnif) envían al ordenanza Joel (Joel Hodgson) al satélite del amor (sic) y, junto a unos robots, se verá obligado a ver una tras otra un montón de película de clase Z. 


3-Bert I. Gordon (1922): prolífico director y productor de films clase B entre los que podemos nombrar King Dinosaur (1954), The Cyclops (1957), The Amazing Colossal Man (1957), La Tierra vs. La Araña (Earth vs. The Spider-1958), Attack of the Puppet People (1958), Village of the Giant (1965), El Alimento de los Dioses (The Food of the Goods-1976) y Empire of the Ants (1977).

4-Para llevar a cabo las tomas, Gordon consiguió 200 saltamontes en Waco (Texas) de los cuales solo sobrevivieron 12, ya que los mismos se devoraron entre si mientras lograba los permisos de transporte pues dichos insectos son considerados una plaga.

ALIENARTE (1° Parte)

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Mayo está llegando y, aparte de la baja temperatura, en ese mes arriba a nuestro planeta la muy esperada ¿precuela? conocida como Alien: Covenant, dirigida nada menos que por Ridley Scott.

Luego de lo que particularmente considero proyecto fallido que tuvo por título Prometheus("¡No soy Alien! ¡Juro que no soy Alien!"), este director inglés decidió llevar adelante una nueva producción que fuera una suerte de secuela de esta última... que espero no sea así.

Ganado por mi fanatismo por ese espeluznante xenomorfo, traigo a ustedes los artículos que en su momento vieron la luz en mi otro blog (¿Alguno se acuerda de Image(i)arte: el arte de la imaginación?)

Asi que, amigos míos, ajústense los cinturones y embarquémonos en este aterrador viaje hacia el sitio en donde tus gritos jamás serán escuchados. 

1-LOS ORIGENES DE ALIEN
-Ron Cobb- 

No cabe ninguna duda que la película Alien El Octavo Pasajero (1979) es una experiencia netamente visual que se encargó de cambiar la estética de la ciencia ficción cinematográfica. Pero ello nunca hubiera sido así si no fuera por la visión de un grupo de artistas, cuyos lápices, pinturas e ideas se encargaron de darle sustancia a lo que en un principio era un sencillo y poco original guión.

Los trabajos que van a ver a continuación son una serie de storyboards, bocetos, diseños e ilustraciones que se realizaron durante las etapas de presentación del guión y de pre-producción, los cuales estuvieron a cargo de Dan O´Bannon (escritor del guión) y Ron Cobb (ilustrador)

Dichas imágenes corresponden en su mayoría al "Especial Cine: Alien el Octavo Pasajero"(Ed. Nueva Frontera S.A. -1979-) el cual contiene material infográfico perteneciente al libro de Paul Scanlon y Michael Gross: Historia de Alien. El resto se debe a una intensa búsqueda realizado en diferentes páginas de Internet.



-DAN O´BANNON-

Se trata nada más ni nada menos que del creador de la historia original de Alien El Octavo Pasajero. Basándose en una vieja idea que había escrito varios años atrás, a la cual le había puesto el nombre de "Memory", reescribió junto a Ronald Shusett lo que serían los primeros pasos para la creación de uno de los grandes hitos del cine de ciencia ficción.

Entre sus muchas participaciones como escritor y director de cine pueden nombrarse Heavy Metal (1981), Lifeforce (1985), Invasores de Marte (Invaders from Mars-1986), El Regreso de los Muertos Vivos (Return of the Living Dead-1985) y El Vengador del Futuro (Total Recall-1990).

O´Bannon falleció en la ciudad de Los Angeles el 17 de Diciembre de 2009.


Diseños de O´Bannon sobre sus ideas de como debía ser el alien


-RON COBB-

"Me gusta enormemente ilustrar mis propios fantasmas"

Este prolífico ilustrador norteamericano, nacido en 1937, comenzó a trabajar para los Estudios Disney en el film de animación La Bella Durmiente (Sleeping Beauty-1959).

En su faz de ilustrador y diseñador de producción, trabajó en películas tan famosas como Star Wars (1977), Conan El Bárbaro (Conan the Barbarian-1982), El Último Guerrero Espacial (The Last Starfighter-1984), Regreso al Futuro (Back to the Future-1985), El Vengador del Futuro (Total Recall-1990), Mentiras Verdaderas (True Lies-1994) y El Sexto Día (The 6th Day-2000).

Las anotaciones de Cobb sobre los diseños del Nostromo confirman la descripción que el hace de si mismo como ingeniero frustrado.

"Me gusta esta clase de retos, diseñar una nave espacial calculando hasta la capacidad de carburante y el sistema de funcionamiento de los motores. Las películas son un medio ideal para mí para comunicar mis ideas sobre la cuestión. Algo tan excitante no podría guardármelo"

Diferentes diseños del Nostromo
-Versión del puente de mando tipo "duplex". Debido al alto costo implicado para su construcción quedó de lado, conservándose únicamente el diseño de los asientos- 

-Versión más refinada del puente de navegación, equipado con una gran pantalla, pero sin ventanas-

-Esbozo del asiento lateral situado en la consola de mando, en el puente de navegación- 


Dibujos realizados por a partir del guión original de O´Bannon
-Los exploradores descubren una base terrestre abandonada, donde otros viajeros han luchado inútilmente contra los aliens- 


Diseños de las diferentes cubiertas del Nostromo, en los cuales se buscó más el aspecto de un barco de carga que el de una nave espacial.





-Exclusa de aire de la nave de salvamento- 


-Escena eliminada del guión final en la que Ripley y Dallas iban a tener un encuentro amoroso. La escena romántica se vería drásticamente interrumpida con el cuerpo de Kane pasando sobre la cúpula- 
-Autodoc, primer decorado construido siguiendo las descripciones de Cobb- 

-Uno de los primeros "Autodocs"- 

-Primera versión de la cámara de hipersueño- 

-Sala de depósitos de aire, en la que se puede ver un herido. esta escena, en donde la tripulación intenta encerrar al alien en la exclusa de aire, lamentablemente, fue eliminada- 

Diferentes diseños para la nave de salvamento
-Interior de la nave de salvamento- 

-Este vehículo no aparece en el guión final, pero sirve de modelo para demostrar la vocación de ingeniero de Cobb- 

-Según el guión original, los astronautas penetran en un templo en donde se esconden los huevos alienígenas- 

-En el guión de O´Bannon, la atmósfera del templo era respirable. Cobb diseñó un Face Hugger con apariencia de pulpo que se prende al rostro del pobre Kane- 

-Criatura creada por Cobb para el guión original y que sirvió de inspiración para los trabajos posteriores de Giger- 

-Diseño de un traje de superficie- 


SI QUERÉS SABER ALGO DE LA HISTORIA SOBRE EL ORIGEN DE ALIEN PODES PINCHAR LA IMAGEN QUE SE ENCUENTRA ACA ABAJO

ALIENARTE (2° Parte)

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2-LOS GESTORES DE UN FUTURO IMPERFECTO

Para que Alien el octavo pasajero fuera cobrando la dimensión de auténtico mito cinematográfico, fue necesaria la intervención de numerosos ilustradores que se encargaron de perfilar un futuro que fuera totalmente creíble. Los aportes creativos de Moebius y Chris Foss fueron una baza importante para la realización de una de las mejores películas de ciencia ficción.


JEAN GIRAUD "MOEBIUS"

Su apodo es sinónimo de la historieta francesa y la de todo el mundo. Su arte, caracterizado por un trazo limpio y estilizado, carismáticos personajes y guiones atrevidos lo han encumbrado como uno de los más célebres creadores de esta manifestación artística.

Entre sus numerosísimos trabajos podemos destacar a El Teniente Blueberry, Arzach, The Long Tomorrow, El Garaje Hermético, la monumental saga de El Incal, La Ciudadela Ciega, El Mundo de Edena, Venecia Celeste, Silver Surfer: Parabola y El Corazón Coronado.

En el terreno cinematográfico se destacan sus colaboraciones en películas como Blade Runner (1982), Willow (1988), El Quinto Elemento (The Fith Element-1997), El Abismo (Abbys-1989), Tron (1982), el dibujo animado Los Maestros del Tiempo (
Les Maîtres du Temps-1982)y, por supuesto, Alien El Octavo Pasajero.

Si bien su protagonismo en esta última fue muy breve, sus bocetos y diseños contribuyeron enormemente a definir la imagen visual del mismo.



Diseños de vestuario


Los diseños de los trajes espaciales dibujados por Moebius tenían el aspecto de armaduras medievales japonesas. John Mollo (diseñador de vestuario) adoptó esa idea y los transformó en una soberbia composición que les daba un marcado aspecto gótico.

-Aunque Moebius solo estuvo algunos días trabajando
en la pre-producción del film, su idea del traje de superficie
terminó apareciendo en la versión final- 

Los trabajos realizados por Moebius con referencia al vestuario de los personajes proporcionaron la base perfecta para su posterior realización. Los dibujos que se encuentran a continuación nos muestran trajes de interior y exterior, presentando el almohadillado clásico en hombros y rodillas de un jugador de cricket.

CHRIS FOSS

Se trata de un destacado ilustrador británico, cuyos detallados trabajos pueden apreciarse en numerosas publicaciones de ciencia ficción, en donde se destacan los paisajes futuristas, intrincados robots y colosales naves espaciales de atrevidos diseños.

En el año 1975 fue convocado por el director y escritor chileno Alejandro Jodorowsky para realizar algunos diseños para un fallido proyecto basado en la novela Dune, del escritor Frank Herbert


Posteriormente pondría todo su conocimiento en la creación del carguero espacial Nostromo, en un principio llamado "Leviathan", los primeros esbozos de la nave extraterrestre y algunas escenas que posteriormente serían eliminadas debido a cuestiones de presupuesto.

Otra de sus grandes participaciones en el séptimo arte fue la creación de las ambientaciones del planeta Krypton para la película Superman The Movie (1978).

Diseños del Nostromo

-Diseño del "Leviathan" estilo ornitorrinco-


-Plataforma de refinería construida sobre los fragmentos de un asteroide- 

-Dibujos del Nostromo realizados en base a los diseños de un submarino-

-Foss imaginó la parte trasera de la gran nave, en donde se encontraba el sistema de propulsión interestelar- 


-Este detallado dibujo nos ofrece una versión de la proa del "Leviathan" con sustentación vertical. Esta versión sería tomada en cuenta para el diseño final del Nostromo-






-Los dos dibujos que se encuentran más arriba fueron los primeros diseños del "Leviathan", llamado más tarde Nostromo. Este trabajo futurista nos presenta una nave colosal, sin dejar de lado el cuidado especial en los detalles característicos- 

-El influjo de los barcos en Foss en innegable. Este boceto nos muestra un perfil tipo "barco de río" visto desde atrás- 

-La proa de la nave tipo "barco de río"presenta reactores de frenado, propulsores sustentadores verticales en forma de barricas, y pañoles en la popa- 


-Esta nave ofrece un asombroso parecido a un navio carguero o un petrolero. Dicha semejanza puede verse en los vastos pañoles rectangulares situados en la parte central de la misma-

-Idea de un tren de aterrizaje en forma de toneles, basado en viejas ideas que desarrolló para Dune- 


-Otro trabajador mecánico, esta vez accionado por un ser humano, que finalmente no fue previsto en el guión- 

-Idea de un "reparador" basado en un vehículo descrito por el escritor de ciencia ficción Robert Heinlein- 

-En cierto momento del guión, se describen serios deterioros en el interior de la nave. Foss diseñó un robot, destinado a realizar las reparaciones en la sala de máquinas- 


-Bosquejo de Foss para un asiento del puesto de mando, relativo a una de sus primeras naves, en donde se presenta una especie de sillón flotante usado en el momento del aterrizaje- 

Diseños de la nave alienígena
-Los dos dibujos de arriba representan una versión de Foss de la nave extraterrestre similar a un "crustaceo", que cuentan con la particularidad de poseer una suerte de cola de escorpión y un largo fuselaje que se entierra en la arena- 

-Versión original de la cabeza del piloto de la nave extraterrestre en ruinas. En el guión original, el grupo de reconocimiento regresa con ella al Nostromo, como prueba de la existencia de otra cultura inteligente en el universo- 

Diseños de la pirámide en el planetoide

En el guión original de Alien el octavo pasajero, los astronautas se encuentran sobre la superficie del planetoide con una misteriosa pirámide, a cuyo lado se encuentra una nave extraterrestre abandonada. 
Cuando ingresan en el interior de la construcción se encuentran con una tumba y una enorme cámara que contiene los huevos del Alien

Debido a problemas presupuestarios esta escena fue totalmente eliminada, mostrándonos únicamente la nave espacial. Esta idea sería retomada, junto a los diseños de H. R. Giger, en la nueva producción "Prometheus".
-Dallas y Lambert observando el descenso de Kane por el pozo de la pirámide- 

-El interior del templo alien, según la idea de Foss, nos muestra a Kane bajando por el hondo pozo hacia la tumba-

ALIENARTE (3° Parte)

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3-
LOS PADRES DE LA CRIATURA

"La estrella del film es el alien", diría Hans Rudy Giger y le sobraban razones para opinar de esa manera.

La criatura creada para este film rompería con los moldes conceptuales de lo que hasta ese momento era un monstruo. Gracias a ello, este peligroso e inquietante ser extraterrestre llegaría a transformarse en parte de la iconografía del cine de terror, junto a otros tan importantes como Frankenstein, Drácula, El Monstruo de la Laguna Negra y el Hombre Lobo.

Pero dicha creatividad tampoco habría llegado a ser lo que fue sino fuera por el espíritu emprendedor y creatividad de su director, Ridley Scott. Su minucioso detallismo a la hora de llevar a cabo todas las ideas que habían sido concebidas hasta ese momento, permitieron que Alien el Octavo Pasajero pudiera verse transformada en una de las mejores películas de ciencia ficción del siglo XX.



-H. R. GIGER-

Destacado pintor, escultor y diseñador nacido en Suiza en 1940, cuya fama se haría conocida en todo el mundo gracias a su importante participación en Alien El Octavo Pasajero (con el que incluso ganó un Oscar).


Su labor artística estuvo fuertemente influenciada por artistas plásticos como Salvador Dalí, Jean Cocteau y Ernst Fuchs y del escritor de terror norteamericano Howard Phillips Lovecraft, creador de los famosos Mitos de Cthulhu.

Su soberbio manejo del aerógrafo y la pintura acrílica, un sistema muy poco conocido cuando comenzó a usarlo en los años 70, le permitió crear monstruosos y 
surrealistas paisajes oníricos que sugerían un inquietante y perverso erotismo en su diseño. 

En dichas pinturas e ilustraciones pueden verse entremezcladas extrañas criaturas metamórficas, que se amalgaman con paisajes de pesadilla y ciclópeas maquinarias de imposible tecnología. 


Esta extraña comunión entre la carne y lo artificial, a la que su creador le dio el nombre de biomecánica, puede ser apreciado a lo largo del film de Ridley Scott.

En el séptimo arte, sus aportes creativos pudieron verse en películas como Alien 3 (1992), Alien: Resurrection (1992), Poltergeist II (1986), Especies (Species-1995), Tokyo: la Última Megapolis (1988) y Prometheus.


DISEÑOS del ALIEN



Primeros diseños del Face Hugger. Esta criatura sufriría una constante evolución a lo largo de la pre-producción. El mismo no dejó de achicarse hasta alcanzar el tamaño de la cara de su víctima.
-Necronom IV -1976- Esta ilustración que serviría de modelo para la creación del Alien -Pintura acrílica en papel sobre madera-

-Si el guión definitivo hubiera conservado la escena de la pirámide, hubiéramos tenido la oportunidad de admirar estos jeroglíficos realizados por Giger. En los mismos se halla representado el ciclo reproductivo de del alien (Pintura acrílica en papel)- 

-Alien Monster IV -1978- pintado con acrílico en papel sobre madera- 

-Inquietante secuencia, que fue suprimida en la versión original y rescatada para el corte del director, en las que se ve los capullos tejidos por el alien con el fin de originar más criaturas-

NAVE ALIENÍGENA ABANDONADA

La idea de Giger sobre la biomecánica aparece plenamente en los trabajos realizados para el film, tal como lo demuestran los dibujos que se encuentran a continuación. 

En ellos se puede observar con gran detalle el exterior e interior de la nave alienígena abandonada. En su concepto de la biomecánica, los artefactos tienen un carácter orgánico y mecánico a un mismo tiempo. 

Ello se debe a que Giger le gustaba trabajar con huesos.

-Detalle de la nave abandonada (Acrílico en papel)- 

-Las connotaciones sexuales durante el film son más que evidentes. Cuando Giger diseñó las portillas de entrada de la nave alienígena, les dio un carácter cuasi vaginal (Acrílico en papel)- 

-Versión de la cámara de huevos de Giger, creada a partir del primer guión. La misma presenta superficies curvas que le da el aspecto de un pecho femenino. Esta idea, desechada en el guión final, sería retomada en la nueva producción Prometheus-
-Cabina del piloto de la nave alienígena abandonada que fue realizada con pintura acrílica en papel sobre madera- 

-Piloto en la cabina realizada con pintura acrílica en papel- 

-RIDLEY SCOTT-

Este director ingles, proveniente del mundo de la publicidad, se ha destacado a lo largo de los años como un auténtico creador de grandes producciones que lo colocaron en el mítico panteón de los grandes creadores del séptimo arte.

Además de Alien el Octavo Pasajero, tuvimos la oportunidad de apreciar su labor en películas tan importantes como Blade Runner (otro de los grandes hitos de la ciencia ficción cinematográfica), Thelma y Louise, La Caída del Halcón Negro, Gangster Americano, Robin Hood, Gladiador (ganadora de varios Oscar, incluyendo el de mejor director) y Prometheus.

La depurada técnica utilizada por Ridley Scott en sus storyboards proviene directamente de su experiencia en la dirección artística. Su desarrollado sentido visual estuvo influenciado por las inquietantes ideas de H. R. Giger.

ALIENS: COVENANT: PACTO SINIESTRO

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"Mi nombre es Ozymandias, rey de reyes:
¡Contemplad mis obras, poderosos, y desesperad!"

-Percy Shelley-

¡¡Juro que lo juré!!

Me juré y recontrajuré que no debía dejarme llevar por las expectativas ante ciertos estrenos cinematográficos pero, humano al fin, volví a caer una y otra vez en la trampa que te ofrecen esos malditos trailers que promocionan ciertas producciones que tanto me gustan.

Me pasó con Batman v Superman. Me pasó con Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza. Me pasó hace poco con la rusa Los Guardianes. Todas estas fueron películas gestadas a la sombra de unos trailers superrecontracebados que, lamentablemente, no se vieron trasladados a las pantallas en el momento de su estreno.

Sin duda alguna Prometheus fue la más decepcionante de todas, su argumento pasmosamente “tomado prestado” de 2001, una Odisea Espacial, La cosa de John Carpenter y del mismísimo Alien transformó la gran posibilidad de revitalizar el mito (algo caído por esos tiempos) en un auténtico fracaso que fue inmediatamente odiado por casi todos los fans que se precian de serlo.

Prometheus no quería ser Alien y finalmente fue Alien… pero mal concebida.

A pesar de ese revés, Scott no cejó en su intento en seguir contándonos esta nueva idea argumental que se sitúaba varios años antes de los hechos acontecidos alrededor del Nostromo y su sufrida tripulación. 

"Creo que la tensión real y el miedo es algo alentador cuando asustas a la gente-Diría Ridley Scott en un reportaje- Hay una sed de sangre ahí afuera -estas sangrientas películas que ves que ni siquiera son atemorizantes, son como ¡Diablos!, urrgh, no quiero ver eso-. Así que pensé que iba a tratar de volver y hacer una película de terror".

Para 2012, la propia Fox estaba más que interesada en una segunda película dedicada a nuestro xenomorfo favorito, contando incluso con la reaparición de Moomi Rapace y Michael Fassbender, que habían sido los únicos sobrevivientes de la anterior entrega. Incluso el propio Ridley Scott, durante la promoción de Misión Rescate (The Martian-2015), dejó deslizar su gran interés de generar una serie de secuelas que sirvieran de puente entre Prometheus y Alien, El Octavo Pasajero.

Al año siguiente, los guionistas Jack Paglen (Transcendence: Identidad Virtual) y Michael Green (Green Lantern y Everwood) dieron por terminado un guión que sería conocido con el título tentativo de Alien: Paradise Lost, en obvia referencia a la obra de la obra de John Milton. El mismo fue reescrito por John Logan (Gladiador, Star Trek: Nemesis, El Último Samurai, 007: Spectre y la serie Penny Dreadfull) con la idea de transformarlo en una trilogía que la conectara con la película original estrenada allá por finales de la década del 70.

Había nacido el proyecto Alien Covenant.

Las escenas realizadas en exteriores fueron filmadas en el Parque Nacional de Fiorland, situado en la isla sur de Nueva Zelanda, a partir de abril del 2016. Posteriormente, fueron llevadas a cabo filmaciones adicionales en los Estudios Leavesden (Hertfordshire-Inglaterra), el mismo lugar en donde fue realizada la saga de Harry Potter (2001-2011), Sherlock Holmes (2009) y Kingsman (2015), solo por nombrar algunas conocidas producciones.

En lo que respecta al apartado actoral, el grupo de tripulantes de la Covenant estuvo conformado por los siguientes protagonistas:-

-Michael Fassbender: interpreta el doble papel de los androides David, que hiciera su aparición en Prometheus, y Walter, supuestamente más avanzado que el anterior.

Nacido en Alemania, este actor puede ser visto en films como 300 (2007), Eden Lake (2008), Gloriosos Bastardos (Inglourious Bastards-2009), Jonah Hex (2010), X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class-2011), X-Men: Días del Futuro Pasado (X-Men: Days of Future Past-2014) y X-Men Apocalypse (2016), estas tres últimas interpretando al villano Magneto.

-James Franco: es Jacob Branson, el capitán original de la astronave colonizadora Covenant

Este actor, una de las última contrataciones para esta producción, es una figurita más que conocida en el medio gracias a films como Spider-Man (2002), Spider-Man 2 (2004), Flyboys (2006), Spider-Man 3 (2007), Milk (2008), Rise of the Planet of the Apes (2011), Este es el Fin (This is the End-2013), Oz: El Poderoso (Oz: The Great and Powerful-2013) y la políticamente incorrecta Una Loca Entrevista (The Interview-2014).

-Katherine Waterston es Daniels, una experta en terraformación que también es la esposa del anterior.

Actriz inglesa que hizo su aparición en films como Michael Clayton (2007), La Desaparición de Eleonor Rigby (2013), Steve Jobs (2015), Animales Fantásticos y Donde Encontrarlos (Fantastic Beast and Where to Find Them-2016) y en la serie Boardwalk Empire (2012).

-Billy Crudup es Christopher Oram, el segundo de abordo y posterior capitán de la Covenant. Entre sus créditos figuran El Gran Pez (Big Fish-2003), Misión Imposible III (M:i:3-2006), Watchmen (2009) y En Primera Plana (Spotlight-2015)

-Danny Mc Bride le tocó el papel de Tennessee, el encargado de pilotar la nave de colonización. Puede también vérselo en Superbad (2007), La Tierra de los Perdidos (Land of the Lost-2009), Kung Fu Panda 2 (2011) y Este es el Fin (This is the End-2013).

-Demian Bichir es el sargento Lope, el encargado de la seguridad. Actor mexicano que pudimos ver en Perdita Durango (1997), Hidalgo: La Historia Jamás Contada (2010) y Machete Kills (2013). 

-Carmen Ejogo interpreta a Karine una bióloga. Actriz de origen inglés que hizo su aparición en Los Vengadores (The Avengers-1998), Perfume (2001) y Animales Fantásticos y Donde Encontrarlos (Fantastic Beast and Where to Find Them-2016).

Al casting se sumaron dos protagonistas que habían participado en Prometheus: Noomi Rapace en el papel de la doctora Elizabeth Shaw y Guy Pearce como Peter Weyland

También, interpretando al neomorfo extraterrestre, estuvo Javier Botet… que por supuesto puso su cuerpo para que se le realizara un minuciosa captura de movimiento.

Si bien están emparentados con el xenomorfo que hizo su presencia en el film original, basándose incluso en los diseños de H. R. Giger, las criaturas creadas para esta nueva producción difieren sustancialmente del anterior. 

En Alien Covenant conviven varios tipos de inquietantes procesos evolutivos que van desde una pequeña criatura traslucida hasta la forma adulta que es más conocida por los fans. Incluso, hace su aparición una entidad conocida como Neomorfo, que ingresa en forma de espora a un huésped humano para terminar desarrollándose como una bestia salvaje de características humanoides.

El diseño conceptual de los mismos corrió por cuenta del artista Dane Hallett, quien ya había trabajado anteriormente con Scott en Prometheus, un auténtico amante del film original y en especial de la labor realizada por H. R. Giger. Al respecto de su intervención comentaría en un reportaje:-

“Creo que es una experiencia única para un artista y, desde el primer momento, tenía la compañía espiritual de mis héroes artísticos(Cobb, Cameron y Giger). Suelo ver las películas de Alien al menos cada dos meses, pero no podía asustarme al pensar en el legado cinamatográfico en el que estaba a punto de meterme”
-ALGUNOS DE LOS DISEÑOS REALIZADOS PARA EL FILM-

En lo que se refiere a los efectos especiales, Odd Studios y CreatureNFX se encargaron de realizar alrededor de 30 animatrónicos, ya que el director deseaba que los actores interactuaran con los monstruos la mayor parte de las escenas que fueran posibles, en tanto que Animal Logic tuvo en sus manos la tarea de recrear digitalmente a varias de las criaturas alienígenas.

Con una más que seductora clasificación R (o sea que se trata de una película de carácter muy violento y con cantidades ingentes de sangre), Alien: Covenant fue estrenado el 12 de mayo de este año en todos los sistemas de proyección que se conocen en la actualidad.

En lo que respecta al merchandising proyectado para este evento tan esperado, Titan Books editó al momento del estreno dos novelas que estuvieron a cargo de nada menos que Alan Dean Foster

Una de ellas es la adaptación en prosa de la película en tanto que la otra se sitúa cronológicamente antes de los acontecimientos sucedidos en el film, bajo el título de Alien: Covenant: Origins. También fueron editados dos libros de carácter técnico dedicados al arte conceptual y la realización del mismo.

En el medio virtual conocido como Internet, tuvimos la oportunidad de disfrutar una suerte de prólogo llamado The Crossing (El Cruce) en el cual nos es narrado lo sucedido con la doctora Shaw y el androide David durante su viaje en busca de los Ingenieros, la superraza creadora de la humanidad (https://www.youtube.com/watch?v=fAPKi4mkA3M).

Corre el año 2104. La nave colonizadora Covenant se dirige con rumbo al planeta Origae-6, con 2000 colonos en estado criogénico y 1400 embriones. Debido a una inesperada tormenta de neutrinos, que pone en peligro la seguridad de la espacionave, el androide Walter despierta a los 15 tripulantes encargados de manejar la nave, con el fin  de salir del atolladero y reparar los daños causados por el incidente.

Mientras realizan los trabajos de reparación y mantenimiento, una misteriosa llamada termina conduciéndolos hacia un sistema solar desconocido hasta el momento. En un planeta que parece casi paradisíaco, la tripulación de la Covenant descubre que el mismo esconde un terrible secreto que pondrá en peligro sus vidas y la existencia de la raza humana en el universo.

Con esta premisa argumental se desarrolla esta nueva entrega del universo tan particular que fuera creado por Ridley Scott hace casi 40 años y que tantos buenos dividendos le diera a la 20th Century Fox y sus asociados.

Situada 10 años después de Prometheus y 18 antes de Alien, el octavo pasajero, el film intenta conectar de alguna manera ambos acontecimientos a fin de crear una historia que fuese consistente con el mito que todos nosotros hemos aprendido a amar y conocer hasta el mínimo detalle.

Alien Covenant no es Alien, ni tan siquiera llega a la altura de Aliens el regreso, pero afortunadamente no es Prometheus

Si bien su línea argumental se basa en lo acontecido a la doctora Shaw y el androide David, Scott tuvo la suficiente inteligencia como para no caer en la misma trampa en la cual se había metido al tratar de llevar adelante una precuela que abarcara más de lo que podía abrazar.

Lamentablemente, la mayoría de los personajes están muy poco desarrollados y es bastante pobre la empatía que generan los mismos para con los espectadores. Si no tuviste la fortuna de ver los avances y esa suerte de prólogos que hicieron su aparición en Internet, quedas un tanto perdido con sus motivaciones personales y la interrelación con sus compañeros de viaje. 

La película falla totalmente en ese concepto y, si hilamos finito, el guión posee algunas inconsistencias argumentales que resultan bastante ridículas, y cito como ejemplo más que evidente el visitar un planeta totalmente desconocido vestidos únicamente con ropas de invierno. Esos problemas terminaron transformándola en tan solo una película más de ciencia ficción con tiros y monstruos que te atacan por sorpresa. Divertida y nada más.

Es evidente que el fantasma de Ripley y el resto de la tripulación del Nostromo continúa siendo una pesada carga.

Una mención aparte la merece la destacada actuación del talentoso Michael Fassbender, que tuvo en suerte el interpretar a los dos humanoides sintéticos creados por la compañía, logrando un contrapunto sumamente interesante entre el mesiánico y enloquecido David y el gentil Walter.

Como siempre digo, ya hablar o sorprenderse con los efectos especiales es tornarse repetitivo pues los mismos son sin duda alguna la baza más fuerte de la película. Los xenomorfos se ven peligrosamente letales, otorgándonos grandes dosis de sangre, pechos (¡y espaldas!) rotos y situaciones violentas dignas de ser apreciadas.


Como dije más arriba, el ambicioso plan de Ridley Scott incluye una serie de secuelas, que dependerán del éxito o no que obtenga Alien: Covenant. Tengamos fe y esperanza de que las cosas puedan por fin encausarse de manera correcta.

En 1979, este director redefinió el concepto del terror al presentarnos un monstruo que era totalmente diferente a los que habíamos conocido hasta ese momento. Alimentados por esas pesadillescas criaturas lovecrafianas y el más puro horror gótico, toda una generación de adictos a la ciencia ficción crecimos a su sombra… y eso estuvo muy bueno.


¿Logrará este gran director devolver al candelero a una de las criaturas más mortales que han existido en las pantallas cinematográficas?

Tan solo el siniestro pacto establecido entre los fans y la mítica saga podrá darnos la respuesta. El tiempo dirá cuál será el resultado.

FICHA TECNICA

ALIEN: COVENANT (2017-Twenty Century Fox Film Corporation/Brandywine Productions/Scott Free Productions/TSG Entertainment)

Dirección: Ridley Scott.

Producción: David Giler, Amy Greene, Walter Hill, Mark Huffam, Michael Schaefer y Ridley Scott.

Guión: John Logan, Dante Harper, Jack Paglen y Michael Green (basado en la idea de Dan O´Bannon y Ronald Shusett).

Música: Jed Kurzel

Fotografía: Dariusz Wolski.

Diseño de producción: Chris Seagers.

Efectos especiales: Animal Logic, Atomic Fiction, Frametore, Luma Pictures, Moving Picture Company, Odd Studio, Peerless, Proof, Rising Sun Pictures, Argon Effects, Company 3, DMR Film Ventures, Fluent Image

Protagonistas: Katherine Waterston (Daniels), James Franco (Branson), Michael Fassbender (David/Walter), Moomi Rapace (Elizabeth Shaw), Guy Pearce (Peter Weyland), Billy Crudup (Christopher Oram), Carmen Ejogo (Karine Oram), Danny McBride (Tennessee), Callie Hernandez, Jussie Smollett, Demian Bichir, Goran D. Kleut, Amy Seimetz, Tess Haubrich, Uli Latukefu, Benjamin Rigby, Alexander England, Andrew Crawford, Nathaniel Dean y Matt Scaletti.

Duración: 123 min.


-GALERIA DE IMAGENES-

-THE CROSSING-

Estas escenas corresponden al prólogo de Alien: Covenant, en el cual nos es mostrado lo que pasó después de Prometheus

-DAVE-

Aparecido en internet, este corto nos muestra la creación de Dave, el humanoide sintético, antes de los acontecimientos sucedidos en Prometheus.

Las escenas que se encuentran a continuación corresponden a un ¿trailer? (eso creí en un principio) del inicio de la expedición colonizadora del Covenant. En el mismo nos muestra la reunión de los tripulantes antes de sumergirse en el hipersueño. Las mismas tienen la virtud de presentarnos a sus personajes y las relaciones existentes entre ellos. Toda esta escena no aparece en el film, lo cual es una pena.

Fotogramas del film

Las imágenes presentes corresponden a capturas de pantalla que realicé de los diferentes trailers que fueron apareciendo.
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